Público: Joven

El propósito fundamental de la propuesta escénica es la revalorización de la sabiduría popular. Este proyecto nace de la curiosidad de la espera, de la apreciación del tiempo, de darle sentido al mismo.

Actualmente, las jóvenes generaciones están mucho más avanzados tecnológicamente, pero en muchas ocasiones están  alejados de sus raíces, de su intrahistoria. La generación del “oír, ver y callar” tienen mucho que decir y con LOS PANES Y LOS PECES se quiere  dar espacio a todas esas enseñanzas.

Este proyecto teatral nace de la necesidad de seguir hablando sobre lo que nos acontece. La idea es la creación de una pieza escénica  a partir de las enseñanzas, tradiciones, leyendas y canciones de nuestros abuelos, recordar como los días señalados por los santos, las supersticiones, la artesanía tienen su valor para que podamos seguir avanzado como sociedad.

Dos nietos. Dos hermanos. Ambos, enfrentados por una herencia maldita. El destino marcado por la muerte de uno de ellos. Una generación que no vive donde crece, que ha olvidado esperar, que busca respuestas en sus raíces: ¿Los habitantes de la España vaciada han sido sepultado bajo las piedras? ¿Tarda los mismos meses en madurar un tomate que ir un hombre a pescar atunes en el mar? ¿Puede surcar un barco la tierra al igual que lo hace el trillo? Esto es, ni más ni menos, que un homenaje a nuestros mayores, aquellos que habitan  el campo y el mar.

Atrote Teatro es una compañía profesional que apuesta por la creación colectiva, tanto el equipo artístico como los actores están continuamente abiertos al juego y a la discusión con su alrededor.

Todos los integrantes son jóvenes, de distintas localidades de España. La premisa desde la que parten todos nuestros trabajos es dedicar tiempo a aquello que ignoramos o vivimosen nuestras soledades. Desde esta perspectiva, enfocamos untrabajo donde lo más importante es la relación espectador-situación.

El primer trabajo que se llevó a los escenarios fue la puesta en escena de la obra UN LIGERO MALESTAR de Harold Pinter. Al mismo tiempo, en Ciudad Rodrigo en el I Encuentro de Creadores una de nuestras integrantes hizo una investigación con los poemas de Lorca titulada AIKA (EN BÚSQUEDA).

El 4 de julio de 2019 llegó la primera dramaturgia original titulada YO, ERÓMENO. Trabajo que fue tutorizado por el dramaturgo José Manuel Mora y que tomando el referente literario Fedro de Platón explora la homosexualidad, el deseo, el amor y el enfrentamiento a la pérdida de la virginidad. Esta obra pudo verse también el 29 de febrero de 2020 en el Teatro Experimental Álvaro Valentín de Valladolid en el ciclo “La 1ªComunidad a Escena. Teatro en el Delibes” y ha sido galardonada con el Accésit en artes escénicas por el Institutode la juventud de Castilla y León en 2020.

Coproducción: Atrote Teatro y Meet You Valladolid/Teatro Calderón

MATINALES

Suicide notes pone en escena el tema del suicidio, el tabú que representa, su ocultación en contraste con su importancia y relevancia, y el hecho que implica poner el cuerpo de manera definitiva, o sea la toma de decisión sobre el final de la propia vida. Como sucede en otros proyectos comunes e individuales de Marc Caellas y David G. Torres, Suicide notes está basada en la citación y el apropiacionismo. En este caso de notas de suicidio de escritores, artistas y músicos que configuran la línea argumental de la pieza. A ello sumamos referencias visuales de la música y el arte contemporáneo, más la recopilación de datos sobre el suicidio. Suicide notes es un concierto.  Suicide notes es un recitado. Suicide notes es un espectáculo audiovisual. Suicide notes es una experiencia de catarsis colectiva.

