Público: Joven

Think Young Lab: Cine

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Entrada libre hasta completar aforo. 

 

 

PROYECTO DE COMISARIADO EN EL MARCO DE #MEETYOU 2022

TYL, acrónimo de Think Young Lab, es un comisariado vivo articulado a través de cinco encuentros conversacionales y tres acciones expandidas. El objetivo de TYL es generar una serie de espacios de conocimiento situado con diferentes creadoras en el que buscar una definición posible de las bellas artes en la actualidad. Charles Batteux publica, en 1746, Les Beaux-Arts réduits à un même principe, un texto que pone de manifiesto las diferentes vías de formalización de las diversas culturas artísticas y sus soportes. Partiendo de esta clasificación, se proponen una serie de laboratorios en los que plantear o discutir las resonancias de dichos formatos y su desarrollo en la era post-internet.

Cinco encuentros, entre los meses de febrero y mayo del año 2022, marcarán el desarrollo del ciclo. Las disciplinas elegidas para esta ocasión son la poesía, la música, el cine, la pintura y la danza donde serán convocadas jóvenes creadoras del ámbito local y nacional. El fin pasa por generar un diálogo en relación al sentido de estas prácticas en el sistema actual del arte: Intentar entender bajo qué lógicas se desarrollan estas prácticas hoy, su dimensión política y relaciones interdiscursivas con la sociedad y la tecnología. En definitiva, se pretende plantear marcos de pensamiento posibles en los que desarrollar la expresión artística de nuestros días.

TYL se desarrollará en diversos espacios de la ciudad de Valladolid: 11 filas, Espacio Joven Norte, Galerías López Gómez , Andén 47 y Sala Cientocero. Como programaciones expandidas del comisariado tendremos un poetry slam, un micro abierto y una Battle Hip-Hop FreeStyle que pondrá el broche final a TYL.

Álvaro Caboalles

(Ponferrada, 1994). Creador e Investigador en escena contemporánea. Doctorando del programa Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura  de la UAM y profesor en el IED Madrid dentro del departamento de Visual Arts. Gerente de MACOMAD, Coordinadora Madrileña de Salas Alternativas, donde desarrolla su trabajo como gestor cultural. Como reconocimiento a su trabajo ha sido beneficiario de las Ayudas a la Creación Joven de INJUVE ed. 2019 y 2020 en las categorías de Producción de Obra y Movilidad de Creadores; y los accésit de Premios Arte Joven CyL en la categoría de Artes Escénicas (2019 y 2021) y Letras Jóvenes (2021). Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas.

www.alvarocaboalles.com   @sr_caboalles

Miguel Sánchez

(Palencia, 1986) Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Europea Miguel de Cervantes con especialización en realización y guión para cine y televisión. Desde 2010 es uno de los socios fundadores que integran la productora audiovisual Visual Creative. Ha producido el largometraje documental «¡FOLK! Una mirada a la música tradicional», del que también realizó el sonido, y que fue candidato a las nominaciones de los premios Goya de 2019, y que consiguió el Premio a Mejor Sonido en el Festival Internacional de Cine Etnográfico de Rumanía. A diario ejerce como divulgador de la cultura rural e identitaria de Castilla y León mediante sus redes sociales.

Vicente Monroy

(Toledo, 1989). Escribe ficción, ensayo, poesía y teoría literaria y de cine. Imparto cursos de cine. He trabajado como profesor de cine y arquitectura en la Universidad Politécnica de Madrid, como guionista, como traductor y co
mo arquitecto. Autor del ensayo Contra la cinefilia (Clave intelectual, 2020), su primera novela, Los Alpes marítimos (Lengua de trapo), se publica en otoño de 2021; ha participado en varias antologías de relato y poesía, con un total de ocho poemarios publicados. Su proyecto El vuelo de Perseo, que mezcla narrativa y arquitectura conceptual, fue seleccionado en el pabellón español de la Bienal de Venecia 2018.

 

 

 

 

Think Young Lab: Música + Micro abierto

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PROYECTO DE COMISARIADO EN EL MARCO DE #MEETYOU 2022

 

 

TYL, acrónimo de Think Young Lab, es un comisariado vivo articulado a través de cinco encuentros conversacionales y tres acciones expandidas. El objetivo de TYL es generar una serie de espacios de conocimiento situado con diferentes creadoras en el que buscar una definición posible de las bellas artes en la actualidad. Charles Batteux publica, en 1746, Les Beaux-Arts réduits à un même principe, un texto que pone de manifiesto las diferentes vías de formalización de las diversas culturas artísticas y sus soportes. Partiendo de esta clasificación, se proponen una serie de laboratorios en los que plantear o discutir las resonancias de dichos formatos y su desarrollo en la era post-internet.

