Taller La Movida

Plazas limitadas.

Inscripciones a partir del 9 de febrero a través del correo meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto TALLER LA MOVIDA, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

El taller está abierto a todos los públicos, tanto amateurs como profesionales. Sin necesidad de tener una relación o entrenamiento corporal previo.

Lunes 27 de marzo de 17.00 a 20.00h

Martes 28 de marzo de 17.00 a 20.00

Miércoles 29 de marzo de 17.00 a 20.00

Queremos invitarte a esta movida, un taller para conocernos (a nosotras mismas, y entre nosotras), en el que practicaremos unas divertidísimas herramientas coreográficas nada convencionales, con el objetivo de conseguir un cuerpo danzante colectivo. Trabajaremos, desde el juego, elementos como la escucha, el unísono, la musicalidad, la improvisación y la observación.

ESTE TALLER SERÁ LA CARTA DE  PRESENTACIÓN DE “EL MOVIMIENTO”  UN PROYECTO ESCÉNICO PARTICIPATIVO DE  LA COMPAÑÍA MONTDEDUTOR QUE TENDRÁ LUGAR EL 25 DE JUNIO.

Claudia Mallart, diplomada en fotografía por el IEFC y con estudios de Ciencias Políticas y de la administración, empieza su carrera en el mundo audiovisual en una edad muy temprana formando parte del equipo de cámara en proyectos como Pelotas, serie de Tv1, Open Windows de Nacho Vigalondo o Requisitos para ser una persona normal de Leticia Dolera, con varias nominaciones a los premios Goya y Feroz. Junto a Sergio Caballero y como directora de fotografía ha realizado los cortometrajes Ancha es Castilla y Je te tiens, seleccionados en los festivales de Rotterdam y la Quinzena de Cannes respectivamente. En paralelo a su carrera en la ficción, emprendió un camino en el mundo publicitario, primero de la mano de CANADA ocupándose de la expansión internacional y más tarde como realizadora  para la productora Smile contando en su currículum con spots para marcas como Aquarius,  Cupra o  entidades artísticas tal que MACBA o Guggenheim.

Somos Jorge Dutor y Guillem de Palol, creadores escénicos y performers. Trabajamos en las fronteras de diferentes disciplinas como la danza, la arquitectura, el teatro, o la ópera y sus campos de influencia en lo político y social. Tenemos un compromiso muy fuerte con un lugar que para otros es de paso: estar en el límite y no en el centro de las cosas es una posición ideológica. Nuestras prácticas escénicas cruzan lenguajes y desarrollan algo energético y empático: utilizamos el humor, el absurdo, la repetición y la música para acercar las artes vivas a todos los públicos con la intención de que salgan haciendo la conga y que repitan lo que han visto luego en sus casas. Estamos juntos en esto desde 2009 colaborando con teatros, centros de arte y festivales de Europa y Latinoamérica.

 

 

Masterclass Olivier de Sagazan

Plazas limitadas.

Inscripciones a partir del 9 de febrero a través del correo meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto MASTERCLASS OLIVIER DE SAGAZAN, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

6 al 9 de junio: 16 a 21h

10 de junio: 10 a 15h

Cubrirse de barro es un acto iniciático que se puede encontrar en todas las culturas primitivas. Según estas, la arcilla tiene un poder liberador y creativo. Un cuerpo cubierto de arcilla entra en el mundo de los espíritus, entre la escultura y el fantasma: es un cuerpo transfigurado, en diálogo con el “más allá”. Para nosotros, este «más allá» es la profundidad del alma del intérprete. Cubrirse de barro es también paradójicamente, lavarse de un mundo artificial y cultural para finalmente entrar en contacto con su interioridad. Este trabajo a ciegas amplificará nuestro sentido del tacto y la propiocepción. En el desarrollo del tacto, el tiempo pasa lentamente y la psique del performer entra en una forma de singularidad. Aristóteles afirmó que el tacto es la base del alma. Es extraordinario para alguien lograr la liberación de la individualidad, superar estos límites de la individualidad y la identidad y abrazar las posibilidades del ser. La desfiguración en esta actuación es un detonante de este proceso de apreciación de la vida misma.

Olivier de Sagazan

Biólogo de formación, Olivier de Sagazan se pasó a la pintura y la escultura con la idea omnipresente de cuestionar la vida orgánica.

De su pasión por dar vida a la materia surgió la idea de cubrir su propio cuerpo con arcilla para observar el «objeto» resultante. Esta experiencia le llevó a la creación de su primer solo, «Transfiguración», en 1998, en el que un hombre es desfigurado gradualmente con arcilla hasta convertirse en una especie de monstruo. Este medio hombre, medio bestia está buscando bajo sus máscaras quién es.

“La Messe de l’Âne“ Bienal de Venecia en julio de 2021 y luego en el Festival Mundial de Teatro de Marionetas de Charleville-Mézières.

“Hands dont touch your precious me” Creación con Wim Vandekeybus en 2021.

“Nos coeurs en terre” Creación junto con David Wahl para el SACD Jardin de la vierge Avignon 2021.

