Público: Joven

¡A mover moverse!

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En este taller transitamos por herramientas de composición e improvisación de material a través de propuestas de movimiento y fisicalidad. Mediante pautas, introduciremos el cuerpo en dinámicas prácticas, que luego, se usarán y desarrollarán en un espacio creativo donde generar y experimentar desde una corporalidad propia. Esta práctica está directamente relacionada con la aplicación y proceso coreográfico de Arnau y su compañía.

PLAZAS LIMITADAS

Inscripciones a partir del 9 de febrero a través de: meetyou@tcalderon.com En el asunto poner: TALLER A MOVERSE indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller

Algo de amor

Algo de amor una conferencia performativa_teatro_calderon_valladolid_ocio_cultura_turismo

Algo de amor es una conferencia sobre la práctica amistosa en la era del realismo capitalista. Algo de amor es también una representación teatral sobre la amistad. Algo de amor es, finalmente, una performance que juega con los límites de la teatralidad, con el espacio de visibilidad de la palabra hablada y con el estatus de la conferenciante. Todo esto llevado a cabo por unas cuatro amigas acompañadas de una tatuadora profesional.

Las Huecas nace en el año 2016 con el objetivo de llevar a cabo creaciones escénicas desde la práctica colectiva.

Como agrupación hemos transitado por todo tipo de identidades: investigadoras etnógrafas fallidas, banda depunk o dibujantes de cómic. Nos situamos en una estética híbrida; herederas de la tradición paródica y satírica catalana, influenciadas por las propuestas del teatro documental, por las teatralidades visuales y del objeto y, finalmente, por las experiencias liminares de la performance. Trabajamos a partir de un carácter netamente investigativo la noción de performatividad ‘’de la retirada’’, la vulnerabilidad de los cuerpos, la apertura de los códigos teatrales, la dramaturgia permanente y fragmentaria así como la abolición de las estructuras jerárquicas en la creación.

Retirada invitación a partir 20/2 en taquilla y online
(este canal de venta tiene gastos de gestión).

Taller de interpretación/ Realidad Virtual

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Se participará en una investigación que busca integrar la técnica psicológica de la interpretación tradicional con las nuevas formas de contenido narrativo, en este caso la multiplicidad de puntos de vista de la visión con gafas VR. El reto estribará en transmitir la emocionalidad poética del comportamiento no solo a través del texto sino tambien a través de las gafas VR, tanto para el intérprete que trasmite junto a ellas, como para el público que recibe estímulo a partir de las mismas. Se trabajaran los textos de los personajes de Bergman teniendo en cuenta el filtro interpretativo psicológico a la hora de crear las imágenes emocionales y poéticas que componen el comportamiento activo y mental de los personajes: La enfermera Alma y la actriz , personaje , este ultimo, silente para el cual convertiremos su mundo interior en imagen inmersiva cuyo resultado será integrado en las «gafas VR y que serán utilizadas a posteriori tanto por las interpretes como por el publico asistente en la presentación final del taller.

DIRIGIDO a actrices (20 a 55 años) profesionales o en formación ( 3º, 4º grado de interpretación) preferentemente con conocimientos de inglés y disponibilidad total las tardes del 19 al 23 de febrero (ambos incluidos) y las tardes del 8 y 9 de marzo de 2024. La semana de febrero se realizará el taller y los dos días de Marzo de presentara el resultado del mismo al público en la sala Desván del mismo Teatro Calderón.

Un máximo de 8 actrices que trabajarían en parejas durante 5 días en horario de tarde (16 a 21h). En caso necesario se realizará una selección.

Inscripciones a partir del 5 de febrero a través de: meetyou@tcalderon.com En el asunto poner: TALLER RV indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller,

Work in progress VR/PERSONA

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Este momento de avance tecnológico es veloz, las nuevas formas de creación digital, virtual y la inteligencia artificial están moviendo los cimientos de toda nuestra estructura expresiva. Sin embargo, teniendo en cuenta esta circunstancia y a sabiendas de que pisamos territorio inexplorado, nos atrevemos a tomar las riendas de nuestra intuición y experimentar con criterios que doten de coherencia dramatúrgica a la experiencia digital, es decir, bajo las mismas premisas que en cualquier puesta en escena tradicional. Para ello, esta propuesta se centra en figurar el mundo psicológico de los personajes haciendo partícipe al público de esa presencia y emoción a través del enorme potencial de subjetivización de las gafas de realidad virtual, pues través de ellas se percibe un nuevo universo, cercano y paralelo al real. Crear y habitar este universo será el objetivo del trabajo.