Cinco encuentros, entre los meses de febrero y mayo del año 2022, marcarán el desarrollo del ciclo. Las disciplinas elegidas para esta ocasión son la poesía, la música, el cine, la pintura y la danza donde serán convocadas jóvenes creadoras del ámbito local y nacional. El fin pasa por generar un diálogo en relación al sentido de estas prácticas en el sistema actual del arte: Intentar entender bajo qué lógicas se desarrollan estas prácticas hoy, su dimensión política y relaciones interdiscursivas con la sociedad y la tecnología. En definitiva, se pretende plantear marcos de pensamiento posibles en los que desarrollar la expresión artística de nuestros días.

Álvaro Caboalles 

(Ponferrada, 1994). Creador e Investigador en escena contemporánea. Doctorando del programa Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura  de la UAM y profesor en el IED Madrid dentro del departamento de Visual Arts. Gerente de MACOMAD, Coordinadora Madrileña de Salas Alternativas, donde desarrolla su trabajo como gestor cultural. Como reconocimiento a su trabajo ha sido beneficiario de las Ayudas a la Creación Joven de INJUVE ed. 2019 y 2020 en las categorías de Producción de Obra y Movilidad de Creadores; y los accésit de Premios Arte Joven CyL en la categoría de Artes Escénicas (2019 y 2021) y Letras Jóvenes (2021). Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas.

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Batlle Hip-Hop FreeStyle

Micro Abierto

En esta sesión de TYL nos gustaría proponeros a vosotras, músicas, instrumentistas y cantantes de la ciudad de Valladolid la posibilidad de mostrar vuestros últimas temas, composiciones o canciones tradicionales de vuestras abuelas. Para ello solamente debéis de traer vuestros propios instrumentos y prepararos para compartir vuestras creaciones con el resto de asistentes. Abriremos las listas de participación unos días antes a través de nuestro perfil en Instagram

Nacho Prada

(Valladolid, 1993) Compositor multidisciplinar, habita géneros como la canción de autor, el pop y las músicas de raíz. Su música transita entre los sonidos más modernos a los más tradicionales, apostando por una música sincera y cercana, por darle significado a la canción, honrando el poder de unión, comunicación y reflexión que esta tiene. En 2021 lanza sus cinco primeras canciones, grabadas en directo, fruto de ser vencedor en el concurso Demoexpress’19 del Ayuntamiento de Valladolid. Estas fueron acogidas tanto por el público como por la prensa, siendo referenciado en medios como Mondosonoro, El Diario de Burgos o eldiario.es.

Camille Hédouin

(Nantes, 1986) Llega a Galicia en 2011 para instalarse en la aldea de Pardavedra (Ourense) y formar parte del proyecto de recuperación de la aldea de Saumede. Se integra rápidamente, aprendiendo el gallego, idioma que utiliza en sus composiciones junto al francés y el inglés, y comenzando a desarrollar sus propias composiciones. Ella habla de “electrónica vocal rural”, algunos medios de worldtrónica. El trabajo “Castro Verdi” (Molho, 2018) es un paso adelante en su carrera que la lleva a explorar nuevas texturas por nuevos senderos que la acercan al jazz, la electrónica con tintes tribales y la experimentación con música incidental.

 

Think Young Lab: Pintura

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Enlace formulario para la inscripción: https://forms.gle/X4Zm4YKiPBqxTtxH6

PROYECTO DE COMISARIADO EN EL MARCO DE #MEETYOU 2022

TYL, acrónimo de Think Young Lab, es un comisariado vivo articulado a través de cinco encuentros conversacionales y tres acciones expandidas. El objetivo de TYL es generar una serie de espacios de conocimiento situado con diferentes creadoras en el que buscar una definición posible de las bellas artes en la actualidad. Charles Batteux publica, en 1746, Les Beaux-Arts réduits à un même principe, un texto que pone de manifiesto las diferentes vías de formalización de las diversas culturas artísticas y sus soportes. Partiendo de esta clasificación, se proponen una serie de laboratorios en los que plantear o discutir las resonancias de dichos formatos y su desarrollo en la era post-internet.

