Público: Joven

Think Young Lab: www.futuriblesparatodas.com

La segunda edición de TYL propone reflexionar acerca de los conceptos de hipervínculo, liminalidad y apropiacionismo y la programación de #meetyou

En esta edición del ciclo Think Young Lab se proponen cinco encuentros en los que preguntarnos de manera colectiva por algunas de las preocupaciones contemporáneas a través de marcos conversacionales y acciones expandidas. En estas confluencias se dan cita creadoras escénicas y profesionales de diversas áreas con la idea de construir una mirada transversal entre la escena y otras disciplinas o áreas del conocimiento. Un hipervínculo vivo que genera sinergias con el programa escénico de esta edición. Una mirada a la liminalidad existente entre la escena y todo lo que queda fuera de ella. Una serie de acciones de apropiacionismo que ponen en evidencia la necesaria mirada hacia las demás para construir nuestro propio pensamiento.

Álvaro Caboalles – Comisario

Ponferrada, León (1994). Investigador, creador y comisario especializado en escena contemporánea. Doctorando del programa Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura  de la UAM y profesor colaborador en el IED Madrid dentro del departamento de Visual Arts. Gerente de MACOMAD, Coordinadora Madrileña de Salas Alternativas, donde desarrolla su trabajo como comisario y gestor cultural. Como reconocimiento a su trabajo ha sido beneficiario de las Ayudas a la Creación Joven de INJUVE ed. 2019 y 2020 en las categorías de Producción de Obra y Movilidad de Creadores; y los accésit de Premios Arte Joven CyL en la categoría de Artes Escénicas (2019 y 2021) y Letras Jóvenes (2021). Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas.

Cris Celada – Creadora escénica

Nací y viví en Madrid donde llevé a cabo mis estudios universitarios en Pedagogía al tiempo que me formé en Arte dramático, movimiento escénico, clown y doblaje. En 2005 me mudé a Barcelona, donde desarrollé mi propia actividad teatral, combinando creaciones de corte más contemporáneo con espectáculos de cabaret y café teatro. Me interesa desdibujar las líneas que limitan lo que llamamos teatralidad y los elementos imprescindibles para el hecho teatral También trabajo alrededor de la idea de mezclar alta y baja cultura, pop y pensamiento, cabaret y lenguajes contemporáneos en escena. Y desbordar el escenario, sacar el teatro de la sala de teatro.

Irene Estrella – Gestora cultura y docente de semiótica y sociología de la publicidad

Gestora cultural, editora y profesora de semiótica, comunicación, sociología de la publicidad y nuevos medios en IED Madrid. Graduada en Literaturas Comparadas (UGR) y máster en Estudios artísticos, literarios y de la Cultura (UAM). Actualmente compagina la docencia en IED Madrid con la dirección del Festival de música Mujeres, Patrimonio celebrado en Sigüenza. Un proyecto propio que reivindica el papel de las mujeres en la música, uniendo voces monumentales y espacios patrimoniales. Su desarrollo profesional se sitúa en el cruce entre el diseño y las humanidades contemporáneas.

Abstract: Un diálogo que presenta las posibilidades de pensar en marcos futuribles desde perspectivas diversas y una mirada transversal. Una creadora escénica y una experta en semiótica y nuevos medios de comunicación generan una conversación a partir de una serie de referencias audiovisuales, propuestas sonoras, memes y objetos cotidianos que nos permiten especular acerca de un futuro para todas.

Think Young Lab: imágenes de una mujer fracasada

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Se celebra en el Salón de Actos de la Oficina de Turismo de la Acera de Recoletos.

La segunda edición de TYL propone reflexionar acerca de los conceptos de hipervínculo, liminalidad y apropiacionismo y la programación de #meetyou

En esta edición del ciclo Think Young Lab se proponen cinco encuentros en los que preguntarnos de manera colectiva por algunas de las preocupaciones contemporáneas a través de marcos conversacionales y acciones expandidas. En estas confluencias se dan cita creadoras escénicas y profesionales de diversas áreas con la idea de construir una mirada transversal entre la escena y otras disciplinas o áreas del conocimiento. Un hipervínculo vivo que genera sinergias con el programa escénico de esta edición. Una mirada a la liminalidad existente entre la escena y todo lo que queda fuera de ella. Una serie de acciones de apropiacionismo que ponen en evidencia la necesaria mirada hacia las demás para construir nuestro propio pensamiento.

Álvaro Caboalles – Comisario

Ponferrada, León (1994). Investigador, creador y comisario especializado en escena contemporánea. Doctorando del programa Estudios Artísticos, Literarios y de la Cultura  de la UAM y profesor colaborador en el IED Madrid dentro del departamento de Visual Arts. Gerente de MACOMAD, Coordinadora Madrileña de Salas Alternativas, donde desarrolla su trabajo como comisario y gestor cultural. Como reconocimiento a su trabajo ha sido beneficiario de las Ayudas a la Creación Joven de INJUVE ed. 2019 y 2020 en las categorías de Producción de Obra y Movilidad de Creadores; y los accésit de Premios Arte Joven CyL en la categoría de Artes Escénicas (2019 y 2021) y Letras Jóvenes (2021). Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas.