Nina Reglero es directora de escena, docente y directora artística de Rayuela Producciones Teatrales de la que es socio fundador. Ha sido profesora de interpretación en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid, y actualmente es la coordinadora artística de ‘La Nave’: El programa de desarrollo de las artes escénicas para jóvenes del Teatro Calderón de Valladolid. Complementa su trabajo con la dirección del Laboratorio de Investigación multidisciplinar ‘RayuelaLab’. Especializada en teatro contemporáneo, ha dirigido una cincuentena de espectáculos, y ha presentado en España autores como Jean Claude Carriére, Enzo Corman, Lars Von Trier, Lars Norén, Annie Ernaux entre otros. Entre los premios recibidos destaca el premio Max Revelación por su puesta en escena de Dogville de Lars Von Trier y el premio Especial del certamen de Directoras de Escena de la ADE.

Carlos Nuevo es creador audiovisual, escenógrafo, director de escena, actor y autor teatral. Impulsor del proyecto Rayuela Vr, especializado en proyectos sobre la aplicación y desarrollo de la creación digital en entornos de realidad virtual para las artes escénicas en vivo. Además dirige y coordina la sección EMC Escena y multimedia del Laboratorio Rayuela Lab. Actualmente trabaja como coordinador artístico de ‘La Nave’: El programa de desarrollo de las artes escénicas para jóvenes del Teatro Calderón de Valladolid.Ha diseñado mas de cuarenta de espacios escénicos del que destacamos los premiados; Nacional de Escenografía Aqulieo Echevarría de Costa Rica por 20.000 leguas de viaje Submarino y el premio a la mejor Creación artística del World Festival of Puppet Art de Praga por Max de Juan Benet. Como autor teatral ha escrito una veintena de obras entre las que destacan: Conectado, Manuscrito 408 o Lovers Cole Porter songs. Sus obras se han estrenado en Costa Rica, Uruguay y Venezuela.

Entradas con invitación, a recoger en la taquilla del teatro a partir del 19 de febrero.

Forever

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Recomendado a partir de 12 años. 

Después de André y Dorine y Solitudes, la compañía Kulunka Teatro vuelve a apostar por el lenguaje silente de las máscaras en un espectáculo que combina ternura y crudeza.

Forever es la historia de cómo una familia se va alejando de lo que soñó que sería.

Reflejando con humor e ironía las contradicciones del amor, pone el foco en temas como la paternidad, la educación, la discapacidad, la sobreprotección, la sexualidad o la violencia.

Sobre una plataforma giratoria y con un lenguaje muy cinematográfico, Forever es un tiovivo; la noria de la vida.

Pero también una espiral que, a medida que gira, ahonda en el dolor de sus protagonistas. ¿Hasta dónde puede arrastrar la incomunicación a una familia?

Tal vez lo perturbador, lo emocionante, es que la historia de esta familia podría ser la de la nuestra.

FOREVER es una coproducción de la compañía Kulunka con el Centro Dramático Nacional, el Teatro Arriaga de Bilbao y el Teatro Victoria Eugenia de Donostia.

El Verdugo

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Recomendado a partir de 14 años. 

Un nuevo reto adaptar la impecable y genial película ¨El verdugo¨ de Berlanga y convertirla en un espectáculo teatral de marionetas para jóvenes y adultos. Un reto no exentó de riesgo; ya que esta sería la primera vez que se adapta el texto al teatro de marionetas.  Los actores y actrices, manipuladores, darán vida a todos los personajes de la obra. Con esta nueva visión tragicómica Calvente quiere demostrar que las marionetas son el vehículo perfecto para llegar al público más exigente.