Cinco encuentros, entre los meses de febrero y mayo del año 2022, marcarán el desarrollo del ciclo. Las disciplinas elegidas para esta ocasión son la poesía, la música, el cine, la pintura y la danza donde serán convocadas jóvenes creadoras del ámbito local y nacional. El fin pasa por generar un diálogo en relación al sentido de estas prácticas en el sistema actual del arte: Intentar entender bajo qué lógicas se desarrollan estas prácticas hoy, su dimensión política y relaciones interdiscursivas con la sociedad y la tecnología. En definitiva, se pretende plantear marcos de pensamiento posibles en los que desarrollar la expresión artística de nuestros días.

Álvaro Caboalles 

(Ponferrada, 1994). Creador e Investigador en escena contemporánea. Doctorando del programa Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura  de la UAM y profesor en el IED Madrid dentro del departamento de Visual Arts. Gerente de MACOMAD, Coordinadora Madrileña de Salas Alternativas, donde desarrolla su trabajo como gestor cultural. Como reconocimiento a su trabajo ha sido beneficiario de las Ayudas a la Creación Joven de INJUVE ed. 2019 y 2020 en las categorías de Producción de Obra y Movilidad de Creadores; y los accésit de Premios Arte Joven CyL en la categoría de Artes Escénicas (2019 y 2021) y Letras Jóvenes (2021). Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas.

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Laura Asensio

(Valladolid) Feminista, preapocalíptica y neorural en Tierra de Campos. También es creativa publicitaria y diseñadora gráfica freelance y, a veces, crea y desarrolla proyectos artísticos y exposiciones. Encabeza el proyecto “Valladolid con carácter”, donde defiende la preservación del patrimonio (tipo) gráfico que reside en nuestras calles por su valor histórico, artístico y gráfico. Este 2022, ha puesto en marcha “Ladies, Wine & Design” en Valladolid, una comunidad dentro de la industria creativa para que mujeres e identidades no binarias se conozcan y se reconozcan, generando lazos y compartiendo desafíos.

David Macho

(Santander, 1994), Pintor, historiador del arte y autónomo. Graduado en Arte por la Universidad del País Vasco y masterizado en investigación en arte y diseño por la Universidad Autónoma de Barcelona, realiza su práctica artística en torno a la “plasticidad burocrática”, comprendiendo su relación con el sistema como un problema estético.

En su primera etapa, trabajó realizando proyectos subvencionados por instituciones, a través de becas y convenios universitarios, pero no fue hasta 2019 cuando decidió desentenderse de esta vorágine que le arrastraba hacia la precariedad más absoluta y apostar por una vía alternativa.

 

Think Young Lab: Poesía + Poetry Slam

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PROYECTO DE COMISARIADO EN EL MARCO DE #MEETYOU 2022

TYL, acrónimo de Think Young Lab, es un comisariado vivo articulado a través de cinco encuentros conversacionales y tres acciones expandidas. El objetivo de TYL es generar una serie de espacios de conocimiento situado con diferentes creadoras en el que buscar una definición posible de las bellas artes en la actualidad. Charles Batteux publica, en 1746, Les Beaux-Arts réduits à un même principe, un texto que pone de manifiesto las diferentes vías de formalización de las diversas culturas artísticas y sus soportes. Partiendo de esta clasificación, se proponen una serie de laboratorios en los que plantear o discutir las resonancias de dichos formatos y su desarrollo en la era post-internet.

Cinco encuentros, entre los meses de febrero y mayo del año 2022, marcarán el desarrollo del ciclo. Las disciplinas elegidas para esta ocasión son la poesía, la música, el cine, la pintura y la danza donde serán convocadas jóvenes creadoras del ámbito local y nacional. El fin pasa por generar un diálogo en relación al sentido de estas prácticas en el sistema actual del arte: Intentar entender bajo qué lógicas se desarrollan estas prácticas hoy, su dimensión política y relaciones interdiscursivas con la sociedad y la tecnología. En definitiva, se pretende plantear marcos de pensamiento posibles en los que desarrollar la expresión artística de nuestros días.

Álvaro Caboalles 

(Ponferrada, 1994). Creador e Investigador en escena contemporánea. Doctorando del programa Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura  de la UAM y profesor en el IED Madrid dentro del departamento de Visual Arts. Gerente de MACOMAD, Coordinadora Madrileña de Salas Alternativas, donde desarrolla su trabajo como gestor cultural. Como reconocimiento a su trabajo ha sido beneficiario de las Ayudas a la Creación Joven de INJUVE ed. 2019 y 2020 en las categorías de Producción de Obra y Movilidad de Creadores; y los accésit de Premios Arte Joven CyL en la categoría de Artes Escénicas (2019 y 2021) y Letras Jóvenes (2021). Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas.