Suicide Notes es un brillante y sobrecogedor experimento escénico, de género indefinido, que consiste en recuperar las notas escritas por personas, poco o muy conocidas, justo antes de suicidarse, y escucharlas colectivamente. Vamos escuchando así las últimas palabras que nos dejaron por escrito aquellas y aquellos que, unos momentos más tarde, se ausentarían de este mundo por una decisión pensada, quizás también podríamos decir, por una decisión política. Xavier Bassas, La Directa

Suicide notes —de Marc Caellas y David G. Torres— una obra performance que mezcla el teatro, la música en directo, el videoarte y el testimonio gráfico. Todo ello para acabar en una emocionante catarsis colectiva que, a pesar del tema que trata (o quizá precisamente por ello), resulta luminosa, reconfortante. Bernat Colomer, BCNMES

El espectáculo acabará en baile, con imágenes de un carnaval de Río de Janeiro y juego de focos para celebrar los que quisieron salirse de ellos. ¿Es frívolo bailar mientras se habla de suicidios? Quizás lo es más no pensar en ellos o estigmatizarlos. Decía el epitafio de Jardiel Poncela que si querías los mejores elogios, lo mejor que podías hacer era morirte. Esta obra los merece, como merece nuevas vidas. Miqui Otero, El Periódico, 28/01/20

Marc Caellas, natural de Barcelona, es un artista multidisciplinar cuyos proyectos se concretan en forma de libros, performances, obras de teatro o proyectos culturales que hibridan literatura, música, teatro y arte contemporáneo.

Su últimos montajes estrenados son Sin timón & en el delirio (Ciudad de México, 2021) y Bolaño, vuelve a casa (Barcelona, 2020), inspirados en la poética de Mario Santiago Papasquiaro y Roberto Bolaño, respectivamente. Ambos creados e interpretados con Esteban Feune de Colombi, con quién fundó la Compañía La Soledad, centrada en propuestas teatrales potenciales, posibles y portátiles (TATEPO). Con Esteban acaba de publicar Dos hombres que caminan (Ediciones Menguantes), un libro escrito a cuatro pies, caminado a cuatro manos.

Su última creación para sala es Yo sé perder, un festival de rechazados,

Ha publicado cinco libros: Carcelona, Caracaos, Drogotá, Neuros Aires y Teatro del bueno.

David G. Torres es autor de la novela de no-ficción Cielo y del ensayo No más mentiras. Sobre algunos relatos de verdad en arte (y en literatura, cine y teatro). A partir de Cielo ha desarrollado diferentes proyectos: dos exposciones en ADN Platform (La balada de Wendy y Hablar por boca ajena); y una adaptación escénica, Cielo TV, con Marc Caellas. Profesor de arte contemporáneo en la Escola Massana de Barcelona y en la UAB. Ha sido comisario de la exposición PUNK. Sus rastros en el arte contemporáneo en Mexico D.F., el Macba de Barcelona, el museo Artium de Vitoria y el Centro de Arte Dos de Mayo de Madrid entre 2016 y 2017, que presentaba el trabajo de más de sesenta artistas y un extenso catálogo. Ha comisariado el Pabellón Catalán y de las Islas Baleares en la Bienal de Venecia 2011 y de diversas exposiciones Centre d’Art Santa Mònica de Barcelona, Palais de Tokyo (Paris), Macro (Roma), Reikjavij Museum (Reikjavij), La Capella (Barcelona), Fundació Joan Miró (Barcelona)… www.davidgtorres.net

Los paseantes serán convocados con antelación via mail y se les mandará la ubicación exacta del punto de encuentro para iniciar el recorrido el día 26 de marzo a las 13h.

Propuesta escénica “a pie” que transcurre en las calles de barrios de diferentes ciudades. Suerte de obra de teatro site-specific, empieza en una esquina, donde un grupo de 15 espectadores se encuentran con el escritor y paseante Robert Walser, al que siguen durante una hora y media. En el camino se producen encuentros, improvisados o no, con un comerciante, una actriz retirada, un librero y una cantante; también hay una parada con refrigerio en el domicilio particular de un mecenas, poco antes de que el atardecer nos conduzca al final, en un parque o un descampado.