Es improbable que cualquiera que conozca el film de Luis García Berlanga y Rafael Azcona haya podido olvidar su espléndido argumento, pero por si así fuere:

José Luis, un joven apocado, empleado de una funeraria, proyecta emigrar a Alemania para convertirse en un buen mecánico. Su novia es hija de Amadeo, un verdugo profesional. Cuando éste los sorprende en la intimidad, las circunstancias los obligan a casarse. Ante la acuciante falta de medios económicos de los recién casados, Amadeo, que está a punto de jubilarse, trata de persuadir a José Luis para que solicite la plaza de verdugo, que él va a dejar vacante, lo que le daría derecho a una vivienda. José Luis acaba aceptando la propuesta de su suegro y su mujer con el convencimiento de que jamás se presentará la ocasión de ejercer tan ignominioso oficio. La posibilidad de un indulto es su única esperanza. Pero irremediablemente el patíbulo donde el reo deberá morir le espera…

PREMIO NACIONAL ASSITEJ ESPAÑA 2021

Una coproducción de: El Espejo Negro, Ángel Calvente y Teatro del Soho Caixabank

El movimiento

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1. m. Acción y efecto de mover.
2. m. Estado de los cuerpos mientras
cambian de lugar o de posición.
3. m. Alteración, inquietud o conmoción.
4. m. Alzamiento, rebelión.
5. m. Primera manifestación de un afecto,
pasión o sentimiento, como los celos, la
risa, la ira, etc.
6. m. Desarrollo y propagación de una
tendencia religiosa, política, social, estética,
etc., de carácter innovador.
7. m. Conjunto de alteraciones o novedades
ocurridas, durante un período de tiempo, en
algunos campos de la actividad humana.
8. m. Disposición exenta de rigidez de los
elementos de un cuadro o dibujo, escultura,
etc.

Esto es un espacio de investigación, pensamiento y co-creación para inventar nuevas formas folclóricas que representen a cada comunidad involucrada y su vínculo con el territorio. Pero la acción de crear conlleva una responsabilidad. Hay que conservar lo creado y hacer un trabajo de transmisión como patrimonio inmaterial de la ciudad y de su ciudadanía. Autoría descentralizada, danza identitaria, folclore contemporáneo, corporalidad colectiva, tradición para el futuro. La misión de El Movimiento es que sus créditos estén perpetuamente incompletos. El Movimiento no debe parar. El Movimiento pertenece a quien lo cree, comparta, practique, aprenda.

Think Young Lab: CEVa Creadoras Emergentes de Valladolid

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La segunda edición de TYL propone reflexionar acerca de los conceptos de hipervínculo, liminalidad y apropiacionismo y la programación de #meetyou

En esta edición del ciclo Think Young Lab se proponen cinco encuentros en los que preguntarnos de manera colectiva por algunas de las preocupaciones contemporáneas a través de marcos conversacionales y acciones expandidas. En estas confluencias se dan cita creadoras escénicas y profesionales de diversas áreas con la idea de construir una mirada transversal entre la escena y otras disciplinas o áreas del conocimiento. Un hipervínculo vivo que genera sinergias con el programa escénico de esta edición. Una mirada a la liminalidad existente entre la escena y todo lo que queda fuera de ella. Una serie de acciones de apropiacionismo que ponen en evidencia la necesaria mirada hacia las demás para construir nuestro propio pensamiento.

Álvaro Caboalles – Comisario

Ponferrada, León (1994). Investigador, creador y comisario especializado en escena contemporánea. Doctorando del programa Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura  de la UAM y profesor colaborador en el IED Madrid dentro del departamento de Visual Arts. Gerente de MACOMAD, Coordinadora Madrileña de Salas Alternativas, donde desarrolla su trabajo como comisario y gestor cultural. Como reconocimiento a su trabajo ha sido beneficiario de las Ayudas a la Creación Joven de INJUVE ed. 2019 y 2020 en las categorías de Producción de Obra y Movilidad de Creadores; y los accésit de Premios Arte Joven CyL en la categoría de Artes Escénicas (2019 y 2021) y Letras Jóvenes (2021). Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas.

Chicas y maletas – compañía

Esta compañía germinó en la ESADCyL. Hemos compartido infinidad de horas de clase, de ensayos, de proyectos… y apostamos por una forma distinta de hacer teatro. Las dos colaboramos en los trabajos de la otra, aportando lo mejor de cada una. Hemos creado una sinergia muy bonita en la que poder apoyarnos para avanzar juntas en nuestros proyectos individuales y colectivos. Sin olvidar el humor, la plástica y la investigación de nuevos lenguajes en cada proyecto que abordamos juntas.