Talleres pedagógicos

Inscripciones a través del correo meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto TALLER EL FRAGMENTO/PRÓXIMAMENTE EN TU QUIOSCO, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

Taller 1

21 mayo: 10 a 14h / 15 a 19h

El fragmento. Poética de lo común

Trabajaremos en torno al concepto de fragmento aplicado a una dinámica sintética de creación colectiva. En primer lugar presentaremos una breve cronología del fragmento: desde las formas dramáticas y convencionales del teatro más extendido e instalado en nuestro imaginario hasta llegar a lo que hoy conocemos como teatro posdramático. Dadas las características específicas bajo las que se desarrollará el taller haremos especial hincapié en el contexto dado. A partir de un análisis colaborativo del aquí y el ahora trabajaremos el contexto no desde lo adverso sino desde lo potencial. El taller se sustenta sobre dos palabras clave que cimentan nuestro trabajo como colectivo de artistas: la sostenibilidad y la accesibilidad: trabajo de manera horizontal con lo que tengo aquí y ahora. El objetivo del taller es que cada uno de los grupos sea capaz de generar un fragmento escénico de cinco minutos. La creación de estos fragmentos nos permite poner en evidencia el potencial de las dinámicas que se establecen dentro de un grupo de creación colectiva: lo singular se transforma, se contagia y se entremezcla dando como resultado una nueva poética de lo común, entendiendo lo común desde dos de sus acepciones: común aplicado a lo que pertenece o se extiende a varios y común entendido como aquello que es ordinario, vulgar, frecuente y muy sabido.

Taller 2

22 mayo: 10 a 14h / 15 a 19h

Próximamente en tu quiosco: Cruces entre lo artístico y lo administrativo 

A partir de nuestra experiencia a lo largo de estos cuatro años trabajando juntas, nos gustaría compartir de una manera teórico-práctica cómo hemos ido construyendo la estructura administrativa y artística que sostenemos, no como una imposición de nuestro modelo, sino como un vehículo para que otras puedan pensar diferentes maneras de organizarse y trabajar juntas. Tenemos claro que nuestra manera de producir y relacionarnos dentro de la estructura administrativa/artística define aspectos clave del resultado final.

José y sus hermanas es una compañía de teatro con sede en Barcelona que produce y distribuye piezas escénicas de autoría propia y otro tipo de propuestas performativas. Compuesta por un grupo compacto de cinco creadoras, la compañía propone una estructura de trabajo horizontal y colectivo, lo que no les impide rodearse en todas sus creaciones de colaboradoras que practican diferentes disciplinas.

Desde 2017 la compañía ha llevado a cabo tres producciones que aún se mantienen en gira: la primera, “Los bancos regalan sandwicheras y chorizos”, galardonada con dos premios de la Crítica de Barcelona, es una pieza collage centrada en la memoria histórica de nuestro país y que habla de los rastros del franquismo en la España actual. En 2018 estrenan su segunda pieza, “Arma de construcción masiva,” una propuesta escénica que se encarga de diseccionar la educación recibida tanto dentro como fuera de la escuela. En 2020 “Explore el Jardín de los Cárpatos”, su tercera pieza se estrena en octubre dentro del marco del Festival TNT. Habla sobre el fenómeno del turismo y la Marca España, sobre cómo nos hemos presentado al mundo para que nos visiten millones de personas al año. Recibe 3 nominaciones de los Premis de la Crítica de Barcelona, y está coproducida por el Festival Grec, Festival TNT, Festival Temporada Alta, Teatre Lliure, Festival Meetyou y José y sus hermanas. Sus espectáculos han podido verse en diferentes festivales como el Grec de Barcelona, el Temporada Alta en Girona, Escena Abierta en Burgos entre otros además de pasar por diferentes teatros del territorio.

 

 

Taller La memoria de los objetos

Taller abierto a todo tipo de público, adulto en este caso, con interés en las artes escénicas como también plásticas y de movimiento.

Plazas limitadas.

Inscripciones del 7 al 24 de marzo a través del correo meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto TALLER XAVIER BOBÉS, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

28, 29 y 30 de marzo: 16:30-21:30

Taller de teatro de objetos: el juego, el recuerdo y la creación.

Todo aquello que nos rodea en nuestra vida cotidiana refleja nuestras dudas, miedos, alegrías…

Y todos estos objetos que nos rodean tienen una forma, un color, un peso, un volumen…que nos retrata.

Escogeremos distintos objetos a manipular que nos sitúen en un terreno inicial desconocido e inquietante. Nos preguntaremos primero qué objetos son los que más nos inspiran, como también cuáles nos influencian en nuestro cotidiano, y qué nos gustaría investigar. A partir de estos principios crearemos una serie de improvisaciones y reglas de juego para profundizar en su expresividad, su contenido poético.

El más insignificante de los gestos, el objeto más pequeño o todo aquello que obviamos son, en muchas ocasiones, alarmantes avisos de nuestra naturaleza humana y de nuestro comportamiento. El entorno nos representa y manipulándolo, surgirán seres y situaciones poéticas que serán metáforas de nuestras emociones, de la realidad en la que vivimos.

El universo de los objetos revela a los intérpretes numerosos enigmas sobre lo que les rodea y sobre ellos mismos. Este taller no podrá revelarlos y descodificarlos completamente, sino que presentará su potencial y jugará con sus posibilidades y juegos escénicos.

Xavier Bobés: 

Creador escénico. Se define como autodidacta. Apasionado de la poética de los objetos, investiga desde hace más de diecisiete años con todo tipo de objetos cotidianos. Colabora con otros creadores asesorando procesos de investigación y escritura objetual. Profundiza en la búsqueda del contenido simbólico y teatral de los objetos y de todo aquello aparentemente banal. Y esto lo hace mediante la creación, el  ensayo y la docencia.

