Público: Joven

Baiuca

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Proyecto pionero en fusionar la música tradicional gallega con electrónica de vanguardia, Baiuca se convirtió en un fenómeno cultural y musical prácticamente desde sus inicios. Con dos álbumes largos publicados (los icónicos Solpor y Embruxo»), dos EPs (Misturas y Paisaxes), dos splits (Adélia, junto a las portuguesas Haema; y Diamanre / La Nana, junto a Alba Reche), el productor y artista gallego Alejandro Guillán consiguió instalar una nueva idea de mestizaje musical que se ha convertido en referente no sólo dentro del estado sino también fuera de nuestras fronteras.

En tan solo un lustro de carrera ha girado por países como México, Colombia, Ecuador, Marruecos, Sudán, Portugal, Países Bajos, Italia, Reino Unido, Francia o Suiza, por mencionar sólo algunos de los territorios donde pasó con uno de los directos más rompedores del circuito. Y es que el formato de banda en directo de Baiuca no sólo tiene al propio productor gallego en el centro de la ecuación tocando diferentes instrumentos tradicionales gallegos y, a la vez, operar con sus sintetizadores y programaciones; sino que lo acompañan algunos de los músicos más prestigiosos de la música tradicional estatal.
Tanto en las percusiones tradicionales con Xosé Lois Romero como con las cantareiras-pandereteiras Alejandra y Andrea Montero (miembros de grupos célebres del folk gallego como Lilaina o Aliboria), el directo se completa con las visuales que realiza en directo el cineasta experimental Adrián Canoura, encargado de prácticamente todo el imaginario estético de Baiuca.

Tras girar prácticamente sin parar durante todos estos años, colaborar con artistas de la talla de Carlos Núñez, Rodrigo Cuevas, Carlangas, Chancha Vía Circuito, Nicola Cruz, El Búho, Timmy Trumpet, Barry Can’t Swim, Xoel López, Matías Aguayo o Balkan Taksim, por mencionar sólo a algunos; y llenar con semanas o meses de antelación las salas más importantes de todo el país; Baiuca se encerró a preparar un nuevo repertorio de cara al que será su tercer álbum, que verá la luz en 2024. Un disco que traerá consigo un nuevo show, que comenzará a presentar a partir de marzo, en donde se incluirá parte de ese nuevo repertorio y una reformulación estética y de repertorio en el show.

Jalando

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El hambre siempre ha despertado la imaginación y sin embargo, no siempre damos al acto de comer el espacio y la importancia que tiene. La urgencia, la rutina o la inconsciencia nos ha llevado a dejarlo en el plano de la necesidad básica (a veces, también un privilegio). Jalando es un instante de reunión alrededor de la hoguera donde contarnos las historias que nos configuran desde nuestras raíces para entender así nuestro presente. El chef Juan Mari Arzak dice que «hay que darle la vuelta a las cosas» y que «la tradición es un buen punto de partida». En esta primera pieza del proyecto Food Studies, gastronomía local y cultura popular se hibridan con los nuevos lenguajes escénicos en un banquete en el que lo más importante es poner el cuerpo en el plato y que el vino nos enseñe el arte de ver nuestra propia historia.

Jalando es una pieza del proyecto Food Studies con la colaboración del grupo de jotas Besana. En el germen de Food Studies están Olga Hernández y Eva Mir. Ambas han desarrollado sus trabajos en diferentes centros de creación y en diversos proyectos inmersivos, de mediación o residencias enfocadas a las nuevas dramaturgias. Olga ha colaborado, entre otros, con Teatro Abadía, Espai LaGranja o actualmente, como coordinadora de mediación, en Graners de Creació (Valencia). Eva ha trabajado en varias ocasiones para el Centro Dramático Nacional, el IVC o el Teatro Español, siempre con el enfoque puesto en la creación contemporánea nacional e internacional. A este dúo se une Isaac Rovira, diseñador de dispositivos escénicos multimedia e interactivos. Isaac investiga las diversas formas en que se pueden hibridar el arte, la ciencia y la tecnología. Ha participado en el proceso de creación de arquitecturas escénicas interactivas con diferentes colectivos artísticos y organizaciones como la Fundación Épica La Fura dels Baus, y ha formado parte del proceso de diseño de las instalaciones artísticas sostenibles del Bulli 1846 de Ferran Adrià. El diseño del menú, va a cargo de Fuera de Carta, en concreto, de uno de sus chefs, Laín Montes. Mediante la investigación, la experimentación y la creatividad logra diseñar platos basados en recetas tradicionales pero adaptados a nuevas técnicas de cocinado, sabores, ingredientes y emplatados.