Lola Eiffel – Coreógrafa

Coreógrafa y bailarina. Su vida y su formación ha estado a caballo entre España y Francia. Académica de las Artes Escénicas de España. nº 671. Directora del Certamen Internacional de Danza Contemporánea de Valladolid. Directora y coreógrafa de la compañía de Danza, Lola Eiffel Company. Directora y coreógrafa de la Compañía de Danza Teatro Amateur Lola Eiffel. Ex directora adjunta del Junior Ballet Europeo , EBB France. Imparte cursos de formación para el profesorado y cursos de integración o concienciación social a través de la danza. Su activismo feminista, social y político hace que esté muy comprometida con la sociedad de hoy en día.

Lara Herrero – Sexóloga y socióloga

Sexóloga y Socióloga. Cantante y compositora, artísticamente conocida como Larah Fémina. Ha publicado 3 discos de larga duración, un maxi y 3 maquetas, donde mezcla diferentes estilos en torno al Hip-Hop, la electrónica y el nu-soul. Coautora del libro “Comisuras” de poesía erótica ilustrada desde una visión feminista. Pertenece al Prostíbulo Poético (Happening poético-Cabaret Literario). Coautora de la guía sobre sexualidad para jóvenes “Despeja tus dudas”. “Premio Meninas 2020” de la Delegación del Gobierno de Castilla y León por su labor en la prevención contra la violencia y el empoderamiento de la mujer. Forma parte de la asociación Dialogasex en Valladolid.

Laura Tabarés – Artista visual, investigadora y creadora de memes

Su interés gravita en torno a la digitalidad como medio para acceder a otros planos de la realidad: desvelar cómo operan las violencias y especular otras posibilidades políticas. Sus acercamientos se generan desde el folclore de internet, la fantasía y la sensibilidad del trauma, atravesando ciertos temas desde el humor, lo confesional y otras sensorialidades. Actualmente continúa un proyecto de fábulas audiovisuales sobre las violencias machistas después de internet, es co-madre del colectivo de producción cultural Ontologías Feministas, y co-coordinadora del espacio de investigación, creación artística y producción cultural  Leira (Lugo).

Abstract: Este diálogo reúne a tres creadoras de diversos campos con un posicionamiento feminista. Desde su realidad se propone una discusión de conceptos ligados al imaginario social de su realidad. Cuestiones como la maternidad, el canon corporal, la representación de los cuerpos, el paso del tiempo o la vejez han sido cuestionadas por el sistema heteropatriarcal y el feminismo genera una posibilidad para el cambio.

Los Informalls Workshop: «Saca tu monstruo y dale una paliza»

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Plazas limitadas.

Inscripciones a partir del 9 de febrero a través del correo meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto TALLER LOS INFORMALLS, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

«Saca tu monstruo y dale una paliza»

Nuestros talleres son un lugar de experimentación en el que compartimos nuestra manera de crear y entrenar como bailarines, performers y artistas en el que generamos un espacio libre de juicio y capaz de impulsar a los asistentes a actuar sin filtros, habitando un espacio donde trabajar el imaginario y explorar los límites de la estupidez como fuente inagotable de inspiración. Toda la práctica gira en torno al cuerpo y su fisicalidad, un juego continuo, donde el objetivo es desorientar a los participantes y practicar diferentes maneras de ser, estar y moverse “haciendo lo que no sabes como si supieras hacerlo”. El entrenamiento se engloba por completo en el marco de la improvisación y toca disciplinas que van desde la danza contemporánea y la acrobacia hasta la música, el canto o el teatro. Un espacio y un tiempo compartido para volvernos locas, sudar y ponernos a prueba. El material compartido es producto de la investigación personal de la compañía durante sus creaciones convirtiendo en ejercicios y dinámicas cada una de las escenas creadas adaptadas a diferentes grupos y niveles. Un material igual de fresco que de caótico ¿Te atreves a probarlo?

Taller Teatro de objetos

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28 abril: 16 a 20h

29 abril: 11 a 15h

Plazas limitadas.

Inscripciones a partir del 9 de febrero a través del correo meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto TALLER TEATRO DE OBJETOS, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

Dirigido a profesionales del sector, teatro, educación, etc…

En este taller abordaremos los principios básicos del teatro de objetos.

El hilo conductor será «el diálogo con el material».

Cualquier objeto, con su forma, sus colores, sus texturas, su composición, tiene un alma escondida, un alma del que pueden surgir personajes, imágenes, historias.

El diálogo con el material nos permitirá descubrir las posibilidades y las limitaciones del objeto, nos dará las pautas para interpretar con él, para hacerlo sujeto de acciones y pasiones, para ponerlo en situación dramática, para darle vida teatral, para comunicar sentimientos y emociones. Moverlo, animarlo, brindarle un universo tangible donde pueda comunicar, trascender.