Peio Lekumberri – creadora escénica

Creador escénico, intérprete y cantautor nieto de Rafael Lecumberri, conocido compilador, poeta y cantor originario de la Bizkaia navarra. En Valladolid al cursar interpretación en la ESADCyL. Paralelamente, inicia una carrera musical en solitario, poniendo a prueba temas propios en los micros abiertos de la ciudad. Escenario a escenario, Peio termina por definir un estilo explosivo y personal, con directos cargados de ironía, dinamismo y hondos resoplidos de nostalgia. En el último año, cursa el máster en Pensamiento y Creación Escénica Contemporánea, del que se destila su primera creación de teatro-performance, “NA3394BD, este coche es un agujero”.

TripAbajo – compañía

Una compañía de teatro emergente que presenta obras de temática social vinculadas al sentir generacional de sus componentes y que trata de aproximarse a un modo de creación horizontal y no jerarquizada. La compañía surge en enero de 2021 con la creación de la pieza Amor Desnudo (Primer Premio en AAEE en el Certamen Arte Joven 2021). En 2022 estrena Es mi fiesta y lloraré si quiero partiendo de una investigación sobre el sentimiento de soledad en los jóvenes. Es creada gracias al programa de residencias artísticas de Andén 47 y ganadora de la VIII Residencia de Creación Teatral del Premi Born de Teatre. La enfermedad del mal gusto es la tercera producción de la compañía de la mano de #meetyou.

Abstract: Este encuentro propone un acercamiento al trabajo de creadores vinculados a la ciudad de Valladolid que es posible clasificar con el término emergente. El objetivo es reflexionar sobre su relación artística con la ciudad, las posibilidades de pensar Valladolid como ciudad creativa y el panorama cultural del territorio. Se propone como acción expandida una sesión de trabajo abierta al público general donde puedan compartir cada uno de ellos una dinámica creativa.

Think Young Lab: El (no) entusiasmo del trabajo creativo

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La segunda edición de TYL propone reflexionar acerca de los conceptos de hipervínculo, liminalidad y apropiacionismo y la programación de #meetyou

En esta edición del ciclo Think Young Lab se proponen cinco encuentros en los que preguntarnos de manera colectiva por algunas de las preocupaciones contemporáneas a través de marcos conversacionales y acciones expandidas. En estas confluencias se dan cita creadoras escénicas y profesionales de diversas áreas con la idea de construir una mirada transversal entre la escena y otras disciplinas o áreas del conocimiento. Un hipervínculo vivo que genera sinergias con el programa escénico de esta edición. Una mirada a la liminalidad existente entre la escena y todo lo que queda fuera de ella. Una serie de acciones de apropiacionismo que ponen en evidencia la necesaria mirada hacia las demás para construir nuestro propio pensamiento.

Álvaro Caboalles – Comisario

Ponferrada, León (1994). Investigador, creador y comisario especializado en escena contemporánea. Doctorando del programa Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura  de la UAM y profesor colaborador en el IED Madrid dentro del departamento de Visual Arts. Gerente de MACOMAD, Coordinadora Madrileña de Salas Alternativas, donde desarrolla su trabajo como comisario y gestor cultural. Como reconocimiento a su trabajo ha sido beneficiario de las Ayudas a la Creación Joven de INJUVE ed. 2019 y 2020 en las categorías de Producción de Obra y Movilidad de Creadores; y los accésit de Premios Arte Joven CyL en la categoría de Artes Escénicas (2019 y 2021) y Letras Jóvenes (2021). Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas.

Vicente Arlandis – creador escénico

Performer y creador de artes escénicas. Licenciado por la Escuela Superior de Arte Dramático, con máster en Producción Artística en la Facultad de BB.AA de Valencia y en Apass (Performance en Advanced Performance Trainning) en Bruselas.Desde el año 2001 trabajo con la artista escénica Sandra Gómez en el proyecto Losquequedan donde llevamos a cabo numerosos proyectos artísticos y de investigación como la serie Borrones, Thank You Very Much, Tragedia de los Comunes, The Love Thing Piece, entre otros. En la actualidad participo en el proyecto colectivo COS junto a Mariví Martín y Miguel Martínez.Como performer y creador escénico he colaborado con numerosos artistas.

Edredon Lab – creadoras y mediadoras culturales

EdredonLab es un colectivo artístico que surge en un contexto hiperproductivista que impone unos ritmos frenéticos alejados de las necesidades de los cuerpos. Trabaja a partir de la urgencia de poner en valor los procesos relacionados con el descanso, utilizando metodologías artísticas y participativas. La colectividad y los cuidados son pilares fundamentales en sus procesos, que buscan desestigmatizar la inactividad, planteándose como un espacio sanador y generador de vínculos.