Ha creado ocho espectáculos de teatro de objetos.

 

The Hamartia Trilogy – The History of Korean Western Theatre 

17:00h – Lolling & Rolling  40 – 45 mins

18:30h – Cuckoo   60 mins

21:00 – The History of Korean Western Theatre   60 – 65 mins

Cada pieza costará 10€

La tercera parte de la trilogía, The History of Korean Western Theatre (2020), examina el impacto del imperialismo teatral y trata de la modernización autónoma deteriorada debido al canon occidental. Mientras que Lolling & Rolling y Cuckoo se centran en el pasado y el presente de Corea del Sur respectivamente, en esta pieza final, Jaha Koo mira decididamente hacia el futuro. Meticulosamente, expone el trágico impacto del pasado en nuestras vidas, desvelando las pequeñas grietas del confucianismo moderno, una ideología que sigue definiendo el sistema moral, la forma de vida y las relaciones sociales entre generaciones en Corea del Sur. Con una nueva generación de surcoreanos en mente, intenta romper con una tradición llena de autocensura y mantener las apariencias. Porque solo cuando se basa en una versión auténtica de la historia, puede pasar un futuro a la próxima generación.

En griego, “hamartia” significa «error trágico», un concepto que el creador teatral sur coreano Jaha Koo ha entretejido en formas completamente diferentes a lo largo de las tres piezas que conforman esta trilogía Lolling and Rolling, Cuckoo y The History of Korean Western Theatre.

En la trilogía, el imperialismo de largo alcance del pasado y el presente, y su impacto personal a veces inesperado, son el hilo conductor. En sus inteligentes e inquietantes representaciones de teatro documental, Jaha Koo entrelaza historias personales con hechos históricos, políticos y sociológicos. A menudo, temas que implican un choque de la cultura oriental y occidental: desde el corte del frenillo de lengua para triunfar en Occidente, hasta el fuerte costo personal de la interferencia occidental en el campo macroeconómico.

Jaha Koo (He/him) es un creador de teatro y performance, compositor musical y videógrafo surcoreano.  Su práctica artística oscila entre el multimedia y la performance, que incluye su propia música, vídeo, texto e instalación. Sus obras están estrechamente entrelazadas con la política y la historia, interesándose especialmente por el paisaje político y la identidad cultural de Asia Oriental. Se licenció en estudios teatrales en Seúl y se estableció en Europa, estudiando teatro independiente en Ámsterdam en 2012.

Su obra más representativa, Hamartia Trilogy, es un proyecto a largo plazo compuesto por Lolling and Rolling (2015), Cuckoo (2017) y The History of Korean Western Theatre (2020). Esta trilogía se centra temáticamente en cómo el ineludible pasado afecta trágicamente a nuestras vidas actuales. Estas obras son historias sobre el imperialismo lingüístico, el imperialismo económico y el imperialismo teatral, y presta atención a los trágicos defectos de la Corea del Sur contemporánea.

Su gira internacional, que comenzó en Europa en 2015, se ha expandido a Asia, Oceanía y América.  En la actualidad, crea obras en los Países Bajos y Bélgica como base y está preparando una nueva obra con el Centro de Arte CAMPO, con el objetivo de estrenarla en 2024. GuJAHA es el seudónimo de Jaha Koo como compositor musical.

Producción: CAMPO arts centre (Ghent)

Coproducción: Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), Kunstenwerkplaats Pianofabriek (Bruselas), Münchner Kammerspiele, Frascati Producties (Ámsterdam), Veem House for Performance (Ámsterdam), SPRING performing arts festival (Utrecht), Zürcher Theaterspektakel, Black Box teater (Oslo), International Summer Festival Kampnagel (Hamburgo), Tanzquartier Wien, wpZimmer (Antwerp), Théâtre de la Bastille (París) & Festival d’Automne à Paris

Con el apoyo de: Flemish Community, the city of Ghent, Beursschouwburg, Vlaamse Gemeenschapscommissie& Amsterdams Fonds voor de Kunst

Agradecimientos especiales a todas aquellas personas involucradas en el proceso de creación de esta trilogía.

En colaboración con el Centro Cultural Coreano en España.

The Hamartia Trilogy – Cuckoo

17:00h – Lolling & Rolling 40 – 45 mins

18:30h – Cuckoo   60 mins

21:00 – The History of Korean Western Theatre   60 – 65 mins

Cada pieza costará 10€

Cuckoo (2017), la segunda parte de Hamartia Trilogy, examina una sociedad bajo presión como resultado de un imperialismo económico de gran alcance. En esta actuación, Jaha comparte la escena por primera vez con tres artistas no humanos: ollas arroceras. Las ollas arroceras hackeadas y parlantes, con la marca Cuckoo, son las compañeras de conversación de Koo en diálogos dolorosamente divertidos sobre la vida solitaria con la que tienen que lidiar los jóvenes coreanos. Porque, ¿cómo se puede crecer en una sociedad orientada al desempeño y de alta tecnología donde el aislamiento social, el desempleo juvenil y el suicidio son rampantes?

En griego, “hamartia” significa «error trágico», un concepto que el creador teatral sur coreano Jaha Koo ha entretejido en formas completamente diferentes a lo largo de las tres piezas que conforman esta trilogía Lolling and Rolling, Cuckoo y The History of Korean Western Theatre.