Pablo Vergne llega a España en 1987 con 50 pesetas en los bolsillos y una maleta llena de títeres y cuentos. Va de pueblo en pueblo actuando y pasando la gorra en plazas, parques y paseos. Finalmente recala en Madrid donde todos los domingos, durante más de 10 años, levanta su teatrillo en el Parque de El Retiro para que la Rana Juana y la Gallina Serafina hagan las delicias del público infantil. Junto a estas actuaciones callejeras comienza a crear espectáculos de interior como «Caleidoscopio» o «Aventuras de Don Quijote». En 1999 estrena “El Gato Manchado y la Golondrina Sinhá”, una obra con la que gana numerosos premios y que marca el inicio de una nueva etapa caracterizada por la creciente presencia de sus espectáculos en prestigiosos festivales nacionales e internacionales. Entre estos se destacan “Animales” (2003), “El sueño de una noche de verano” (2004), “El elefantito” (2005), “Africa en Cuento” (2007), “Pinocho y medio” (2011), , “Cenicienta y las zapatillas de cristal” (2012), “El gallo de las veletas” (2013), “Giuseppe y Peppina” (2015), “Aventuras de Don Quijote” (2016), “Alicia” (2017), “Historia de un calcetín” (2018), “Blancanieves” (2019) y “Orfeo y Euridice” (2020).
Sus espectáculos se destacan por la sencillez y claridad con que logran acercarse a la psicología infantil, captando con humor y delicadeza la manera en que los niños ven y sienten el mundo que los rodea.
«Cuando me comentan que un niño, a la noche, al irse a dormir, ha seguido hablando con sus padres de uno de mis espectáculos que ha visto esa misma mañana, siento una profunda alegría y una profunda gratitud hacia la vida por haberme dado el don de ser titiritero». (Pablo Vergne).
Otra de las particularidades de sus montajes es el empleo de objetos y materiales reciclados que se transforman en personajes inolvidables. Para este creador un objeto puede contener una historia oculta, hay que saber escuchar y sentir para que esa historia emerja con todo su poesía.
En todas sus obras queda la impronta de su sello personal, donde lo que importa no es lo espectacular sino conmover a niños y mayores con medios sencillos y artesanales donde se ponga de relieve una estudiada y cuidadosa dramaturgia.
En definitiva, tanto en su creación como en su puesta en escena, cada espectáculo de Pablo Vergne es un viaje, un viaje que nos habla de aprendizajes, de sueños, de recuerdos, de vida y de esperanza. Un viaje mágico donde el público se emociona, se ríe, disfruta, aprende y se conmueve soñando con los ojos abiertos.

TRAYECTORIA:
“EL GATO MANCHADO Y LA GOLONDRINA SINHÁ” (1999) de El Retablo. Creación, interpretación y dirección
“ANIMALES”(2003) de El Retablo. Creación, interpretación y dirección
“SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO” (2004) de El Retablo. Creación, interpretación y dirección
“EL ELEFANTITO” (2005) de la Canica. Dirección y creación
“YACI Y LA MUÑECA DE MAÍZ” (2007) de la Canica. Dirección del espectáculo y creación del texto dramático.
“VALDEMULLER” (2007/2008) Producción del Centro Dramático Gallego. Dirección del espectáculo y adaptación.
“ÁFRICA EN CUENTO” (2008) de El Retablo. Creación, interpretación y dirección
«CARMELA TODA LA VIDA» (2009) de El Retablo. Creación, interpretación y dirección
“BUBÚ” (2010) de la Canica. Creación y dirección del espectáculo.
«PINOCHO Y MEDIO» (2011) de El Retablo. Creación, interpretación y dirección
«CENICIENTA Y LAS ZAPATILLAS DE CRISTAL” (2012) Luna Teatro. Creación y dirección del espectáculo
«EL GALLO DE LAS VELETAS» (2014) La Canica Teatro. Creación, dramaturgia y dirección
“GIUSEPPE Y PEPPINA” (2015) de El Retablo. Dramaturgia y Dirección
“AVENTURAS DE DON QUIJOTE” (2016) de El Retablo. Dirección e interpretación
“ALICIA” (2017) de Luna Teatro Danza. Dirección y dramaturgia.
“HISTORIA DE UN CALCETÍN” (2018) de La Canica. Dirección y dramaturgia.
“BLANCANIEVES” (2019) de Luna Teatro Danza. Dirección y dramaturgia.
“ORFEO Y EURIDICE” (2020) de La Canica. Dirección y dramaturgia.
“LA NIÑA QUE RIEGA LA ALBAHACA” (2020) Video creación para el CDN.
“¿DONDE ESTÁS TON?” (2020) Video creación de Pablo Vergne para la AECID.
“KALEK, HISTORIA DE UN CABALLO” (2020) de El Retablo. Dramaturgia y Dirección
“CHINCHULINA Y EL RUISEÑOR DE LA CHINA” (2021) de La Canica. Dirección y dramaturgia.
“MERMELHADA” (2022) de El Retablo. Dirección y dramaturgia.