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Poetry Slam

En colaboración con la plataforma de Poetry Slam Valladolid se propone a los asistentes al primer encuentro de TYL la posibilidad de subir al escenario y compartir con el público asistente algunos de sus versos. Las reglas son similares a las de un Poetry Slam: tres minutos, textos propios y la voz microfonada como único soporte. La poesía toma cuerpo en las voces de jóvenes escritores de la ciudad de Valladolid.

Carla Nyman

(Palma de Mallorca, 1996) Graduada en Filología Hispánica (US). Además de poeta y dramaturga, trabaja como directora de escena. Ha recibido diversos galardones como el XXI Premio Gloria Fuertes de Poesía Joven, el accésit del XII Premio Romero Esteo para la dramaturgia joven y el VI Premio Valparaíso de Poesía. Con su colectivo amor&rabia explora las posibilidades del teatro experimental e inmersivo. Ha obtenido becas de creación como la residencia literaria en la Fundación Antonio Gala, el Programa de Desarrollo de Dramaturgias Actuales (INAEM) o el Programa de investigación y creación escénica del Teatro Principal de Palma.

Rodrigo G. Marina

(Madrid, 1996). Estudió en el Conservatorio Profesional de Viola, el Grado en Medicina y en Filosofía. Acaba de realizar el Máster en Teoría y Crítica de la Cultura. Ha publicado «La caricia de las amapolas» Premio de Poesía Saulo Torón 2017, «Aureus» I Premio de Poesía Irreconciliables, «Edad» I Premio de Poesía Tino Barriuso y «El libro de los arquitectos» II Premio de Poesía de la Facultad de Filología y «Desear la casa» en Editorial Cántico. Investiga, edita y enseña.

María Sotelo

(Valladolid, 2000) se considera «poeta en prácticas». Comenzó a escribir cuando sintió la necesidad de narrarle al mundo sus verdades en forma de verso. Estudia Filología Hispánica en la UVa para ver si logra dejar de ser tan malhablada. En febrero de 2020 publicó su primer poemario Ya no hay excusas (Beca Kafka 2020).

Dramaturgia para una conferencia: Rocío Molina

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ESTRENO ABSOLUTO

Dramaturgia para una conferencia es un proyecto ideado por Matías Umpierrez a través de Plataforma Fluorescente, en una coproducción de Meetyou Valladolid/Teatro Calderón de Valladolid.

Dramaturgia para una conferencia es un proyecto curatorial, y un marco conceptual, que se desplaza cambiando de locaciones y propiciando la colaboración entre creadorxs de diferentes realidades y geografías, al igual que otros proyectos del artista y curador Matías Umpierrez. Han participado de este proyecto el filósofo y activista Paul B. Preciado, el arquitecto activista Eyal Weizman,  la directora escénica y activista Einat Weizman como así también artistas y performers de distintas disciplinas y países como Argentina, India, Islandia, Sudáfrica y Canadá.

El trabajo del artista Matías Umpierrez indaga sobre la relación que existe entre el espectador y la ficción en nuestros días. A partir de ello, sus proyectos se ubican en una frontera que sucede entre las artes visuales, el teatro y proyectos curatoriales generando una dialéctica entre el memoria-olvido-público-escena-discurso-territorio. Por esta razón sus piezas dialogan en términos globales cambiando de lugares, lenguas, dispositivos y disciplinas. Sus proyectos fueron presentados espacios no convencionales como edificios abandonados, estaciones de tren, fábricas de alimentos, bosques, teatros, cines y museos. Algunos de sus últimos proyectos son: Museo de la Ficción I. IMPERIO (Video instalación), TeatroSOLO-LONEtheater (performance site-specific), Distancia (pieza virtual para teatro), dramaHOME (performance site-specific), Los Bosques (Video instalación), Construcciones (Video instalación), Paisaje (video arte), entre otros. Su como artista siempre mantiene consonancia con su labor como comisario/curador activando diálogos, creando entramados y comunidades locales-regionales-globales. Ha fundado el Festival Internacional de Dramaturgia y la Plataforma Fluorescente, un dispositivo transdisciplinar que promueve la colaboración entre artistas e instituciones de distintas geografías. Como resultado de los proyectos curatoriales, que ha creado para diferentes instituciones, sucedieron más de 120 comisiones originales.