Marc Caellas y Esteban Feune de Colombi crearon en Bogotá, en 2011, la Compañía La Soledad, enfocada en propuestas escénicas itinerantes, performances y site specific. Convirtieron la novela El paseo, del suizo Robert Walser, en una obra “de teatro a pie”: desde 2012 la representaron más de 150 veces en las calles de Buenos Aires, Montevideo, Bogotá, Medellín, Pereira, San Pablo, La Habana, Ciudad de México, Xalapa, Madrid, Barcelona, Terrassa, Mallorca, Lisboa y Berlín, en festivales como Fringe (Madrid), Filba (Buenos Aires) o Kosmópolis (Barcelona). En una línea de trabajo que une textos literarios con teatro y arte contemporáneo, además realizaron las obras Cuento mi vida (Bogotá y Buenos Aires, 2014), Sin cartas no hay amor (Ciclo Anfitriona, Barcelona, 2017), El inventor del paraíso (Casa Planas, Mallorca, 2018), Juego de cartas (Centro Cultural España en México, 2018), Nobel a Borges (Filba, Buenos Aires, 2018), Bolaño, vuelve a casa (Lata Peinada, Barcelona, 2020) y Yo sé perder (Antic Teatre, Barcelona, 2021).

“Abierta al desconcierto y obligada a la improvisación, la puesta absorbe la alquimia de lo imprevisto”.

-Raquel Garzón en Ñ (Clarín)

 “Una contemplación de la vida misma, en algunos casos, sin más (porque no es necesario más) y, en otros, aderezados por el magnífico texto de Robert Walser, interpretado tan admirablemente por Esteban Feune de Colombi, que hace que te olvides de tus prejuicios sobre el mal llamado teatro de texto. Es todo una cuestión de estilo. Seamos sinceros y malos: en otras manos, ¿cómo hubiese acabado todo esto?”.

-Rubén Ramos en Teatron

 “He visto muchas obras y alguna vez, incluso, una de ellas empezó a su hora. Pero pocas experiencias tan exquisitas podré contar a mis tataranietos como la del paseo que di un sábado con el mismísimo Robert Walser”.

-Francisco Peregil en El País

 “Como un juego de espejos vemos la realidad como una ficción, pero esa misma realidad nos mira como si fuésemos nosotros quienes estuviéramos actuando. Vecinos y comerciantes observan a este grupo de paseantes soñadores que camina tras un hombrecito de traje gris y creen que algo raro está pasando. Comienzan las preguntas: ¿por dónde delinear los límites del arte?, ¿qué es un espectador?, ¿por qué la ciudad en sí misma no puede ser un espectáculo si tan sólo logramos enmarcarla?”.

-Mercedes Halfon en el suplemento Radar (Página 12)

 “Especie de ejercicio de apropiación del paisaje y de la vida urbana para la ficción”.

-Gustavo Fioratti en Folha de São Paulo

17:00h – Lolling & Rolling 40 – 45 mins

18:30h – Cuckoo   60 mins

21:00 – The History of Korean Western Theatre   60 – 65 mins

Cada pieza costará 10€

En griego, “hamartia” significa «error trágico», un concepto que el creador teatral sur coreano Jaha Koo ha entretejido en formas completamente diferentes a lo largo de las tres piezas que conforman esta trilogía Lolling and Rolling, Cuckoo y The History of Korean Western Theatre.

En la trilogía, el imperialismo de largo alcance del pasado y el presente, y su impacto personal a veces inesperado, son el hilo conductor. En sus inteligentes e inquietantes representaciones de teatro documental, Jaha Koo entrelaza historias personales con hechos históricos, políticos y sociológicos. A menudo, temas que implican un choque de la cultura oriental y occidental: desde el corte del frenillo de lengua para triunfar en Occidente, hasta el fuerte costo personal de la interferencia occidental en el campo macroeconómico.