PREMIOS:
POR “EL GATO MANCHADO Y LA GOLONDRINA SINHÁ”
MEJOR ESPECTÁCULO. FETÉN 2000.
MEJOR DIRECCIÓN: PABLO VERGNE. FETÉN 2000.
MEJOR ESPECTÁCULO. FESTIVAL TEATRALIA. 2000.
MEJOR INTERPRETACIÓN Y PREMIO DEL PÚBLICO. FERIA DE TITELLES. LÉRIDA.2000
MEJOR PROPUESTA ESTÉTICA. FESTIVAL DE TÍTERES DE VAL DE ALBAIDA.2000
MEJOR ESPECTÁCULO. FESTIVAL INTERNACIONAL DE BONECOS. BELO HORIZONTE. BRASIL.2002

POR “ANIMALES”
MEJOR ESPECTÁCULO. INTERNATIONAL PUPPET THEATRE FESTIVAL. ZAGREB. CROACIA. 2003.
MEJOR ESPECTÁCULO. FESTIVAL INT TÍTERES TOLOSA 2002
MEJOR ESPECTÁCULO DE ANIMACIÓN. MOSTRA RIBADAVIA 2004
«MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO». FETÉN 2003
PREMIO A LA ANIMACIÓN DE TÍTERES Y OBJETOS. INTERNATIONAL PUPPET THEATRE FESTIVAL. ZAGREB 2003
MEJOR ESPECTÁCULO DE PEQUEÑO FORMATO. FESTIVAL INTERNACIONAL DE TÍTERES DE BUCAREST. RUMANIA. 2006

POR «EL ELEFANTITO»
“MEJOR ESPECTÁCULO DE TÍTERES” FETEN 2006
“ARA LLEIDA ARA TITELLES. FERIA DE TÍTERES DE LLEIDA 2007
“MENCIÓN ESPECIAL DE LA ASOCIACIÓN DE ESPECTADORES”. FERIA DE TÍTERES DE LLEIDA 2007
MEJOR ESPECTÁCULO. PREMIO “IMAGINA 2007″ NERJA
POR «AFRICA EN CUENTO»
«MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO». FETÉN 2007

POR «PINOCHO Y MEDIO»
PREMIO DRAC D’OR A LA MEJOR DRAMATÚRGIA.22A FIRA DE TEATRE DE TITELLES DE LLEIDA (2011)
POR “CENICIENTA Y LAS ZAPATILLAS DE CRISTAL”
MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO. FETÉN 2012

POR «EL GALLO DE LAS VELETAS»
MEJOR ESPECTÁCULO. FETÉN 2013
MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA. FETÉN 2013
MEJOR ESPECTÁCULO. TITEREMUCIA 2013
MEJOR ESPECTÁCULO. FESTIVAL DE VAL DE ALAIDA 2013
MEJOR DRAMATURGIA. FIRA DE LLEIDA 2013
POR “LA SIRENITA”
MEJOR ESPECTÁCULO de Títeres. FETÉN 2016

POR “AVENTURAS DE DON QUIJOTE”
PREMIO MEJOR ESPECTÁCULO BARROCO INFANTIL FESTIVAL DE TEATRO CLÁSICO DE ALMAGRO. 2018
POR “ORFEO Y EURÍDICE”
PREMIO MEJOR PROPUESTA DE UN CLÁSICO. FETÉN 2020
POR “MERMELHADA”
RECOMENDADO POR LA RED NACIONAL DE TEATROS 2023

 

діти. Crime without punishment

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ESTRENO ABSOLUTO

Del 9 al 19 de marzo.

Horarios Espacio Seminci. Video-instalación de 20 min duración.

Miércoles a viernes: 17 a 20h.

Sábado: 11 a 14h y 17 a 20h

Domingo: 11 a 14h

Pantalla Led del Teatro Calderón (todo el día) y Espacio Joven Norte (horarios de Espacio Joven). Animación 3D – 30 seg duración.

Website del Teatro Calderón on line: “Street Cemeteries” (Cementerios Callejeros).

La artista polaca Magda Szpecht visita por primera vez nuestro país para presentar “діти. crime without punishment” (NIÑOS. crimen sin castigo), una propuesta instalativa audiovisual acompañada de una serie de acciones sobre la invasión rusa en Ucrania que hace alusión en su título a la famosa novela de Dostoyevski: “Crimen y castigo”

Imágenes de archivo del bombardeo del Teatro Mariupol, propaganda rusa, ruinas ocultas tras un decorado, videos virales de TikTok de soldados en el frente, artistas de teatro ucranianos que se van después de cada función a combatir o entrevistas de amigos ucranianos de la artista de cómo ven el futuro de su país cuando la guerra finalice serán, entre otros muchos ejemplos, el documento audiovisual creado por la artista para denunciar cómo el ejército ruso está destruyendo la cultura ucraniana en un país no muy lejano al nuestro.

Mientras, iremos descubriendo en diferentes localizaciones de la ciudad intervenciones ideadas por Szpecht. Estas serán también un emotivo homenaje y recuerdo a un pueblo que está resistiendo ante una confrontación tan cruel.

Magda Szpecht, nacida en 1990 Jelenia Góra (Polonia), es una galardonada directora de teatro y ópera, autora de numerosas instalaciones y performances en Polonia y Japón (en colaboración con el Festival de Tokio). Formada en dirección de escena en la Escuela Estatal de Teatro Ludwik Solski en Cracovia, es también licenciada en Periodismo y Comunicación Social con especialización en Escritura Creativa en la Universidad de Wrocław.