En la trilogía, el imperialismo de largo alcance del pasado y el presente, y su impacto personal a veces inesperado, son el hilo conductor. En sus inteligentes e inquietantes representaciones de teatro documental, Jaha Koo entrelaza historias personales con hechos históricos, políticos y sociológicos. A menudo, temas que implican un choque de la cultura oriental y occidental: desde el corte del frenillo de lengua para triunfar en Occidente, hasta el fuerte costo personal de la interferencia occidental en el campo macroeconómico.

Jaha Koo (He/him) es un creador de teatro y performance, compositor musical y videógrafo surcoreano.  Su práctica artística oscila entre el multimedia y la performance, que incluye su propia música, vídeo, texto e instalación. Sus obras están estrechamente entrelazadas con la política y la historia, interesándose especialmente por el paisaje político y la identidad cultural de Asia Oriental. Se licenció en estudios teatrales en Seúl y se estableció en Europa, estudiando teatro independiente en Ámsterdam en 2012.

Su obra más representativa, Hamartia Trilogy, es un proyecto a largo plazo compuesto por Lolling and Rolling (2015), Cuckoo (2017) y The History of Korean Western Theatre (2020). Esta trilogía se centra temáticamente en cómo el ineludible pasado afecta trágicamente a nuestras vidas actuales. Estas obras son historias sobre el imperialismo lingüístico, el imperialismo económico y el imperialismo teatral, y presta atención a los trágicos defectos de la Corea del Sur contemporánea.

Su gira internacional, que comenzó en Europa en 2015, se ha expandido a Asia, Oceanía y América.  En la actualidad, crea obras en los Países Bajos y Bélgica como base y está preparando una nueva obra con el Centro de Arte CAMPO, con el objetivo de estrenarla en 2024. GuJAHA es el seudónimo de Jaha Koo como compositor musical.

Producción: CAMPO arts centre (Ghent)

Coproducción: Kunstenfestivaldesarts (Bruselas), Kunstenwerkplaats Pianofabriek (Bruselas), Münchner Kammerspiele, Frascati Producties (Ámsterdam), Veem House for Performance (Ámsterdam), SPRING performing arts festival (Utrecht), Zürcher Theaterspektakel, Black Box teater (Oslo), International Summer Festival Kampnagel (Hamburgo), Tanzquartier Wien, wpZimmer (Antwerp), Théâtre de la Bastille (París) & Festival d’Automne à Paris

Con el apoyo de: Flemish Community, the city of Ghent, Beursschouwburg, Vlaamse Gemeenschapscommissie& Amsterdams Fonds voor de Kunst

Agradecimientos especiales a todas aquellas personas involucradas en el proceso de creación de esta trilogía.

En colaboración con el Centro Cultural Coreano en España.

Taller de creación escénica colectiva para creadorxs

Plazas limitadas.

Inscripciones del 21 de febrero al 11 de marzo a través del correo meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto TALLER VV.AA. COLLECTIU, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

15 marzo: 16:30 a 19:30

A quién va dirigido: creadorxs de artes escénicas, tanto intérpretescomo directorxs, iluminadorxs, musicxs, escenografxs, dramaturgxs…

Descripción: Generaremos experiencias escénicas a partir de diversas formas de creación colectiva. Desde el cuerpo, pasando por la escritura y jugando con elementos de puesta en escena clásicos y contemporáneos.

 

Taller interpretación y creación escénica

Taller dirigido a profesionales y alumnos de último curso de Arte Dramático y Danza. 

Plazas limitadas.

Inscripciones del 21 de febrero al 4 de marzo a través del correo meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto TALLER NEEDCOMPANY, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

Del 8 al 10 de marzo: 16:30-19:30h

Día 11 marzo: 16:30 a 19h

Muestra abierta: 12 de marzo – 13h – Salón de espejos

Recogida de invitaciones en taquilla del 8 al 11 de marzo hasta completar aforo.

Búsqueda y desarrollo de técnicas interpretativas y creativas desarraigadas del texto. ¿Qué pasa cuando la palabra es descentralizada en el escenario? Es posible contar una historia a través de imágenes? Si tomamos prestada la supremacía del verbo en el teatro con tal de igualar el texto al movimiento y al sonido de los cuerpos es posible llegar más lejos a la hora de contar historias, de ilustrar pasajes, de evocar sentimientos? La verdad es que tampoco lo tenemos muy claro, por eso hacemos este laboratorio.

Romy Louise Lauwers: Empezó a trabajar a muy temprana edad, a los 12 años. A los 18 años formó junto a otros artistas de su generación un colectivo en Ghent llamado Kuiperskaai con quién ha creado siete espectáculos que han girado internacionalmente. Como actriz ha trabajado en cine, televisión y teatro. Con la compañía belga Needcomapny en media docena de espectáculos así como con directores como Abattoir Fermé, Davis Freeman, Peter Seynaeve o Lisaboa Houbrechts, entre otros.

Nao Albet: Empezó a trabajar de muy joven, más que Romy, a los 10 años. A los 16 años creó su primera obra de teatro, junto a Marcel Borràs en el Teatre Lliure de Barcelona. Desde entonces han escrito y codirigido casi una decena de espectáculos. Nao y Marcel ganaron el premio Max a mejor dirección este año. En teatro ha trabajado con directores como Calixto Bieito, Àlex Rigola, Carme Portaceli y Jan Lauwers. En televisión en series como Merlí, Cuéntame como pasó o Cites.