Pedro G. Romero (Aracena, 1964) opera como artista desde 1985. Funciona también como curador y comisario de exposiciones. Fue parte de UNIA arteypensamiento y miembro de la PRPC (Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales) en Sevilla. Forma equipo de la pie.fmc (Plataforma Independiente de Estudios Flamencos Modernos y Contemporáneos). Participante en Documenta14 Atenas/Kassel y residente en la Academia de España en Roma. Colaborador habitual de la Sociedad flamenca El Dorado de Barcelona. Dirige la colección “Flamenco y cultura popular” en editorial Athenaica.Trabaja también con bailaores, cantaores y guitarristas flamencos (Israel Galván, Rocío Márquez, Tomás de Perrate, Niño de Elche, Alfredo Lagos, etc.) En 2020 dirigió con Gonzalo García Pelayo la película Nueve Sevillas. Ha sido curador y comisario de exposiciones de grandes ciclos expositivos como «Tratado de Paz» para Donostia/san Sebastián 2016 o «Aplicación Murillo» para el ICAS de Sevilla. También de exposiciones de tésis como «Vivir en Sevilla», «La noche española» (con Patricía Molins) o «Máquinas de vivir» (con María García) y monograficas sobre  «Ocaña, 1972-1962» o «Helios Gómez. Días de Ira» . El MNCARS ha realizado una revisión de su trabajo como artista y comisario bajo el título Máquinas de trovar.

Sobre la conferencia-performance:

“¡Ay el bolso en el autobús! ¡Ay el autobús, que se me ha ido el bolso!

Esas cabezas, esas formas de agarrarse salvaje, todas esas cosas.

Nadie se mueve, ya. Ni una pestaña. Ole… olerlo. Quedaros ahí, sintiendo desde el pecho ¡Desde el tórax! Oler la música, olerla, saborearla.

Tenéis que acariciar más el arte. Coge ese estiércol que va chorreando entre los dedos.

Vamos a proyectar. Todo es una balanza, todo es un equilibrio.

Y ahora… ¡al corazón! ¡Papám! Todo tu cuerpo, la pierna, la rodilla, todo el cuerpo baila, vida mía.

En la punta de los pies, en las entrañas, en el corazón.

La paz del baile, el sosiego, la libertad.

Muchísimas gracias y que el amor os acompañe siempre.

Ole, quedaros ahí.

Pa, pa, ¡papá!”

*Transcripciones literales de expresiones utilizadas por artistas flamencos para enseñar a sus alumnos.

LO INEFABLE es un archivo de interferencias entre diferentes lenguajes relativos a “lo flamenco”; un ejercicio escénico que propicia, por contagio, conexiones sensibles entre códigos aparentemente incompatibles.

Un texto teórico, una tabla de pies, un gesto, una sentencia judicial, crícríticas periodísticas, letras de canciones, la respiración, el atuendo… se intervienen entre sí evidenciando las tensiones que hay entre los significantes y los significados a la hora de describir una experiencia artística.  Lo inefable trata de pronunciar con las palabras y con el cuerpo aquello que no se puede decir.

Sobre Rocío Molina: 

Coreógrafa y bailaora iconoclasta, Rocío Molina ha acuñado un lenguaje propio cimentado en la tradición reinventada de un flamenco que respeta sus esencias y se abraza a las vanguardias. Radicalmente libre, aúna en sus piezas el virtuosismo técnico, la investigación contemporánea y el riesgo conceptual. Sin miedo a tejer alianzas con otras disciplinas y artistas, sus coreografías son acontecimientos escénicos singulares que se nutren de ideas y formas culturales que abarcan desde el cine a la literatura, pasando por la filosofía y la pintura. Su búsqueda artística ha sido reconocida con premios de la relevancia del reciente León de Plata de la Danza 2022 de la Bienal de Venecia, Medalla de Oro de las Bellas Artes en 2022, el Premio Nacional de Danza en el año 2010, los UK National Dance Award en 2019 y 2016 y hasta cuatro Premios Max. Es una de las artistas españolas con mayor proyección internacional y sus obras han podido verse en los más importantes escenarios de todo el mundo.

Hybridation

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Dos personas esculpen arcilla en sus cabezas, se entierran en el material, erradican su identidad y se convierten en obras vivas, mutando con el cuerpo del otro, creando diálogo, fusión, rivalidad y amor. Cada uno, a su vez, oscila entre titiritero y marioneta, sabiendo que la cuestión de la identidad se construye en relación con el Otro. Pero cuando el material les ciega, se ven obligados a mirar hacia dentro, hacia lo más profundo de su Yo. En una actuación fascinante, expresiva y total, cambian de identidad en el escenario, de hombre a animal y de animal a diversas criaturas híbridas. Perforan, borran y desenredan las capas de su rostro en una búsqueda frenética y desinhibida. Pintarse y esculpirse se convierte en una forma de ritual situado entre la danza y el trance donde la improvisación es la matriz.