Sus creaciones escénicas se basan en el teatro-post dramático. Con un discurso político intenso e íntimo, equilibrado entre el humor negro, una experiencia emocional sincera y un mundo surrealista y abstracto. Szpecht a menudo explora perspectivas no humanas y formas no evidentes de describir la realidad. Es sus trabajos combina elementos del movimiento, el cine, los archivos documentales, las artes visuales y la música contemporánea.

Sus representaciones tienen lugar en un espacio que conecta al público con los intérpretes, colaborando con muchos artistas de otros campos artísticos para huir del teatro dramático tradicional.

Cuando comenzó la guerra en Ucrania el 24 de febrero de 2022, decidió convertirse en Cyber Elf y dedicarse a apoyar al pueblo ucraniano con la intención de luchar contra la desinformación, las noticias falsas y la propaganda rusa. Como resultado, Magda creó la performance Cyber Elf, una conferencia sobre su ciberactivismo frente a la guerra.

Agradecimientos a Accem, Fundación Cepaim, La Nave Senior, La Nave Junior, Lola Eiffel, Amaya Goñi, Bruno Ruiz y especialmente a todas las personas ucranianas que han colaborado contando su experiencia.

Beat Workshop

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Plazas limitadas.

Inscripciones a partir del 9 de febrero a través del correo meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto BEAT WORKSHOP, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

El taller propuesto por las creadoras e intérpretes Roberta Racis y Silvia Sisto se desarrolla a partir de ciertos principios y consignas que han guiado el proceso creativo de Beat Forward.

Cómo nos identificamos, cómo nos reconocemos en los demás y ¿cómo somos capaces de proyectar múltiples imágenes de nosotros mismos? ¿Cómo es el cuerpo capaz de reinventarse en la relación entre intérprete y público? ¿De qué manera los rasgos autobiográficos y estratificación de los gestos nos hablan de la continua transformación del cuerpo y de su constante búsqueda de comunicación?

A través de ejercicios y secuencias cortas de movimiento, investigaremos la dinámica entre espacio y presencia, guiando a los participantes para que encuentren movimientos espontáneos y experimenten su capacidad instintiva capacidad instintiva y su capacidad imaginativa en la búsqueda del movimiento y en la construcción de un archivo de gestos.

Roberta Racis es una bailarina y creadora de danza sarda afincada en Roma. Completó su formación como bailarina en la escuela Balletto di Toscana dirigida por Cristina Bozzolini. por Cristina Bozzolini. En Lisboa, trabajó en la CPBC (Companhia Portuguesa de Bailado Contemporáneo) bajo la dirección de Vasco Wallenkamp para la producción “Fado” en coproducción con Internationaal Danstheater Holland. A Bruselas colaboró con varios coreógrafos como Natalia Vallebona, Amanda Xuehai, Yassine Payne. De 2015 a 2018 formó parte de la compañía italiana Balletto de Roma bailando en producciones de numerosos coreógrafos como Alessandro Sciarroni, Chris Haring (Liquid Loft), Itamar Serussi Sahar, Paolo Mangiola, Francesca Pennini, Giorgia Nardin.  Desde 2017 es una de las cinco creadoras de danza del proyecto europeo Performing Gender promovido por Yorkshire Dance Leeds, Ciudad de las Mujeres en Liubliana, Paso a 2 Certamen Coreográfico en Madrid, Theaterfestival Boulevard ‘s Hertogenbosch, CSC Bassano del Grappa y Gender Festival Bender. Desde 2018 colabora con Alessandro Sciarroni para el proyecto Augusto y para el proyecto de la versión de Turning Orlando. Desde 2018 colabora con el coreógrafo Masako Matsushita. Desde 2019 colabora con el coreógrafo Francesco Marilungo. Desde 2019 se encuentra entre las fundadoras, autoras e intérpretes del colectivo Mine, cuya primera pieza «Esercizi per un manifesto poetico» gana el premio DNAppunti coreografici 2019 y fue sellecionada para Aerowaves 2022 y NID Platform 22.

Desde el año 2020 colabora con el coreógrafo Enzo Cosimi. Desde 2020 forma parte del Proyecto europeo en red Danza&Dramaturgy a para el Teatro Sevelin 36 de Lausana, La Bellone Bruselas, Bora Bora Aarhus y CSC Bassano del Grappa. Desde 2022 colabora con el dúo Igor x Moreno. En 2022 formó parte como artista de danza del Crisol Creative Processes colabora con Dance Nucleus Festival en Singapur y con Stella&Artists / Macau CDE Springboard Macao.