AVANT GARDE BALL

ENTRADAS & INSCRIPCIONES:

Personas de la escena ballroom:

Si participas es imprescindible registrarse.

Formulario de inscripción: https://forms.gle/N4Vuah2BaDFCBU2i8

Las inscripciones son gratuitas y estarán abiertas hasta el 1 de JUNIO como máximo. Contacto para registrarse y acreditaciones: meetyou@tcalderon.com

En el asunto del mensaje debes poner PARTICIPANTE.

Cualquier duda específica sobre las categorías y vestuarios enviar un email a: madridballroomscene@gmail.com o Silvi ManneQueen

Próximamente más información sobre los workshops, nuestros invitados y otras sorpresas! Stay Tuned!

Por segunda vez en Valladolid tendremos un gran broche de oro el sábado 11 de junio con la AVANT GARDE BALL con el fin de ofrecer un espacio seguro a la comunidad ballroom que aporte aceptación y visibilidad y donde los participantes puedan mostrar todo su talento.

Además en esta III edición de MeetYou Valladolid,  durante el fin de semana, se impartirán una serie de workshops donde aprender los elementos básicos de algunas categorías representativas de las escena Ballroom y del voguing. Con un programa diseñado por Silvi ManneQueen, embajadora de la escena ballroom en España, contarán en cada taller con un voguer experto de la escena internacional.

Apunta en tu agenda 10 y 11 de junio y próximamente te daremos más detalles.

La temática de AVANT GARDE BALL está vinculada con todo aquello que posee un carácter vanguardista y hace referencia a las personas o creaciones que son innovadoras o experimentales, en particular en lo que respecta a las artes, la cultura y la política.Se acuña este término para hablar de las cosas que se alejan de  lo comercial y lo mainstream y que empujan la realidad hacia un nivel más potente y arriesgado que el establecido por la norma. Lo vanguardista cataliza los cambios y propone versiones alternativas (reales y ficcionales) del presente y del futuro.

La escena Ballroom es una cultura underground impulsada por los colectivos LGTBQ+ afroamericanos y latinos (concretamente por las mujeres trans) que despunta en los años 80 en Harlem, Nueva York, y que se desarrolla en torno a Balls, houses y categorías.

Se espera que todas las personas que asistan a la Ball respeten y celebren la cultura ballroom y sus raíces. Sé consciente del espacio en el que estás y respétalo. Si te apetece participar en la ball, es importante entender qué significa. Si tienes cualquier duda antes o durante la ball, pregúntanos, te ayudaremos a resolverla.

No al sexismo, la homofobia, la transfobia, el racismo, la vergüenza corporal o cualquier forma de discriminación. Sí a la igualdad, la diversidad, la creatividad, la colaboración, el aprendizaje, las nuevas experiencias y el AMOR.

Respeta los límites de todos. Si haces fotos / vídeos, asegúrate de contar con el consentimiento de todas las personas que aparecen antes de publicar el material en redes sociales.

En esta edición queremos dar visibilidad y posibilidades a esta cultura, compartir experiencias únicas y dar la bienvenida a todxs.

CATEGORÍAS

– F A S H I O N –

// FASHION KILLAH OTA: Cyborg

Cuando hablamos de Cyborg, nos referimos a una criatura híbrida entre lo humano y lo tecnológico, sin género ni raza, de una inteligencia superior pero con dotes sentimentales. Un ser mutante. Neil Harbisson, es la primera persona del mundo reconocida como cyborg por un estado y defendió el derecho de las personas a decidir qué tipo de especie quieren ser, incorporando sentidos y órganos a su cuerpo. Yeule es artista musical de vanguardia y cyborg no binario.

Inspírate en la estética Cyborg y cuéntanos como interpretas tú este movimiento de vanguardia para mostrar un look que no sea de este planeta y crear tendencia. Recuerda que se valorará tu outfit y tu destreza para lucirlo delante de los jueces.

// BEGINNERS RUNWAY OTA: Matrix

La película Matrix generó tendencia en la pasarela, tanto en los años 90 como en su última versión cinematográfica. Inspírate en su estética caracterizada por largas chaquetas, piel, botas o gafas mini que usaban los personajes para ocultar su verdadera identidad. Cualquier color es bienvenido.

Recuerda que se valorará tu look pero también tu técnica desfilando.

Nota: En esta categoría se podrán presentar personas que lleven en la escena ballroom un año como máximo, o menos, desde que se presentaron a una KikiBall o a una Ball.

// EUROPEAN RUNWAY OTA : Alexander McQueen

Alexander McQueen ha sido uno de los diseñadores más vanguardistas de su época. Por poner algunos ejemplos, su desfile “ReadytoWear” de 2009 tuvo un gran impacto gracias, entre otros, a sus espectaculares “headpieces” diseñados por Philip Treacy y los labios inspirados en LeighBowery.  O su posterior desfile “Platon Atlantis” de 2010, una propuesta futurista repleta de materiales extravagantes que definió el estilo de Lady Gaga con sus “Armadillo shoes» y que se retransmitió por Facebook durante 24 horas, convirtiéndolo en tendencia.

Inspírate en alguno de sus dos desfiles para lucirte en la pasarela. Hacer un “guiño” a aquellos looks, peinados o headpieces pueden ser un plus para conseguir tus tens. Sé creativx!