Este espectáculo pertenece a las convocatorias de residencia artística ‘Horizontes’ del TEATRO CALDERÓN.

Concurso de malos talentos

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La compañía José y sus Hermanas (Los Bancos Regalan Sandwicheras y Chorizos, Arma de Construcción Masiva y Explore el Jardín de los Cárpatos) invita a todas las generaciones a imaginar con las herramientas del legado teatral unos futuros utópicos y mejores. Si has pensado en hacerte un onlyfans para pagar la carrera, éste es tu espectáculo. Si quieres descubrir por qué necesitamos un onlyfans para pagar la carrera, éste es tu espectáculo.

En una época en la que «todo es performance», José y sus Hermanas investiga maneras de imaginar otras formas de vivir con herramientas teatrales. Sus miembros Concurso de malos talentos José y sus Hermanas _Teatro reproducen escenas que ya han repetido antes, escenas recurrentes, una tras otra. Repiten lo mismo pero con cambios para encontrar otras posibilidades. Puro oficio. En el teatro y en la vida.

Las nuevas generaciones comienzan a mostrar los síntomas de un sistema de hiper-eficiencia: las relaciones entre el tiempo productivo y el de consumo no sólo han caducado, sino que también se re-significan a gran velocidad; y se manifiesta ese cambio de paradigma que se opone a las antiguas demandas impuestas. Hacen valer conceptos como perder el tiempo, vagar o habitar la incertidumbre. Esta propuesta tiernamente radical pretende olvidar activamente el éxito y las demandas de progreso dejando espacio a otras formas de hacer, de estar y de disfrutar. En el teatro y en la vida.

Una coproducción del Teatre Lliure y José y sus Hermanas

Con la ayuda de Festival Grec 2022 de Barcelona, Teatro Calderón de Valladolid, Ma Scène Nationale de Montbéliard, Teatros del Canal de Madrid e ICEC.

En colaboración con Fabra i Coats – Fàbrica de Creació, La Piconera, Festival Temporada Alta de Girona y Nau Ivanow.

Agradecimientos: Raul Bescos, Tanya Beyeler, Neus Casellas, Luciana Chieregati, Adrià Grau, Nuri Heras, Alexandra Laudo, Mainline Magic Orchestra, Carlos Manero, Enric Magoo i Sol Picó.

Contención Mecánica

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‘Contención mecánica’ es una obra de teatro documento que nace para denunciar la violencia psiquiátrica, poniendo el foco en una práctica que la ONU catalogó como tortura en 2013 y sigue siendo habitual en las plantas de psiquiatría de toda España: atar a las personas a la cama haciendo uso de correas. La obra hibrida aspectos testimoniales y performativos para servir de altavoz a un colectivo invisible para la mayoría: las personas psiquiatrizadas que han sufrido algún tipo de vulneración de derechos durante sus ingresos médicos. Una de estas personas es Rafael Carvajal, poeta, performer y activista «loco» que ha experimentado más de una decena de contenciones mecánicas y que se sube al escenario con Teatro de los Invisibles en este montaje.

Esta privación de libertad se ejerce normalmente de forma opaca y, en caso de secuelas graves o mortales, suele quedar impune. Tal vez el episodio más paradigmático sea el de Andreas Fernández González, fallecida en 2017, a los 26 años, en la unidad psiquiátrica del Hospital Central de Asturias, después de permanecer 75 horas atada a una cama. Le habían diagnosticado una enfermedad mental, pero tenía meningitis. Este desgraciado incidente es la punta del iceberg de una realidad denunciada en ‘Contención mecánica’. ¿Por qué se sigue realizando esta práctica? ¿Se escucha realmente a las pacientes o son anuladas sistemáticamente por su diagnóstico?

Teatro de los Invisibles es un colectivo artístico que lleva seis años trabajando el teatro documental y de denuncia social a través de testimonios en primera persona. La primera vez fue con ‘La liberación de la Locura’ (2017), obra sobre el estigma social de los diagnósticos de salud mental; la segunda, con ‘Anafha’ (2019), pieza estrenada en el Festival Surge Madrid que cuenta la historia real de una niña afgana refugiada; y la tercera, con ‘Contención mecánica’ (2022), presentada en el Teatro del Barrio, también dentro del marco de Surge Madrid, y seleccionada para su estreno absoluto en el Festival de Otoño 2023. Los tres proyectos comparten un mismo objetivo: que la realidad se filtre en escena para intentar transformarla.