Silvia Sisto

Bailarina independiente italiana afincada en Bari (Italia). Completó su formación en el Balletto di Toscana, uniéndose a la compañía de ballet Junior Balletto di Toscana. De 2014 a 2016 ha formado parte de la compañía de danza italiana Balletto Teatro di Turín y bailó en varias producciones de Itzik Galili, Marco De Alteriis y Antonello Tudisco. De 2016 a 2017 ha formado parte de la compañía de danza italiana Balletto di Roma, bajo la dirección ar a de Roberto Casarotto.  Desde 2015 ha iniciado su colaboración con Stefano Poda, bailando en varias producciones. También colabora con otras empresas y artistas, como Riccardo Buscarini, Compañía de danza Equilibrio Dinámico, Igor&Moreno, Teoma Naccarato y John MacCallum. Participó en el proyecto europeo «Dancing Museums: The Democracy of beings» como bailarina. fabricante en septiembre de 2021 en Arte Sella. Participó en dos ediciones de Experimental Film Virginia, en 2018 y 2022. Desde 2019 es cofundadora, bailarina y coreógrafa de Collettivo MINE.

Necesidades: ropa cómoda y zapato de deporte.

Dramaturgia para una conferencia: Mercedes Peón

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ESTRENO ABSOLUTO

Dramaturgia para una conferencia es un proyecto ideado por Matías Umpierrez a través de Plataforma Fluorescente, en una coproducción de Meetyou Valladolid/Teatro Calderón de Valladolid.

Dramaturgia para una conferencia es un proyecto curatorial, y un marco conceptual, que se desplaza cambiando de locaciones y propiciando la colaboración entre creadorxs de diferentes realidades y geografías, al igual que otros proyectos del artista y curador Matías Umpierrez. Han participado de este proyecto el filósofo y activista Paul B. Preciado, el arquitecto activista Eyal Weizman,  la directora escénica y activista Einat Weizman como así también artistas y performers de distintas disciplinas y países como Argentina, India, Islandia, Sudáfrica y Canadá.

El trabajo del artista Matías Umpierrez indaga sobre la relación que existe entre el espectador y la ficción en nuestros días. A partir de ello, sus proyectos se ubican en una frontera que sucede entre las artes visuales, el teatro y proyectos curatoriales generando una dialéctica entre el memoria-olvido-público-escena-discurso-territorio. Por esta razón sus piezas dialogan en términos globales cambiando de lugares, lenguas, dispositivos y disciplinas. Sus proyectos fueron presentados espacios no convencionales como edificios abandonados, estaciones de tren, fábricas de alimentos, bosques, teatros, cines y museos. Algunos de sus últimos proyectos son: Museo de la Ficción I. IMPERIO (Video instalación), TeatroSOLO-LONEtheater (performance site-specific), Distancia (pieza virtual para teatro), dramaHOME (performance site-specific), Los Bosques (Video instalación), Construcciones (Video instalación), Paisaje (video arte), entre otros. Su como artista siempre mantiene consonancia con su labor como comisario/curador activando diálogos, creando entramados y comunidades locales-regionales-globales. Ha fundado el Festival Internacional de Dramaturgia y la Plataforma Fluorescente, un dispositivo transdisciplinar que promueve la colaboración entre artistas e instituciones de distintas geografías. Como resultado de los proyectos curatoriales, que ha creado para diferentes instituciones, sucedieron más de 120 comisiones originales.

Pedro G. Romero (Aracena, 1964) opera como artista desde 1985. Funciona también como curador y comisario de exposiciones. Fue parte de UNIA arteypensamiento y miembro de la PRPC (Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales) en Sevilla. Forma equipo de la pie.fmc (Plataforma Independiente de Estudios Flamencos Modernos y Contemporáneos). Participante en Documenta14 Atenas/Kassel y residente en la Academia de España en Roma. Colaborador habitual de la Sociedad flamenca El Dorado de Barcelona. Dirige la colección “Flamenco y cultura popular” en editorial Athenaica.Trabaja también con bailaores, cantaores y guitarristas flamencos (Israel Galván, Rocío Márquez, Tomás de Perrate, Niño de Elche, Alfredo Lagos, etc.) En 2020 dirigió con Gonzalo García Pelayo la película Nueve Sevillas. Ha sido curador y comisario de exposiciones de grandes ciclos expositivos como «Tratado de Paz» para Donostia/san Sebastián 2016 o «Aplicación Murillo» para el ICAS de Sevilla. También de exposiciones de tésis como «Vivir en Sevilla», «La noche española» (con Patricía Molins) o «Máquinas de vivir» (con María García) y monograficas sobre  «Ocaña, 1972-1962» o «Helios Gómez. Días de Ira» . El MNCARS ha realizado una revisión de su trabajo como artista y comisario bajo el título Máquinas de trovar.

Sobre la conferencia -performance

Hay un no-mundo donde la creación es colectiva, donde aquello que llamamos arte emerge de la gente, del encuentro, del ser en comunidad. En ese no-mundo se generan trances colectivos que son presencia absoluta y momento rotundo. Sin teatros, sin escenarios, sin público. Desaparecer es una propuesta escénica que explora la tensión entre esos dos paradigmas.

Sobre Mercedes Peón

Compositora, vocalista e instrumentista de autoestima cultural.

A los 13 años escuchó cantar y tocar a las mujeres contemporáneas de las aldeas.