// ALL AMERICAN RUNWAY OTA: MowalolaOgunlesi&XanderZhou

El rock retro nigeriano inspiró los diseños de MowalolaOgunlesi en 2017, llevándole a presentar una colección futurista y de vanguardia  que captó toda la atención del momento.

Otro de los diseñadores de avantgardestreewear que no pasa desapercibido es XanderZhou, que en su desfile de 2019 exploró la evolución de la humanidad y la idea de formas de vida alternativas e inteligentes.

Inspira tu look en alguno de estos dos diseñadores vanguardistas! Puedes traer referencias de tus inspiraciones si lo deseas para tus tens. Think out of the box!

–  PERFORMANCE –

// VIRGIN PERFORMANCE OTA: Shine (Old Way, New Way o Vogue Fem)

Si es tu primera vez y te atreves a liberarte mostrando tus movimientos, técnica y actitud al mundo, ésta es tu categoría. Brilla como una estrella y muéstrale a la comunidad ballroom quien formará parte de esta escena en el futuro. Para ello trae un look que brille casi tanto como tú. Cualquier color está permitido.

Nota: Podrán presentarse sólo aquellas personas que participan en una categoría de performance por primera vez en una Ball o KikiBall.

// BABY VOGUE  OTA (VF): Uniform at metaverse

Estamos ante nuevas realidades y universos paralelos, sobre todo virtuales. Todavía estás desarrollando tu performance, pero ya quieres preparar tu avatar para poder voguear en el metaverso. Los avatares de los babyvogue tendrán que llevar un uniforme futurista que incorpore el azul Klein en alguna parte.

Nota: Podrán presentarse sólo aquellas personas que lleven en la escena ballroom un año como máximo o menos desde que se presentaron a su primera kikiball o ball.

// OLD WAY OTA:  Metaverse, digital techonology

Tienes que adaptarte a los nuevos avances tecnológicos y para ello debes instalarle un “pinganillo” o “gafas digitales” a tu avatar para poder desplazarte en el metaverso. Las personas nuevas en este universo paralelo que bailan “el viejo camino” además deben incorporar algo en su vestimenta de color naranja. A medida que avances fases podrás cambiar el color del atuendo de tu avatar si lo deseas. Demuestra que eres capaz de adaptarte a los nuevos universos y avances y deja a los jueces en shock con tus poses más vanguardistas.

// NEW WAY OTA: Metaverse, fantastic plastic protection

Tras dar por finalizada la pandemia, estamos más que familiarizados con protegernos de posibles futuros virus o contagios. Dentro del metaverso también tienes que proteger alguna parte del cuerpo de tu nuevo avatar; puede ser algún “EPI” de vanguardia, alguna pantalla o mascarilla, de cualquier forma o color pero… “plasticisfantasticforelastic”. Eleva tu creatividad y haz que tu performance sea avantgarde!!!

// FF PERFORMANCE: Space girl (Femqueen, Ciswomen, Drag)

Desde tus inicios has viajado a través de la escena ballroom hasta llegar al más allá.  Tras bajarte de tu nave espacial has llegado a Valladolid a la Avant-GardeBall. Preséntate como una auténtica  “Spacegirl” y deleita a los jueces con una auténtica performance. Cualquier color es bienvenido.

// BQ VOGUE FEM: Cuntyallien

Sabemos de la existencia de otros planetas y otros seres fuera del mundo terrestre. La escena ballroom acepta a todos aquellos seres avantgarde que en el planeta tierra son oprimidos.  Muchas veces nos hemos sentido como un auténtico alien. Empodera ese sentimiento e inspira tu look en un cuntyalien muy cvnty. Cualquier color es bienvenido.  Thinkout of box!

// NB PERFORMANCE: Space, allienor mix (No binaries)

Tras bajarte de tu nave espacial has llegado a Valladolid a la AvantGardeBall y sabes que la escena ballroom acepta a todos aquellos seres avant-garde que en el planeta tierra no encajan en los cánones establecidos. Puedes inspirar tu look en una spacegirl o en un cuntyallien, o quizás en una mezcla de lxs dos, según te identifiques y quieras presentarte al mundo.

// VOGUE TO EVERYTHING OTA: All categories inspiration

If you can Vogue, you Vogue to everything!!! Seamos vanguardistas y alejémonos por un momento de las normas habituales dejando de utilizar voguebeats. Demuestra a los jueces que eres capaz de bailar voguing con cualquier canción. Prepárate para los “beats” que lanzará nuestro fantástico DJ. Para tu outfit puedes usar cualquiera de las inspiraciones del resto de categorías.

// HANDS PERFORMANCE vs. ARMS CONTROL OTA: New Age religions

Rodeadas de tanta incertidumbre, las religiones New Age están a la orden del día para ofrecer más información de lo que nos espera en el porvenir.  Cuéntanos que sucederá en el futuro incorporando tu bola de cristal o echándonos las cartas del tarot en tu performance. Vístete según consideres pero incorporando algo morado en tu  outfit.

– BEAUTY –

// FACE OTA: Avant garde headpiece (MF, FF, NB)

Muestra tus facciones y corona tu belleza con un vanguardista o futurista tocado (headpiece) y atuendo. Serás la reina del futuro. Cautiva a los jueces con tus facciones, tu belleza y tu carisma. Se valorarán las estructuras faciales. Ej: pómulos, mandíbula, piel de seda, dentadura, sonrisa. Pero también expresión corporal, actitud, maquillaje y vestuario.