Olivier de Sagazan es biólogo de formación. Se pasó a la pintura y la escultura con la idea omnipresente de cuestionar la vida orgánica.

De su pasión por dar vida a la materia surgió la idea de cubrir su propio cuerpo con arcilla para observar el «objeto» resultante. Esta experiencia le llevó a la creación de su primer solo, «Transfiguración», en 1998, en el que un hombre es desfigurado gradualmente con arcilla hasta convertirse en una especie de monstruo. Este medio hombre, medio bestia está buscando bajo sus máscaras quién es.

“La Messe de l’Âne“ Bienal de Venecia en julio de 2021 y luego en el Festival Mundial de Teatro de Marionetas de Charleville-Mézières.

“Hands dont touch your precious me” Creación con Wim Vandekeybus en 2021.

“Nos coeurs en terre” Creación junto con David Wahl para el SACD Jardin de la vierge Avignon 2021.

 

El teatro era un no-lugar

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¡ATENCIÓN!
Experiencia interactiva diseñada exclusivamente para ser disfrutada en una TABLET o un ORDENADOR dentro de la WEB del TEATRO CALDERÓN. El MÓVIL NO te GARANTIZA una experiencia SATISFACTORIA.
—–
APUNTES SOBRE LA OBRA
El Teatro era un no-lugar es un drama escénico digital e interactivo creado por Alex Peña partiendo de considerar un teatro como un espacio habitado o no. Un drama navegable de autoficción comunitaria que confronta la teoría de los no-lugares planteada por Marc Augé en 1992 con la naturaleza del Teatro Calderón de Valladolid como un espacio escénico.

¿Es, acaso, el teatro un no-lugar como lo es un aeropuerto por el que pasas para coger un vuelo?¿Es un teatro un espacio deshabitado cuando no hay representación?

El Teatro era un no-lugar retrata ficcionalmente este espacio, el Teatro Calderón de Valladolid, desde algunas de sus realidades, presentes y pasadas, que seguro podrás reconocer en este relato. A través de los iconos de información y botones interactivos que van apareciendo durante el recorrido podrás obtener información, avanzar,
disparar o desplegar y descubrir documentos sobre ellas.

Las personas que interpretan a los personajes de la pieza son trabajadores y usuarios del Teatro Calderón y en su inmensa mayoría no son profesionales (exceptuando a los directores y directoras de los talleres). Puedes descubrir más sobre ellos, sus retratos y biografías, pulsando sobre las cartelas que les acompañan.

Son intérpretes de este drama miembros de los proyectos escénicos comunitarios del Calderón: La Nave y La Nave Sénior, el Director artístico del Teatro Calderón, su responsable de marketing y comunicación, una auxiliar de producción, Duffy y Maní (dos bellezas caninas), y un largo etcétera.

Todo sucede en el propio edificio y sus aledaños.
Para generar la dramaturgia Alex Peña ha habitado el Teatro Calderón durante la temporada 2021/22. De esta intensa experiencia ha extraído los motivos y verdades que impulsan la narrativa y las siguientes son algunas de las que forman el relato:

– El 4 de marzo de 1934 se celebró el acto de unión de la Falange y las JONS en el Teatro Calderón de Valladolid. En los disturbios que sucedieron a la salida, Ángel Abella, un estudiante que pasaba por allí ajeno al acto y a la revuelta, fue confundido por los antifascistas y apaleado hasta la muerte creyendo que se trataba de un miembro de alguna de estas organizaciones. (leer la noticia aquí)”No debieron hacerlo ni aunque hubiera sido Primo de Rivera”

– Una de las participantes del proyecto escénico comunitario La Nave Sénior contó en una entrevista : ”…me apunté a esta actividad porque quería ser como la actriz vallisoletana Concha Velasco pero lo que finalmente he conseguido es un grupo férreo de amigos y amigas, lo más importante en este momento de mi vida”. Esto le hizo olvidar su deseo primigenio.

– Otra participante de “La Nave Sénior” es gallega.

– El Misteri d´Elx es la única obra en su género, drama sacro-lírico religioso o auto sacramental, que ha sido representada sin interrupción desde su creación a mediados del S.XIV, XV o XIII (según la fuente) hasta la actualidad, exceptuandoalgunas suspensiones por la epidemia del cólera, la Guerra Civil Española o la COVID.

– El músico Agapito Marazuela era de Valladolid.

– José María Viteri es el Director artístico del Teatro Calderón y se jubilará pronto, como el Rey Lear.

– Las codirectoras de los talleres de teatro La Nave y La Nave Sénior podrían ser, porqué no, las herederas del puesto que quedará vacante en la dirección de la institución, como las hijas del Rey Lear.