Abstract: A partir de la reflexión del texto de Remedios Zafra “El entusiasmo. Precariedad y trabajo creativo en la era digital” para dialogar sobre cuestiones vinculadas a la condición de trabajo en el marco de las industrias culturales y creativas. Para empezar el conversatorio, se propone una pequeña mediación que se basa en la escucha de una meditación guiada. El objetivo es evidenciar los procesos de capitalización del descanso y la hiper-estimulación incluso cuando tratamos de descansar; problemáticas que se conectan directamente también con el trabajo cultural precarizado.

Think Young Lab: a la muerte (no) podemos viajar

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Reserva de plazas a través del correo electrónico: meetyou@tcalderon.com 

La segunda edición de TYL propone reflexionar acerca de los conceptos de hipervínculo, liminalidad y apropiacionismo y la programación de #meetyou

En esta edición del ciclo Think Young Lab se proponen cinco encuentros en los que preguntarnos de manera colectiva por algunas de las preocupaciones contemporáneas a través de marcos conversacionales y acciones expandidas. En estas confluencias se dan cita creadoras escénicas y profesionales de diversas áreas con la idea de construir una mirada transversal entre la escena y otras disciplinas o áreas del conocimiento. Un hipervínculo vivo que genera sinergias con el programa escénico de esta edición. Una mirada a la liminalidad existente entre la escena y todo lo que queda fuera de ella. Una serie de acciones de apropiacionismo que ponen en evidencia la necesaria mirada hacia las demás para construir nuestro propio pensamiento.

Álvaro Caboalles – Comisario

Ponferrada, León (1994). Investigador, creador y comisario especializado en escena contemporánea. Doctorando del programa Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura  de la UAM y profesor colaborador en el IED Madrid dentro del departamento de Visual Arts. Gerente de MACOMAD, Coordinadora Madrileña de Salas Alternativas, donde desarrolla su trabajo como comisario y gestor cultural. Como reconocimiento a su trabajo ha sido beneficiario de las Ayudas a la Creación Joven de INJUVE ed. 2019 y 2020 en las categorías de Producción de Obra y Movilidad de Creadores; y los accésit de Premios Arte Joven CyL en la categoría de Artes Escénicas (2019 y 2021) y Letras Jóvenes (2021). Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas.

Bárbara Sánchez – creadora escénica

Es coreógrafa, bailarina y actriz. Nace y vive en Sevilla. Estudia arte dramático, danza clásica y contemporánea en Sevilla, ampliando su formación por distintos lugares europeos con maestros y coreógrafos tales como Philippe Gaulier, Enrique Pardo, Germana Civera, Julyen Hamillton o Ivo Dimchev. Como bailarina ha formado parte de las compañías andaluzas Manuela Nogales, La Tarasca o La Cuadra de Sevilla. Ha creado las obras “A la vuelta de la esquina”(2003), “El jardín de atrás”(2005), “Plutón no es un planeta”(2008), “Gala Fantoche”(2010), “Ahuyéntanos este furor”(2011),  “La satisfacción del capricho”(2013), “Electrohumor”(2016), “Somewhat paler”(2016) y “Várvara”(2019).

Miguel Herguedas – profesor e investigador de la UVA

Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Valladolid desde 2017. Miembro del Instituto Universitario de Historia Simancas y del Grupo de Investigación Reconocido de la Universidad de Valladolid y Unidad de Investigación Consolidada de la Junta de Castilla y León: Arte Poder y Sociedad en la Edad Moderna. Su investigación, desde hace varios años, se centra en las relaciones artísticas entre bienhechores, tanto de la monarquía como de la nobleza, y la Orden de San Jerónimo. Además, destacan varios trabajos sobre documentación, catalogación, investigación, socialización y protección del Patrimonio Cultural sobre los que tiene varias publicaciones y propuestas.

Abstract: Este encuentro propone realizar una visita al Museo Nacional de Escultura con una mirada al concepto de la muerte y su representación figurativa. Vivimos en un contexto plagado de iconografía profana y cristiana que puede ser vislumbrado y discutido desde el marco de una mediación con parte de la colección del museo.