En Lolling & Rolling (2015), por ejemplo, Jaha Koo se sumergió en el fenómeno de la cirugía de frenillo, una operación realizada en Corea del Sur para pronunciar con la punta de la lengua la r inglesa. La pieza aborda así el imperialismo lingüístico en su país natal. En 2021, Koo está revisando esta actuación, para no centrarse únicamente en el aspecto lingüístico, que es solo la punta del iceberg. En la interpretación en vivo reelaborada, Jaha Koo ahora también destaca el proceso más extenso que la acompaña, que trata de silenciar a los «subalternos», las minorías. Porque la negación o devaluación de una lengua también instiga la pérdida de una identidad, de una minoría, de un grupo de población. De esta manera los subalternos son colonizados no sólo lingüísticamente, sino también culturalmente.

Jaha Koo (He/him) es un creador de teatro y performance, compositor musical y videógrafo surcoreano.  Su práctica artística oscila entre el multimedia y la performance, que incluye su propia música, vídeo, texto e instalación. Sus obras están estrechamente entrelazadas con la política y la historia, interesándose especialmente por el paisaje político y la identidad cultural de Asia Oriental. Se licenció en estudios teatrales en Seúl y se estableció en Europa, estudiando teatro independiente en Ámsterdam en 2012.

Su obra más representativa, Hamartia Trilogy, es un proyecto a largo plazo compuesto por Lolling and Rolling (2015), Cuckoo (2017) y The History of Korean Western Theatre (2020). Esta trilogía se centra temáticamente en cómo el ineludible pasado afecta trágicamente a nuestras vidas actuales. Estas obras son historias sobre el imperialismo lingüístico, el imperialismo económico y el imperialismo teatral, y presta atención a los trágicos defectos de la Corea del Sur contemporánea.

Su gira internacional, que comenzó en Europa en 2015, se ha expandido a Asia, Oceanía y América.  En la actualidad, crea obras en los Países Bajos y Bélgica como base y está preparando una nueva obra con el Centro de Arte CAMPO, con el objetivo de estrenarla en 2024. GuJAHA es el seudónimo de Jaha Koo como compositor musical.

Producción: CAMPO arts centre (Ghent)

Coproducción: Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), Kunstenwerkplaats Pianofabriek (Bruselas), Münchner Kammerspiele, Frascati Producties (Ámsterdam), Veem House for Performance (Ámsterdam), SPRING performing arts festival (Utrecht), Zürcher Theaterspektakel, Black Box teater (Oslo), International Summer Festival Kampnagel (Hamburgo), Tanzquartier Wien, wpZimmer (Antwerp), Théâtre de la Bastille (París) & Festival d’Automne à Paris

Con el apoyo de: Flemish Community, the city of Ghent, Beursschouwburg, Vlaamse Gemeenschapscommissie& Amsterdams Fonds voor de Kunst

Agradecimientos especiales a todas aquellas personas involucradas en el proceso de creación de esta trilogía.

En colaboración con el Centro Cultural Coreano en España.

ANTES es una pequeña joya de la nueva dramaturgia portuguesa. Presentado en ISKV Tiyatro Festivali – Estambul, Théâtre de la Ville de París y Sala Hiroshima de Barcelona, Escenas do cambio Santiago de Compostela,  ​​el texto de Pedro Penim aborda con ironía y humor el sentimiento del concepto portugués de saudade, la añoranza del pasado.

Presentado como un “atlas de melancolías”, el espectáculo identifica aquí y allá en toda Europa una suerte de incomodidad persistente relacionada con sucesos del pasado. ¿Ha sido nuestro pasado realmente tan “glorioso” alguna vez? ¿Y cuánto tiempo atrás debemos rastrear este “antes”?

ANTES habla del anhelo de volver a un tiempo pasado percibido como glorioso y deseable frente a un presente doloroso. Esta enfermedad, compartida por muchas civilizaciones a lo largo de la historia, siempre diagnostica el final de una era.