– Lorca hablaba en El público del renacimiento del teatro desde el lodo y contando con el pueblo, el público, al que hay que escuchar o dispararle para que calle.

– En los aledaños del Teatro Calderón se encuentran la Taberna Calderón, la Academia Calderón sobre un restaurante de kebab y el gimnasio Calderón Experience .

– El paraíso es la zona más alta de butacas para espectadores en un teatro isabelino.

– Los personajes tienen sangre verdadera. La compran en bolsas de una máquina expendedora.

Miet Warlop

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Programa doble: A view (15´)+ Ghost writer and the broken hand break (45´)

A view

Performer: Milan Schudel

Una mesa de comedor formal, cubierta con un mantel de seda blanca, recorre el espacio expositivo. Piernas de mujer, vestidas con medias negras, son las patas de esta mesa móvil.

Después de un período de tiempo (aproximadamente 5 minutos), un miembro del personal de seguridad del lugar coloca una vajilla en la parte superior de la mesa: una cena formal para una persona con frutas tropicales, una copa y botella de cava, cubiertos, platos y una servilleta. Poco a poco el peso de la mesa y el de los elementos colocados en la parte superior obligan al intérprete a ceder y arrodillarse. Lentamente y con mucho cuidado la mesa baja al suelo.

A View explora los síntomas de la vida contemporánea dentro de la escala de 1 metro, un punto de vista del mundo medido por la distancia entre nosotros mismos y nuestras pantallas, mientras aparentemente nos sentimos multifacéticos y globalmente informados.

Ghost writer and the broken hand break

Intérpretes: Wietse Tanghe, Joppe Tanghe, Miet Warlop

Música: Pieter De Meester, Wietse Tanghe, Miet Warlop

Letras de canciones: Raimundas Malasauskas, Miet Warlop, Pieter De Meester

Ingeniero de sonido: Bart Van Hoydonck

Técnico: Patrick Vanderhagen y Thomas Vermaercke

Diseño de iluminación: Henri Emmanuel Doublier

Vestuario: Karolien Nuyttens

Producido por: Miet Warlop /Irene Wool vzw & NTGent

Coproducido por: Arts Centre Vooruit Gent, HAU Hebbel am Ufer – Berlin (DE)

Agradecimientos a: Carl Gydé, Jérôme Dupraz, Ian Gyselinck, Michiel Goedertier (LaRoy NV), Janis Van Heesbeke (ongezien), Maarten Van Cauwenberghe, Brahim Benhaddou (@coachedbybrahim), Seppe Cosyns, Niels Antonissen, Mathias Batsleer, Midas Heuvinck, Carla Beeckmans, Elke Vanlerberghe

Con el apoyo de: Flemish Authorities, City of Ghent, Actoral. 17 Marseille (FR)

Tres intérpretes giran sin cesar sobre su propio eje en un concierto coreográfico.

«¿Cuál es realmente tu material de práctica?» Esta pregunta le formuló el escritor fantasma Raimundas Malasauskas una vez a Miet Warlop. “Medusa eléctrica”, dijo ella. «En transición. De la tensión a la atención, de la respiración al canto, de la concentración a la mirada fija, de la mirada fija a la protagonista. Vibrando con el más mínimo detalle en la galaxia. No hay marcos adicionales que agregar, solo la gravedad. Obedeciendo a su fuerza, pegaré una mano al cielo y la otra al suelo. Me temblarán las cuerdas vocales, pero me quedaré tranquila. Mi oído derecho se sintonizará hacia la izquierda y mi oído izquierdo, hacia la derecha. La infinitud se activará. Sin detener el movimiento, comenzaré a cantar canciones que escribimos sobre asuntos de la vida, la muerte y el cambio de forma. Esta vez no enseñaré a secar el yeso húmedo. Dos o tal vez más cuerpos girarán alrededor de su eje a mi lado, pero ten en cuenta que no soy yo quien está en el centro, ni tú ni nadie más cuya biografía quisieras usar. Sus velocidades serán diferentes. Estarán en todo tipo de futuros y pasados, haciendo sonidos con sus instrumentos y lenguas, todos alineados con sus pies. Ninguna culminación aplaudirá en un horizonte; el horizonte también está en círculo. Cuando llegue el momento de detenerse, miraremos nuestras propias palmas y romperemos el hechizo de la transición sin fin. La verdad siempre está en algún lugar ahí «.