Comenzó una intensa recopilación durante 25 años, y sobre todo, una deconstrución de sus creencias. Su discografía incluye las producciones Isúe.(2000), Ajrú (2004), Sihá, (2007), SÓS (2011), Deixaas (2018). Estrenó las piezas escénicas «Osmose” pieza-ensayo híbrida de audiovisual y performance, que articula un relato crítico sobre los efectos del capitalismo en nuestras vidas. Ha compuesto bandas sonoras, como Nación de Margarita Ledo Andión y El cuerpo abierto de Ángeles Huerta, entre otras; y realizado colaboraciones en danza contemporánea como Mercedes mais eu con Janet Novás.

Obtuvo los premios Nacional de Música, Premio MacCallan, Artista del año por Folkworld, Songlines top of the world, entre otros. Entre sus actuaciones destacadas se encuentran The Elebash Hall at the Graduate Center at CUNY in NY City, el SZIGHET de Budapest, El Grec 2022.

Dramaturgia para una conferencia: Niño de Elche

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ESTRENO ABSOLUTO

Dramaturgia para una conferencia es un proyecto ideado por Matías Umpierrez a través de Plataforma Fluorescente, en una coproducción de Meetyou Valladolid/Teatro Calderón de Valladolid.

Dramaturgia para una conferencia es un proyecto curatorial, y un marco conceptual, que se desplaza cambiando de locaciones y propiciando la colaboración entre creadorxs de diferentes realidades y geografías, al igual que otros proyectos del artista y curador Matías Umpierrez. Han participado de este proyecto el filósofo y activista Paul B. Preciado, el arquitecto activista Eyal Weizman, la directora escénica y activista Einat Weizman como así también artistas y performers de distintas disciplinas y países como Argentina, India, Islandia, Sudáfrica y Canadá.

El trabajo del artista Matías Umpierrez indaga sobre la relación que existe entre el espectador y la ficción en nuestros días. A partir de ello, sus proyectos se ubican en una frontera que sucede entre las artes visuales, el teatro y proyectos curatoriales generando una dialéctica entre memoria- olvido-público-escena-discurso-territorio. Por esta razón sus piezas dialogan en términos globales cambiando de lugares, lenguas, dispositivos y disciplinas. Sus proyectos fueron presentados en espacios no convencionales como edificios abandonados, estaciones de tren, fábricas de alimentos, bosques, teatros, cines y museos. Algunos de sus últimos proyectos son: Museo de la Ficción I. IMPERIO (Video instalación), TeatroSOLO-LONEtheater (performance site-specific), Distancia (pieza virtual para teatro), dramaHOME (performance site-specific), Los Bosques (Video instalación), Construcciones (Video instalación), Paisaje (cortometraje), entre otros. Como artista siempre mantiene consonancia con su labor como comisario/curador activando diálogos, creando entramados y comunidades locales-regionales-globales. Ha fundado el Festival Internacional de Dramaturgia y la Plataforma Fluorescente, un dispositivo transdisciplinar que promueve la colaboración entre artistas e instituciones de distintas geografías. Como resultado de los proyectos curatoriales, que ha creado para diferentes instituciones, sucedieron más de 120 comisiones originales.

Pedro G. Romero (Aracena, 1964) opera como artista desde 1985. Funciona también como curador y comisario de exposiciones. Fue parte de UNIA arteypensamiento y miembro de la PRPC (Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales) en Sevilla. Forma equipo de la pie.fmc (Plataforma Independiente de Estudios Flamencos Modernos y Contemporáneos). Participante en Documenta14 Atenas/Kassel y residente en la Academia de España en Roma. Colaborador habitual de la Sociedad flamenca El Dorado de Barcelona. Dirige la colección Flamenco y cultura popula» en editorial Athenaica. Trabaja también con bailaores, cantaores y guitarristas flamencos (Israel Galván, Rocío Márquez, Tomás de Perrate, Niño de Elche, Alfredo Lagos, etc.) En 2020 dirigió con Gonzalo García Pelayo la película Nueve Sevillas. Ha sido curador y comisario de exposiciones de grandes ciclos expositivos como Tratado de Paz para Donostia/san Sebastián 2016 o Aplicación Murillo para el ICAS de Sevilla. También de exposiciones de tésis como Vivir en Sevilla, La noche española (con Patricia Molins) o Máquinas de vivir (con María García) y monográficas sobre Ocaña, 1972-1962 o Helios Gómez. Días de Ira. El MNCARS ha realizado una revisión de su trabajo como artista y comisario bajo el título Máquinas de trovar.

Sobre la conferencia-performance:

El cante a lo gitano de hoy se compone de los cantes agitanados y anacrónicos de Manuel Torre, galgos y gallos de pelea ingleses, la España negra de Darío de Regoyos y José Gutierrez-Solana, el gitanito tóxico y esquizofrénico madrileño de David Pielfort, el paisaje de un perro ahorcado de Pedro G.Romero, el toque gitano del guitarrista alicantino Yerai Cortés, el zapateado y el golpear de nudillos de hombre en las figuras de Alonso Berruguete y Juan de Juni de Vicente Escudero, las castañuelas de Lucero Tena, un cuartito o una checa donde se cantan tientos o pop, la batería de Eric Jiménez que sangra como el cuerpo erótico de un Cristo de madera, un ojo partido, una saeta gratuita gracias a Dios, lo galaico, una asturianada, Dieguito de Morón y su anarquía atonal, fandangos del levante, el terror de la muerte y su sonar de trompetas, una gaita que chilla una pérdida, la soleá de Juan Rodríguez Cervilla, un fandango del Gloria y de Angélica Liddell, un ex flamenco, unas campanillas que anuncian a las ánimas, palmas con cantes de Jerez, Cádiz y Navarra, la vida como un video juego, los cantaores como Marca España, un cajón peruano, una grabación de archivo, el teatro, la violencia del cante jondo, Israel Galván y sus máquinas de bailar, un metrónomo, Valladolid y Valladolor, el arañazo en la guitarra de Raül Refree, dos “puñalás” por desamor, alguna palabra en valenciano, la petenera de Ocaña, un rapero jaleando, Tomás de Perrate y su sonar oscuro, el siempre poema de Federico García Lorca, los crujidos de Marco Serrato, algunos zombies, una copa de vino, un ordenador, dos rayas de cocaína mala, el éxtasis misterioso de lo prohibido, Youtube, Xvideos, un sombrero de ala ancha, el cantiñeo de cualquier copla popular, ningún conferenciante y tres maricas.

Sobre Niño de Elche:

Francisco Contreras, Niño de Elche, es un artista indisciplinar y exflamenco que ha sabido aunar en sus diferentes propuestas artísticas géneros como el flamenco, la libre improvisación, el krautrock o las músicas electrónicas, electroacústicas o contemporáneas junto con la poesía, la performance, la danza o el teatro.

Además de sus 13 trabajos discográficos cuenta con cuatro libros publicados. Ha colaborado con artistas como Angélica Liddell,  Rosalía, Ernesto Artillo, María Muñoz, Rocío Molina, Raül Refree o C. Tangana, entre otros. Fue uno de los artistas españoles invitados en Documenta 14 bajo la propuesta “La farsa monea” junto a los artistas Pedro G. Romero e Israel Galván. Protagonizó la película “Niños somos todos” del director Sergi y los cineastas Marc Sempere y Leire Apellániz realizaron «Canto cósmico» película a partir de su vida y obra. Para la Colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía desarrolló la obra “Auto Sacramental Invisible, una representación sonora a partir de Val del Omar”.

Un cuerpo (posible) y lesbiano

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Todo es hetero. Recitar es hetero. Subir a un escenario es hetero. Escribir es hetero.

¿Cómo se construye una existencia que no responda a los parámetros de la única forma de existencia, que no se reduzca a ser su excepción, su contrario?

El cuerpo lesbiano no es el cuerpo de mujer que folla con otras mujeres. Eso también sería un cuerpo hetero. El cuerpo lesbiano es el cuerpo inútil para el sistema, el cuerpo no cosificable, no aprovechable, el cuerpo imposible.

En 1973, Monique Wittig publica El cuerpo lesbiano, obra nacida de la necesidad, dice, de escribir un libro totalmente lesbiano en su temática, vocabulario y textura. Lesbiano en el sentido de inabarcable e inexplicable, en el sentido de forma que no es como cualquier otra forma, y que no es reducible a una rareza, a una pulsión sexual descolocada, a una anécdota, a una sigla, a una condición. El cuerpo lesbiano de la Wittig es el cuerpo afortunadamente inaceptable, aquel que el sistema no puede tragar, no puede neutralizar, no puede normalizar. Es el cuerpo en fuga, fugado.

Alba Corral y Brigitte Vasallo proponen una intervención escénica sobre la textura de la rareza. A partir de los textos de Wittig, atravesados e intervenidos por Vasallo, y llevados a la metáfora lumínica por Corral, proponen un viaje a través del cuerpo lesbiano y de la pregunta sobre si un cuerpo lesbiano es, en el fondo, un cuerpo posible.

We are (t)here

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WE ARE (T)HERE condensa una investigación escénica, coreográfica y dramatúrgica sobre la voz humana, que se convierte en el instrumento con el que intérpretes y espectadores descubren el espacio físico y las relaciones humanas. Cuatro intérpretes se mueven, se relacionan y cantan con la conciencia de ser un alta-voz, creando una partitura vocal improvisada y única en cada representación. Su voz resuena en el espacio y en el cuerpo mismo del espectador, permitiendo que emerjan multitud de imágenes poéticas que reflexionan sobre la complejidad de las relaciones humanas y los mecanismos de construcción de una identidad colectiva.

Aurora Bauzà & Pere Jou son dos compositores que trabajan
con el cuerpo. El objeto central de su investigación es la voz humana
y su relación con el cuerpo y el movimiento. Creen que la música
no es solo un fenómeno sonoro, sino también físico, visual y móvil.
Consideran el movimiento y el espacio como agentes centrales de
sus composiciones. Conceptualmente les apasiona la dinámica de
creación de significado social especialmente aquellos involucrados
en la construcción de identidad tanto individual como colectiva.

Apoyos: Festival TNT Terrassa, Graner Centre de Creació, L’Estruch de Sabadell, Institut d’Estudis Baleàrics, Generalitat de Catalunya