Para construir este diagnóstico, Pedro Penim se atreve a enfrentar a un tiranosaurio y a un psicoanalista posmoderno bastante escéptico. Un diálogo hilarante y amargo que ofrece «elementos para reflexionar» sobre el futuro de nuestras civilizaciones y su propensión a nutrir fantasmas y mitologías de imperios caídos.

La obra fue adaptada al cine (“Past Perfect”) por el director Jorge Jácome (también responsable de los videos del espectáculo) y formó parte de la selección oficial de Berlinale 2019, New Directors / New Films 2019 en el MoMA – Nueva York y Festival Internacional de Cine de Hong Kong en 2019.

Una de cal para esperar la de arena. Una de cal para tapar, limpiar, combustionar lo que cada uno necesite, aunque no lo crea.

Una de cal  es un espectáculo que aúna diferentes lenguajes para hablar de la historia reciente de España y sus consecuencias de una manera distinta, a través de testimonios reales. La compañía Gata por liebre aúna circo, teatro y danza para generar una vivencia escénica que remueve de arriba abajo y deposita en cada espectador el germen a la reflexión.

Durante enero de 2021, la compañía realiza una serie de entrevistas a personas de diferentes edades y entornos con preguntas acerca de su experiencia o la de sus familias en el periodo de Guerra Civil, posguerra y dictadura. Tras recoger más de 40 respuestas y clasificar su contenido, los audios de estos testimonios vertebran la narrativa de Una de cal. Este material es de gran potencial escénico dada su espontaneidad, humildad y, en algunas ocasiones, dolor.

El resultado es una pieza escénica  con un enfoque humanista, nacido del respeto de cada vivencia registrada. Cada historia es única pese a estar enmarcada en un cuadro político/histórico global, por eso, en Una de cal  se ha dado un espacio a cada historia como algo íntimo y de mucho valor. Necesitamos pasar por estos testimonios para re-conocernos en ellos y librarnos así de los dolores de los que nos han querido aislar. Tenemos que asumir las heridas que han existido para conformar nuestra memoria colectiva y poder escoger así nuestro camino individual.

Laura Cocho y Amaya Goñi se encuentran por primera vez en los comienzos del proyecto “La Nave” del Teatro Calderón, bajo el estímulo y guía de Nina Reglero y Carlos Nuevo. Esto deja un poso que les inquieta y les lleva a buscar su desarrollo artístico en un nivel profesional, una desde los estudios profesionales de Circo y la otra desde los estudios de Arte Dramático. Desde 2019 se ponen de nuevo en contacto para empezar a crear un vocabulario propio y por fin en 2021 crean la compañía “Gata por Liebre”. Acceden a la residencia del espacio 11FILAS durante 2 meses con lo que nace su primer espectáculo: “Una de cal”. En junio de 2021 pasaron por el Espacio Tangente de Burgos con una gran acogida donde se asentó el formato sala del espectáculo. Actualmente el proyecto sigue vivo contando con el apoyo del Teatro Calderón y espacios locales como Espacio Joven y Andén 47.

Erase una vez un apocalipsis… Solamente sobrevivieron algunos seres en un arca que navega sin rumbo ni tierra a la vista.

Los años han pasado y las formas de vida han aprendido a establecer nuevos vínculos y conexiones: las jerarquías no son ni verticales ni horizontales, sino circulares o en espiral; la muerte es una metáfora; y la transformación es un espectáculo. A su alrededor solo hay océano. Sesiones de llanto multiespecie, stripteases (post)dramáticos y rituales compartidos de duelo hiperconectan y desencadenan sentimientos nunca antes sentidos por les habitantes del arca mientras la mítica embarcación viaja hacia un presente en bucle. Pero la moral y la ética son más un proceso continuo que un sistema fijo y este nuevo sistema también está condenado a cambiar.