Dive Into

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«Nuestro trabajo sucede en los bordes, los empuja, los desdibuja, los cuestiona».

Lolo & Sosaku investigan las posibilidades de la escultura como campo expandido. El nexo que une su trabajo es la búsqueda de un objeto en contacto con su entorno y con elespectador, un objeto que busca la fricción y la tensión, explorando la capacidad de crear nuevos significados.

Su obra se mueve entre diferentes lenguajes artísticos como la escultura, la instalación el arte cinético y la pintura, incorporando a menudo música y sonido. Su modus operandi es constituirse como sujeto y llegar desde su materialidad maquínica a la trascendencia, al misticismo y a lo desconocido.

La música electrónica es sin duda el punto culminante de su inspiración como lenguaje complejo traducido en instalaciones sonoras y composiciones escultóricas. Formas, líneas, materiales y sonidos se ensamblan en esculturas en movimiento que actúan tomando su propia voz en una impredecible transformación continua. Explorando muchos horizontes artísticos y redefiniendo fronteras, su interés es la energía y las fuerzas ocultas que guían la vida en nuestra era tecnológica.

El trabajo de Lolo & Sosaku se ha expuesto y representado, entre otros, en el Museo Reina Sofía (Madrid, España), MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Barcelona, España), Liceu de la Opera (Barcelona, España) PSA Power Station of Art (Shanghai, China),MIS Museu da Imagem e do Som (São Paulo, Brasil), Fundação Casa França Brasil (Riode Janeiro, Brasil), Sónar (Barcelona, España), Matadero (Madrid, España), Night Time Story, (Los Ángeles, California), Palacio de la Cultura (Iasi, Rumanía), Galería Luis Adelantado (Valencia, España) e Instituto Cervantes (Milán, Italia) MAH Museum art and history (Ginebra, Suiza), Galería Double Square, Taipei, Taiwán.

«Sumérgete en el reino fantasmagórico y mecánico de Lolo & Sosaku, el vanguardista dúo argentino-japonés que da forma al sonido. Desde 2004, crean fascinantes esculturas sonoras con instrumentos y artilugios de fabricación propia. La obra de Lolo & Sosaku puede describirse como monumental, un choque entre lo orgánico y lo inorgánico, lo real y lo surrealista. Emplean como lenguaje, conocimientos mecánicos básicos y tecnología, construyendo un mundo extraño e inexplicable. Conocidos por trascender los límites artísticos, la puesta en escena cinética de Lolo & Sosaku difumina las líneas entre la performance ruidosa y la escultura musical».

Vanja Kaludjercic

El Coro

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Un coro popular decide reescribir los cuatro movimientos que componen la 9ª Sinfonía de Beethoven. Una suerte de Corifeo que conoce las reglas del escenario les ayuda con la partitura y los movimientos escénicos. No quieren usar instrumentación, solo sus voces se harán cargo de la nueva partitura experimental. Durante los ensayos, el grupo habla sobre las tragedias, los temores y las problemáticas de la sociedad actual. No llegan a ninguna conclusión ¿Para qué sirve la tragedia? En realidad, lo que buscan es entender la cabeza y el cuerpo de Beethoven, la sordera implacable que le aislaba por completo del mundo, y su deseo de liberar a la humanidad de algo, tal vez de la tragedia.

Pocos años después del gran éxito de la 9ª llegó la muerte del compositor, y en sus últimos estertores dijo: Aplaudid amigos, la comedia se ha terminado.

La obra tratará de dar respuesta a las preguntas que genera la sociedad respecto a su funcionamiento actual, profundizando especialmente sobre las tragedias que nos acompañaron este Siglo XXI, en algunos casos provocadas por el deseo de una persona. ¿Cómo afectan al curso de nuestras vidas las tragedias colecticas? Estas inquietudes entorno a deseo y tragedia serán el motor para la investigación y la creación de la dramaturgia y la partitura musical.

El Coro ¿Para qué sirve la tragedia? Es un proyecto site specific que se desarrollará con Corales de diferentes ciudades de Europa durante el 2023 y el 2024.