// SEX SIREN OTA: UV light

Estamos en un proceso de transición entre los billetes y las criptomonedas. Cuentas con un montón de billetes que has ganado y te arriesgas a que lxs jueces usen luz ultravioleta para ver si son verdaderos o falsos.  Lo que sí mirarán con detalle es si tu sex appeal es verdadero o falso. Para ello utiliza en tu look algún color/es flúor o neón. Think out of the box.

– R E A L N E S S –

// EXECUTIVE REALNESS: Digital fashion or 3D printers

Te apasiona el mundo de la tecnología y a su vez el de la moda. Quieres que las marcas de moda conocidas implementen la moda digital y las impresoras 3D en sus talleres de creación y sus cadenas de distribución. Pero también quieres darlo a conocer entre comunidad ballroom y que sea accesible. Deleita a los jueces con tu presentación más avantgarde con el fin de que quieran y puedan hacer uso de tu proyecto para su próxima Ball.

// PRETTY BOY VS. SCHOOL BOY REALNESS: Men in black vs. Laboratory

*PRETTY BOY REALNESS: Men in black

Perteneces a una organización secreta que vigila la actividad alienígena en la Tierra, conocida como MIB (Men in black) y caracterizada por llevar un atuendo negro y gafas de sol protectoras.  Encuentra el momento en el que no haya ataques para poder quitarte las gafas.

*SCHOOL BOY REALNESS: Laboratory

Estás estudiando y en la asignatura de ciencias hoy toca día de laboratorio. Tienes que llevar  la tarea y el súper experimento preparados, ya que de esa nota depende que te puedas presentar a Selectividad. Recuerda que en el laboratorio es imprescindible llevar batín blanco.

// TRANSMAN REALNESS: Matrixblue

En Matrix se nos presenta una sociedad humana que vive en una realidad virtual compartida en la que se revela que nuestras sensaciones son impulsos eléctricos en el cerebro, es decir, un mero juego imaginario-simbólico.

En esta nueva realidad, decidiste tomar la píldora azul para ir más allá,   evolucionar y rodearte de estímulos de felicidad. Desde entonces el color azul forma parte de tu día a día. Preséntate en color azul ante los jueces. Los zapatos no cuentan.

// FEMQUEEN REALNESS: Matrix red

En Matrix se nos presenta una sociedad humana que vive en una realidad virtual compartida en la que se revela que nuestras sensaciones son impulsos eléctricos en el cerebro, es decir, un mero juego imaginario-simbólico.

En esta nueva realidad, decidiste tomar la píldora roja para ir más allá, evolucionar y rodearte de estímulos de felicidad. Desde entonces el color rojo forma parte de tu día a día. Preséntate en color rojo ante los jueces. Los zapatos no cuentan.

– OTHERS –

// COMMENTATOR vs. COMMENTATOR:

Para obtener tus 10´s incluye alguna de las siguiente palabras en tu chant: metaverso, futuro, vanguardia, tecnología o avantgarde.

Sé creativx, queremos ver tu originalidad!

// LIP SYNC:

*Tens:

Ven a conseguir tus 10´s  y elige una de las canciones de alguna de lxs artistas que han sido o son vanguardia en sus estilos, en sus looks, en sus videoclips o en sus letras. Inspira tu vestuario en alguno de los looks del artista que elijas.  Se permiten producciones o remixes. Poneros en contacto con nosotros.

– She is a b*tch – Missy Elliot

– Kiki – Catz’nDogz ft. Megane Mercury

– Born this way – Lady Gaga

– No scrubs- TLC

– Saoko- Rosalía

– Woman – Doja Cat

– Sad girlz luv m- Amaare ft. KaliUchis

– Havemercy – Chlöe

*Battles: cada participante elegirá su favorita y el azar decidirá cual de las dos te tocará defender. 50% de posibilidades. Todavía estás a tiempo de prepararte.

– Body – Megan TheeStallion

– New rules – DuaLipa

– Call me by your name – Montero

– FLow 2000: Bad Gyal

– Work it- Missy Elliot

– Linda – Rosalía ft. Tokischa

– Telepatía – KaliUchis

*Final:

– Daft punk – Technologic

Silvi Mannequeen:

Coreógrafa, bailarina y docente reconocida en danzas urbanas desde 2004, destaca por ser precursora y embajadora de la escena Ballroom y Voguing en España. Además de sus estudios en danza española y flamenco con Mariemma y en el conservatorio, se ha formado alrededor del mundo en Hip hop, House, Waacking, Vogue, Locking, Jazz y Contemporáneo, con pioneros de cada estilo.

Su versatilidad y organización la ha llevado a ejercer de directora artística de Balls, Fashion shows y eventos privados (Veranos de la Villa, Teatro Calderón Valladolid, MBFW, Pride Alcalá) e incluso a comisariar para exposiciones organizando workshops de voguing y ciclos de cine documental (CA2M, Sala Equis).

Recibió el Premio Embajadora Europea de la Escena Ballroom / Voguing en los «European People Choice Awards» París, 2019.

Su última incursión más performática ha sido para la pieza de “Lo Incondicional” de Ernesto Artillo, para teatros Canal. Actualmente forma parte de los ciclos de creación y performance “Hospital de Artistas” de La Juan Gallery.