Paul B. Preciado pone de manifiesto que el aprendizaje que más nos urge es el de cómo convivir con los animales y cómo convivir con los muertos. ¿A través de qué tipo de cambios convulsos tenemos que pasar para visualizar, desde el arca, futuros?

ARCAS 2020 es un simulacro de un ecosistema alternativo con seres ancestrales y de última hora, antenas, dedos, cuerdas, colas de lagarto, patas de araña y cabellos muy enredados.  Es una fabulación especulativa sobre el castigo y el privilegio, sobre nuestro estado actual de paranoia global, pero principalmente es una obra de teatro sobre la necesidad de comprendernos en un entorno de múltiples especies, dónde los seres humanos abandonen el antropocentrismo para imaginar otras posibilidades y formas de convivencia. La existencia no se reduce a un único arca.

Un viaje que ya ha pasado. Un viaje que está sucediendo. Un viaje que se está preparando.

VVAA no es una compañía, es un colectivo artístico formado por una unión de personas que desean comprometerse con la renovación de la cultura y del arte. Entre sus espectáculos destacamos ARCAS 2020 (Teatre Lliure 2021, Teatro Calderón Valladolid 2022 y Teatros del Canal 2022), This is real love (Sala Beckett 2019, Teatre Lliure 2019, Premio de la Crítica 2020), Like si lloras (Sala Beckett 2016, Volksbühne Berlin 2018), Wohnwagen (Escenari Brossa 2016, Teatro Español Madrid 2017, Premio BBVA 2017), Pool (no water) (Fira Tàrrega i Sala Beckett 2018) y Pussy Picnic (La Infinita 2018, Postmasters Gallery Rome 2019).

Una coproducción de VVAA Colectivo, Teatre Lliure y MeetYou Valladolid.

Agradecimientos: Nau Ivanow, Balearia, L’Aquàrium Barcelona, Marc Udina, Blai Juanet Sanagustín.

MATINALES

 Espectáculo en inglés y castellano con sobretítulos en castellano. No recomendado para menores de 16 años.

«Es posible que la violencia de Shakespeare nunca haya sido descubierta de una manera tan brutal y provocativa. Obscena, dura y poética. Palabras. Palabras. Palabras. Pero apenas quedan palabras. Solo algunos aspectos destacados. Poesía reconocible –tal como cita Shakespeare– que ilumina como una centella en una noche oscura y desaparece inmediatamente. Con el tiempo necesario para reconocer el paisaje, pero con el tiempo insuficiente para encontrar el camino. Erwin Jans

Cuando cae el telón después de las tragedias de Shakespeare, el orden se ha reestablecido. En medio de una montaña de cuerpos, la calma del equilibrio desciende una vez más. Lo que precede a todo esto –la obra– escenifica la salida de todas las reglas morales, un alquiler profundo en el tejido social, un exceso de agresividad y de violencia. ¿Es necesario ese exceso para poder demostrar con más contundencia la necesidad de la ley? ¿O la violencia contiene su propia visión? ¿Su propia verdad? ¿Y cuál sería?»

Shakespeare es el escritor más leído y representado que el mundo ha conocido jamás. Y, sin embargo, muchas de las obras son prácticamente irrepresentables debido a su violencia, atrocidad, racismo y misoginia. ¿Qué papel juega la violencia en el arte en el mundo actual? ¿Por qué nos gusta tanto ver violencia? ¿Se ve de manera distinta la violencia hoy en día de cómo se veía en los siglos XVI-XVII?

Jan Lauwers es un artista multidisciplinar, nacido en Amberes en 1957. Es conocido como uno de los artistas de vanguardia más importantes del panorama artístico europeo. En los últimos treinta años, se ha hecho más conocido por su trabajo pionero para la escenario con Needcompany, fundado en Bruselas en 1986, un colectivo de teatro involucrado en diversas vertientes de las artes escénicas (teatro, danza, performance y artes visuales) y pionero en producciones multilingües (neerlandés, inglés, francés, español… ), con énfasis en textos posdramáticos. Además de su trabajo en el teatro, ha tenido una importante carrera en las artes visuales y desde 2018 comenzó a trabajar en la ópera.