Juan Navarro De Castro (Albacete, 1969)

Tras compaginar estudios de arte dramático y ciencias políticas en Madrid, en 1990 comienza a trabajar como actor y director con compañías imprescindibles del teatro contemporáneo europeo.

Ha trabajado con artistas y compañías como La Fura dels Baus, Anita Saikh, Einstürzende Neubauten, Roger Bernat, Sara Molina, Marta Galan, Markus Öhrn, Jan Lawers y Need company, Anna Boralho y Joao Galante, Luis Garay. Desde 2000 se convierte en aliado habitual de Rodrigo García y La Carnicería Teatro. Entre 2014 y 2017 forma parte del proyecto Humain trop Humain dirigido por Rodrigo García en el CDN Montpellier.

Agrupación Coral Ciudad de Valladolid

Fundada en noviembre de 1998 por D. Pedro García Mateache como presidente, Manuel Castillo como director artístico musical y el interés coral de los cantantes que formaron aquella primera formación coral.

Con el paso de los años numerosas personas han ido sumando sus voces con innumerables actuaciones. Con repertorios tan variados como por ejemplo el concierto de inauguración donde interpretaron obras de carácter policoral como Dixit Dominus, de Juan Paez, Beatur Vir y Lauda Jerusalen de Vivaldi, entre otras. Acompañados por la OSCYL y dirigidos por el director titular del coro.

Junto con la desaparecida Agrupación Lírica Tomas Breton, pusieron en escena diferentes obras de zarzuela como: La del soto del parral, Luisa Fernanda, El cantar del arriero, Katiuska, etc. Localidades francesas y prácticamente todo Portugal han podido conocer el folklore no solo de Castilla y León, también de nuestro país obteniendo muy buenas críticas.

Colabora: SALA AL NORTE A LA IZQUIERDA (Calle Coinvasa 12, Barrio La Victoria)

Arza, Teoría de lo Espontáneo

Alguien escribió, hace no mucho: «la espontaneidad es el resultado de un enorme trabajo previo». Y así es. El artista en creación, en escena, es un generador de lo espontáneo, y sin embargo lo que ocurre en un instante (en el escenario, en el tablao, en la calle) se nutre de la búsqueda, del bagaje, del entrenamiento y entretenimiento, de todo lo anterior que al artista sustenta.

Antonio Molina ‘el Choro’, nos cuenta: «Así se ha hecho siempre en mi familia. Lo espontáneo. Estar comiendo, arrancar por fiesta… No había un ‘vamos y preparemos, planifiquemos’. Todo surge»

El Choro, bailaor de raíz, creador contemporáneo, se dispone a mostrar (que no a demostrar) que su espontaneidad flamenca nace de su camino anterior. Una teoría de lo espontáneo.

Arza, teoría de lo espontáneo se estrenó en el marco de Dramaturgia para una conferencia, un proyecto ideado por Matías Umpierrez, a través de Plataforma Fluorescente, en coproducción con Meetyou Valladolid y Teatro Calderón Valladolid. Autor del manual: Pedro G. Romero.

«Choro es un terremoto: remata, zapatea, mete los pies como nadie, pero cuando para su baile nos lleva directamente al paraíso» Marta Carrasco (ABC Sevilla – 19 septiembre 2023)

MP3

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MP3 (Movement Played by 3) es un proyecto de investigación escénica contemporánea a través de los lenguajes del movimiento y el sonido. Esta propuesta es la búsqueda de un formato escénico híbrido entre la danza, las artes vivas y un concierto en directo, con énfasis en el cuerpo, la tecnología y el movimiento de ambos como generadores del sonido. Tres intérpretes disponen su presencia para crear un archivo de audio dejando entrever los mecanismos de relación entre ellos, el público y los elementos tecnológicos que componen la escena. Invirtiendo el proceso de producción, generamos en cada función un archivo .mp3 al que poder acudir en el futuro, desde la escucha online, sin la presencia de los intérpretes.

MP3 hace referencia al archivo y dispositivo de audio que revolucionó la industria musical. Este dispositivo cambió el paradigma de cómo consumir el arte sonoro, ya que implicó la posibilidad de movimiento durante la escucha, pero también la compresión de los archivos, con una pérdida necesaria de frecuencias. Esta compresión se aplica a nuestro presente donde la estructura del tiempo lineal, cada vez se comprime más y la inmediatez se apodera de cualquier movimiento o acción. Por eso, en este proyecto jugamos con la experiencia del tiempo, por medio de la compresión y descompresión de la misma como acción estructural.

