ESTRENO ABSOLUTO

Dramaturgia para una conferencia es un proyecto ideado por Matías Umpierrez a través de Plataforma Fluorescente, en una coproducción de Meetyou Valladolid/Teatro Calderón de Valladolid.

Dramaturgia para una conferencia es un proyecto curatorial, y un marco conceptual, que se desplaza cambiando de locaciones y propiciando la colaboración entre creadorxs de diferentes realidades y geografías, al igual que otros proyectos del artista y curador Matías Umpierrez. Han participado de este proyecto el filósofo y activista Paul B. Preciado, el arquitecto activista Eyal Weizman,  la directora escénica y activista Einat Weizman como así también artistas y performers de distintas disciplinas y países como Argentina, India, Islandia, Sudáfrica y Canadá.

El trabajo del artista Matías Umpierrez indaga sobre la relación que existe entre el espectador y la ficción en nuestros días. A partir de ello, sus proyectos se ubican en una frontera que sucede entre las artes visuales, el teatro y proyectos curatoriales generando una dialéctica entre el memoria-olvido-público-escena-discurso-territorio. Por esta razón sus piezas dialogan en términos globales cambiando de lugares, lenguas, dispositivos y disciplinas. Sus proyectos fueron presentados espacios no convencionales como edificios abandonados, estaciones de tren, fábricas de alimentos, bosques, teatros, cines y museos. Algunos de sus últimos proyectos son: Museo de la Ficción I. IMPERIO (Video instalación), TeatroSOLO-LONEtheater (performance site-specific), Distancia (pieza virtual para teatro), dramaHOME (performance site-specific), Los Bosques (Video instalación), Construcciones (Video instalación), Paisaje (video arte), entre otros. Su como artista siempre mantiene consonancia con su labor como comisario/curador activando diálogos, creando entramados y comunidades locales-regionales-globales. Ha fundado el Festival Internacional de Dramaturgia y la Plataforma Fluorescente, un dispositivo transdisciplinar que promueve la colaboración entre artistas e instituciones de distintas geografías. Como resultado de los proyectos curatoriales, que ha creado para diferentes instituciones, sucedieron más de 120 comisiones originales.

Pedro G. Romero (Aracena, 1964) opera como artista desde 1985. Funciona también como curador y comisario de exposiciones. Fue parte de UNIA arteypensamiento y miembro de la PRPC (Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales) en Sevilla. Forma equipo de la pie.fmc (Plataforma Independiente de Estudios Flamencos Modernos y Contemporáneos). Participante en Documenta14 Atenas/Kassel y residente en la Academia de España en Roma. Colaborador habitual de la Sociedad flamenca El Dorado de Barcelona. Dirige la colección “Flamenco y cultura popular” en editorial Athenaica.Trabaja también con bailaores, cantaores y guitarristas flamencos (Israel Galván, Rocío Márquez, Tomás de Perrate, Niño de Elche, Alfredo Lagos, etc.) En 2020 dirigió con Gonzalo García Pelayo la película Nueve Sevillas. Ha sido curador y comisario de exposiciones de grandes ciclos expositivos como «Tratado de Paz» para Donostia/san Sebastián 2016 o «Aplicación Murillo» para el ICAS de Sevilla. También de exposiciones de tésis como «Vivir en Sevilla», «La noche española» (con Patricía Molins) o «Máquinas de vivir» (con María García) y monograficas sobre  «Ocaña, 1972-1962» o «Helios Gómez. Días de Ira» . El MNCARS ha realizado una revisión de su trabajo como artista y comisario bajo el título Máquinas de trovar.

Sobre la conferencia-performance:

“¡Ay el bolso en el autobús! ¡Ay el autobús, que se me ha ido el bolso!

Esas cabezas, esas formas de agarrarse salvaje, todas esas cosas.

Nadie se mueve, ya. Ni una pestaña. Ole… olerlo. Quedaros ahí, sintiendo desde el pecho ¡Desde el tórax! Oler la música, olerla, saborearla.

Tenéis que acariciar más el arte. Coge ese estiércol que va chorreando entre los dedos.

Vamos a proyectar. Todo es una balanza, todo es un equilibrio.

Y ahora… ¡al corazón! ¡Papám! Todo tu cuerpo, la pierna, la rodilla, todo el cuerpo baila, vida mía.

En la punta de los pies, en las entrañas, en el corazón.

La paz del baile, el sosiego, la libertad.

Muchísimas gracias y que el amor os acompañe siempre.

Ole, quedaros ahí.

Pa, pa, ¡papá!”

*Transcripciones literales de expresiones utilizadas por artistas flamencos para enseñar a sus alumnos.

LO INEFABLE es un archivo de interferencias entre diferentes lenguajes relativos a “lo flamenco”; un ejercicio escénico que propicia, por contagio, conexiones sensibles entre códigos aparentemente incompatibles.

Un texto teórico, una tabla de pies, un gesto, una sentencia judicial, crícríticas periodísticas, letras de canciones, la respiración, el atuendo… se intervienen entre sí evidenciando las tensiones que hay entre los significantes y los significados a la hora de describir una experiencia artística.  Lo inefable trata de pronunciar con las palabras y con el cuerpo aquello que no se puede decir.

Sobre Rocío Molina: 

Coreógrafa y bailaora iconoclasta, Rocío Molina ha acuñado un lenguaje propio cimentado en la tradición reinventada de un flamenco que respeta sus esencias y se abraza a las vanguardias. Radicalmente libre, aúna en sus piezas el virtuosismo técnico, la investigación contemporánea y el riesgo conceptual. Sin miedo a tejer alianzas con otras disciplinas y artistas, sus coreografías son acontecimientos escénicos singulares que se nutren de ideas y formas culturales que abarcan desde el cine a la literatura, pasando por la filosofía y la pintura. Su búsqueda artística ha sido reconocida con premios de la relevancia del reciente León de Plata de la Danza 2022 de la Bienal de Venecia, Medalla de Oro de las Bellas Artes en 2022, el Premio Nacional de Danza en el año 2010, los UK National Dance Award en 2019 y 2016 y hasta cuatro Premios Max. Es una de las artistas españolas con mayor proyección internacional y sus obras han podido verse en los más importantes escenarios de todo el mundo.

Escenario Teatro Calderón

Jueves, 23 de marzo de 2023 20.00h

Precio único: 10€