Una producción de NEEDCOMPANY

En coproducción con Festival Grec de Barcelona, Teatre Nacional de Catalunya, Teatro Español, Teatro Central de Sevilla, Cultuurcentrum Brugge y Les Salins – Scène Nationale de Martigues.

LIVALONE es una conferencia no académica con formato escénico. La pieza pretende dar voz a la historia de Fran, un joven de 25 años, actor y creador, que intenta por varios caminos la gran hazaña de vivir solo (sin compartir piso) en una ciudad como es Barcelona. Es un relato en primera persona de todos los tropiezos para lograr lo que acaba siendo ya, más que un derecho, una necesidad. Convivir con la especulación, la gentrificación, la burbuja inmobiliaria, la clase baja venida a más, las apps para encontrar a tu buddy, el turismo de masas amparado por el alcahuete Airbnb, la dignidad de toda una generación que por primera vez en muchos años vive peor que sus predecesores. Una disertación sobre la situación actual de la vivienda y la precariedad juvenil. Una ponencia que especula y cuestiona los caminos para llegar a la autosuficiencia con menos de treinta años y viviendo en el segundo país de Europa con más desempleo y con un salario mínimo interprofesional lamentable. Y todo esto, con un ejercicio lingüístico que pretende dar sonoridad, ritmo y poética al texto. Acompañado de proyecciones audiovisuales que relatan, des de lo personal, el proceso de Fran para emanciparse y dejar de compartir piso en el barrio de Poble Sec. Un relato que transita la conferencia para acabar abordando el concepto de H O G A R.

*del inglés live alone (vivir solo).

 Francesc Cuéllar

Graduado en Interpretación por el Institut del Teatre de Barcelona. Amplia su formación en workshops con la bailarina Lali Ayguadé y con el bailarín y performer Brandon Lagaert de la compañía de danza Pepping Tom. Además, cursó el primer ciclo de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Barcelona.

Forma parte de la compañía José y sus hermanas con las que ha creado Los bancos regalan sandwicheras y chorizos (espectáculo ganador de dos Premios de la Crítica 2017) y Arma de construcción masiva (coproducción del Festival Internacional TNT). En 2017 forma su propia compañía Fundación Agrupación Colectiva con la que estrenan su primer montaje, que escribe y dirige, My low cost revolution (justificaciones del porqué soy una radical de mierda) que hace dos temporadas a Barcelona. Estrenan su segunda pieza Subversive Collective Violence en México, después de dos meses de residencia en Guadalajara, donde firma la dirección, dramaturgia y la interpretación.

Forma parte del grupo de creadores #FF90, impulsado por el Graner dentro del marco del Festival Sâlmon, el Festival Sismògraf y el Festival GREC.

Alejandro Curiel

Cursa estudios de interpretación en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid completando su formación dentro del campo de la danza contemporánea y el teatro visual. Una vez en Barcelona continúa con su trabajo como intérprete, esta vez dentro del mundo audiovisual. En 2011 ingresa en el Institut del Teatre especializándose en la dirección escénica.

En el terreno profesional ha colaborado en diversas producciones de pequeño formato. Como director escénico ha sido artista residente de la Sala Hiroshima de Barcelona durante la temporada 15-16 estrenando allá sus dos primeras piezas de creación. En 2017 su pieza All by myself forma parte de la programación del Festival Grec dentro del contexto Grec+ que Antic Teatre genera para dar espacio a jóvenes creadores dentro del marco de dicho festival. Además, en otoño de este mismo año su última pieza,

P/P (Propiedad Privada), es estrenada y coproducida por el festival TNT Terrassa Noves Tendències. En la actualidad compagina su faceta de creador con la de intérprete dentro de la compañía José y sus Hermanas.

Una coproducción de Fira Tàrrega, Temporada Alta y Fundación Agrupación Colectiva.