CO-PRODUCIDO POR . Teatro Calderón

Centro de bajo rendimiento

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¿Nos podemos entrenar para un futuro que todavía no conocemos?

El taller toma como punto de partida la pregunta que nos sirvió de disparador a nosotras cuando comenzamos a trabajar sobre Concurso de Malos Talentos, la pieza que presentamos el 16 de marzo en Valladolid.

Uno de los objetivos del taller es compartir algunas herramientas que nos acerquen a un proceso de creación colectiva. ¿Qué cosas podemos aprender a hacer juntxs? Para intentar responder a estas preguntas trabajaremos en torno al concepto de fragmento aplicado a una dinámica sintética de creación colectiva.

En este taller haremos especial hincapié en el contexto dado. A partir de un análisis colaborativo del aquí y el ahora trabajaremos el contexto no desde lo adverso sino desde lo potencial. El taller se sustenta sobre dos palabras clave que cimentan nuestro trabajo como colectivo de artistas: la sostenibilidad y la accesibilidad: trabajo de manera horizontal con lo que tengo aquí y ahora. A través de la generación de fragmentos cortos podremos poner en evidencia el potencial de las dinámicas que se establecen dentro de un grupo de creación colectiva: lo singular se transforma, se contagia y se entremezcla dando como resultado una nueva poética de lo común, entendiendo lo común desde dos de sus acepciones: común aplicado a lo que pertenece o se extiende a varios y común entendido como aquello que es ordinario, vulgar, frecuente y muy sabido.

PLAZAS LIMITADAS Inscripciones a partir del 1 de marzo a través de: meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto TALLER CENTRO DE BAJO RENDIMIENTO, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

DIRIGIDO A: Dirigido a estudiantes, profesionales del sector y aquellas personas que no se dedican profesionalmente al teatro, pero con ganas de profundizar en la creación colectiva.

CRAMPS

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CRAMPS es un laboratorio para experimentar la escucha y percepción del sonido a partir de la vibración. Por medio de la utilización de materiales específicos vibrantes ensayaremos diferentes formas de oscilación, excitación y agitación de los cuerpos y objetos hasta crear un espacio resonante y de sensibilidad táctil en el que improvisar y componer colectivamente. Practicaremos de manera lúdica actividades relacionadas con el sonido, el ritmo y el movimiento en busca de una audición sin la intervención del sistema timpánico.

Nilo Gallego (Ponferrada, León 1970). Músico y artista, realiza performances en las que la experimentación con el sonido es el punto de partida. En sus trabajos, que siempre tienen un componente lúdico, busca la interacción con el entorno y lo cotidiano. Forma parte del colectivo experimental de acción Orquestina de pigmeos (junto a Chus Domínguez) y colabora habitualmente con creadores como Silvia Zayas, Alex Reynolds o la compañía Societat Doctor Alonso. Toca la batería, percusión y electrónica. Realiza la creación musical y diseño de espacios sonoros para compañías de teatro y danza contemporánea. Sus trabajos se han podido presenciar en festivales de artes en vivo nacionales e internacionales. Diseña herramientas e imparte talleres educativos basados en la escucha y la creación sonora en diversas instituciones como CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de Móstoles, MNCARS Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. Nilo Gallego es artista residente del Festival TNT de Terrassa durante el año 2024.

Francisco José Carrascosa Serrano (Madrid 1975) Es una persona sorda y que siempre ha sentido inquietud por la música y el arte visual de las luces. Ha aprendido percusión con el profesor cubano Edmundo Rodriguez y formé parte del grupo Percusord (Madrid) con el que actuó en público entre los años 2008 y 2012. Tambien participa en el proyecto Manana creando junto a personas sordas un espectáculo de danza y música cubana. Con la colaboración de Noemí Gonzalez como intérprete de lengua de signos.

Gratuito  PLAZAS LIMITADAS  Inscripciones a partir del 9 de febrero a través de:  meetyou@tcalderon.com En el asunto poner: TALLER CRAMPS indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller .

5 de MARZO TALLER FAMILIAR de 16.30 a 18.30h 6 DE MARZO TALLER ADULTOS de 17.00 a 19.00h

DIRIGIDO A: diseñado especialmente para personas sordas aunque está abierto a cualquier capacidad auditiva.