“Qué olor a sugerencias a seguir”, pensó el escritor fantasma. Las canciones resultaron ser sobre ilusión, bromas perceptivas, rupturas invisibles, auto optimización, presente y conciencia del ahora. Nada se mantuvo fiel al orden cíclico de las cosas.

Miet Warlop (°1978) es una artista visual belga nacida en Torhout. Vive y trabaja entre Gante y Bruselas. Miet Warlop tiene un máster en Artes Visuales por la KASK de Gante. Por su proyecto de graduación Huilend Hert, Aangeschoten Wild, una «instalación habitada compuesta por seis tableaux vivants y un sujeto que se arrastra», ganó el premio del jurado Franciscus Pycke y el premio de la residencia para obras de teatro jóvenes de 2004. Tras esta creación, ha desarrollado muchas otras a las que le han sucedido también numerosos premios. Sportband / Afgetrainde Klanken, Cherish the Cherries, Big Heap / Mountain que creó como una de las seis artistas residentes DE BANK (Arts Centre CAMPO, Gante), entre muchas otras. Actualmente Miet está trabajando en Histoire(s) du Théâtre IV: One Song, como la cuarta directora que ha aceptado el encargo de NTGent. Además de ello está investigando en su nueva creación, Delirium, con colaboración con el Kunstenfestivaldesarts y Kaaitheater, y se estrenará en la primavera de 2024.

Meetyou

Moritūrī tē Salūtant

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En el año 46 a.c. Julio César ofreció al pueblo de Roma un magno evento, en el que más de cinco mil prisioneros de guerra debieron pelear hasta la muerte. Estos espectáculos de guerra se conocieron como naumaquias y fueron célebres desde entonces durante el imperio romano, llegando a reunir hasta veinte mil combatientes. Antes de iniciar estas batallas, la multitud de condenados a muerte saludaban al emperador con la frase «Avē Imperātor, moritūrī tē salūtant». Hoy en día, los condenados continúan mirando al cielo, esta vez dirigiendo su plegaria hacia un emperador con el rostro oculto y esperando que el milagro de la providencia deportiva les salve de su destino inminente. El fútbol de hoy parece perpetuar esta frase de la antigua Roma al ser usado como escaparate de los victoriosos, que solo alcanzan la cima gracias a la montaña de cuerpos que son dejados en el olvido. Sin embargo, detrás de lo que parece ser un cínico legado romano de la muerte hecha espectáculo, reside también la potencia de un juego que deja entrever la ancestralidad de nuestros impulsos, ritmos y bailes primigenios.

Moritūrī tē salūtant es un díptico escénico formado por un solo de fútbol-danza protagonizado por el artista y exfutbolista colombiano Checho Tamayo y un documental escénico comunitario protagonizado por “no-actores” habitantes del barrio Pajarillos. 

Con la colaboración de: Injuve, Comunidad de Madrid, Surge Madrid, Sala Baratza, Pajarillos Educa, Dragones de Lavapies y Pasoa2.

Co-producido por el Festival Meet You Valladolid.

ENTRADAS POR 5€ con la tarjeta Calderón Joven

Mannequin factory

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Cuando cae la noche, tres maniquíes desechados despiertan de sus cajas sin saber que han sido abandonados por la misma fábrica que los creó. Allí, al interactuar con el espacio y consigo mismos descubrirán y pondrán en duda, las normas con las que fueron programados.

Mannequin Factory es un espectáculo de teatro-danza que reflexiona sobre el género, sus cánones, sus roles, y su posible desprogramación. Una oda a la expresión libre, el color, los defectos y a todos los cuerpos que alguna vez fueron desechados.

Efecto Placebo es una compañía de teatro-danza creada por tres integrantes: Aitana Merino, Pablo Caballero y Víctor Campanero, egresados en especialidades diferentes, pero con un mismo propósito: hablar de la realidad más allá del texto. La peculiaridad de este grupo es la destrucción de jerarquías y la inclusión de la danza y la fisicidad en el teatro. Efecto Placebo aboga por una creación conjunta; sus obras se construyen con absoluta libertad por parte de los integrantes, aportando visiones que enriquezcan los proyectos y los hagan únicos e irrepetibles. La compañía llena de corporalidad y musicalidad las piezas que crea, uniendo dos mundos tan complementarios, pero socialmente distanciados, donde surgen nuevas posibilidades para tratar temas personales que logren conectar con lo colectivo, lo humano. Todo con el fin de contar aquello de lo que nadie quiere, pero todos necesitan hablar.

Agradecimientos a: #Meetyou y Teatro Calderón, Andén 47, Elinch, DreamsofWires, Gabriel Ananda, John Vallis y Trippop.