Think Young Lab: Danza

Entrada libre hasta completar aforo.

PROYECTO DE COMISARIADO EN EL MARCO DE #MEETYOU 2022

TYL, acrónimo de Think Young Lab, es un comisariado vivo articulado a través de cinco encuentros conversacionales y tres acciones expandidas. El objetivo de TYL es generar una serie de espacios de conocimiento situado con diferentes creadoras en el que buscar una definición posible de las bellas artes en la actualidad. Charles Batteux publica, en 1746, Les Beaux-Arts réduits à un même principe, un texto que pone de manifiesto las diferentes vías de formalización de las diversas culturas artísticas y sus soportes. Partiendo de esta clasificación, se proponen una serie de laboratorios en los que plantear o discutir las resonancias de dichos formatos y su desarrollo en la era post-internet.

Cinco encuentros, entre los meses de febrero y mayo del año 2022, marcarán el desarrollo del ciclo. Las disciplinas elegidas para esta ocasión son la poesía, la música, el cine, la pintura y la danza donde serán convocadas jóvenes creadoras del ámbito local y nacional. El fin pasa por generar un diálogo en relación al sentido de estas prácticas en el sistema actual del arte: Intentar entender bajo qué lógicas se desarrollan estas prácticas hoy, su dimensión política y relaciones interdiscursivas con la sociedad y la tecnología. En definitiva, se pretende plantear marcos de pensamiento posibles en los que desarrollar la expresión artística de nuestros días.

TYL se desarrollará en diversos espacios de la ciudad de Valladolid: 11 filas, Espacio Joven Norte, Galerías López Gómez , Andén 47 y Sala Cientocero. Como programaciones expandidas del comisariado tendremos un poetry slam, un micro abierto y una Battle Hip-Hop FreeStyle que pondrá el broche final a TYL.

Álvaro Caboalles 

(Ponferrada, 1994). Creador e Investigador en escena contemporánea. Doctorando del programa Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura  de la UAM y profesor en el IED Madrid dentro del departamento de Visual Arts. Gerente de MACOMAD, Coordinadora Madrileña de Salas Alternativas, donde desarrolla su trabajo como gestor cultural. Como reconocimiento a su trabajo ha sido beneficiario de las Ayudas a la Creación Joven de INJUVE ed. 2019 y 2020 en las categorías de Producción de Obra y Movilidad de Creadores; y los accésit de Premios Arte Joven CyL en la categoría de Artes Escénicas (2019 y 2021) y Letras Jóvenes (2021). Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas.

www.alvarocaboalles.com   @sr_caboalles

Batlle Hip-Hop FreeStyle

Como broche final de TYL proponemos una batalla de Danzas Urbanas con DJ Funkestein como encargado de la sesión. Para ello, en la mañana del 22 de mayo, se hará una ronda clasificatoria dando como resultado la selección de un total de 80 bailarines, que pasarán a la fase final de la batalla. Ya por la tarde, tras el encuentro con Ruth Prim y Sara Vinagrero y su posterior diálogo, comenzará el batlle. En esta ocasión lo haremos de la siguiente manera: rondas de cuartos, ronda de semifinales. Salida de exhibición de las juezas y una ronda final. El jurado estará compuesto por las invitadas al conversatorio de TYL Ruth Prim, Sara Vinagrero y el bailarín David Vega Brito.

Ruth Prim

(Barcelona) Bailarina profesional de danzas urbanas y de contemporáneo, ha colaborado en varios proyectos coreográficos tanto como bailarina como coreógrafa. Principalmente formada entre Tarragona y Barcelona, Ruth baila desde muy pequeña. Catalana con ascendencia venezolana, fue una de las profesoras del programa “Fama a Bailar” ed. 2018. Empezó su formación con el ballet clásico y la danza contemporánea, pero a medida que fue descubriendo la danza urbana, acabó enamorándose de ella. Ruth posee una fuerza sobre el escenario descomunal, y además es experta en batallas de bailarín contra bailarín.

Sara Vinagrero

(Valladolid, 1986) Ilustradora, Bailarina, Coreógrafa y profesora de Danzas Urbanas, especializada en Hip-Hop, House y Waacking. Como bailarina se forma en diferentes escuelas de Europa y EEUU, recibiendo influencias y formaciones con numerosos bailarines, entre ellos algunos de los  creadores de las Danzas Urbanas como Buddha Strech o Tyronne Proctor, entre otros. Además ha recibido influencias de otras danzas como el flamenco o la danza contemporánea, que han inspirado y evolucionado su danza. En 2009 funda la compañía Fresas Con Nata junto con Juan Pardo y Carlos Ballón., siendo desde este momento directora artística y coreógrafa principal de la compañía.

David Vega

Artista, bailarín y coreógrafo de Gran Canaria (Islas Canarias). Comienza sus inicios de danza en Gran Canaria en el año 2006 con el grupo Breakin ́ Truth aprendiendo numerosos estilos pertenecientes tanto a las danzas urbanas como contemporáneas, en las cuáles destacan el Hiphop, en primer lugar, seguido del Bboying, Popping y Krumping, entre otros. Prosigue formándose en Europa de manera independiente sobre todo en París, España, Alemania o Eslovaquia, en la actualidad reside en Barcelona ejerciendo tanto de profesor como de coreógrafo y activo bailarín de batallas de improvisación.