#ZinkinYù: DE CUERPOS, DOLORES Y CUIDADOS

Entrada libre hasta completar aforo. 

El ciclo #ZinkinYù tiene como objetivo generar una transferencia de conocimiento entre el ámbito académico de la Universidad de Valladolid (UVA) y la práctica escénica contemporánea, utilizando como plataforma la programación del #meetyou. Esta edición se configura como un espacio educativo que fortalece las conexiones entre la ciudadanía y los lenguajes escénicos actuales.

El ciclo #ZinkinYù tiene como objetivo generar una transferencia de conocimiento entre el ámbito académico de la Universidad de Valladolid (UVA) y la práctica escénica contemporánea especialmente, utilizando como plataforma la programación del #meetyou. Esta edición se presenta como un espacio educativo abierto a toda la ciudadanía, que busca fortalecer las conexiones entre las personas interesadas en los lenguajes escénicos actuales, independientemente de su formación o experiencia académica.

Equipo:

Álvaro Caboalles: (Ponferrada, 1994) Doctor en Estudios Culturales por la UAM. Docente del IED Madrid. Gerente de MACOMAD donde desarrolla su trabajo como gestor cultural. Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas como el comisariado, la mediación cultural o el desarrollo de proyectos site-specific.

Henar Rodríguez: Licenciada en Psicopedagogía en la Universidad de Valladolid. Máster en Intervención psicológica en contextos educativos por la Complutense de Madrid. Tesis doctoral en Psicología Social con el título: «Proceso de integración del alumnado inmigrante nuevo en el contexto escolar». Profesora titular de la Universidad de Valladolid. Departamento de Pedagogía. Directora del CETIE (Centro Transdisciplinar de Investigación Educativa dependiente del Parque Científico de la UVA). Siempre le han interesado los temas relacionados con la infancia y adolescencia y su relación con el contexto escolar y social desde un enfoque cualitativo y etnográfico.

DE CUERPOS, DOLORES Y CUIDADOS

El conversatorio conecta el taller (Lo-)cura colectiva con el trabajo de la bailarina Martina Cabrero para reflexionar sobre los discursos que surgen en torno al cuerpo, la lesión y el dolor dentro de la práctica artística contemporánea. A través de este diálogo, se abordan las tensiones existentes entre la creación, la vulnerabilidad y el cuidado, proponiendo una comprensión más humana e integral de la experiencia artística situada.

Forman parte:

    • Martina Cabrero: Graduada en danza clásica por la EPDCyL (2017), completó estudios de neoclásico y contemporáneo en el Centro Andaluz de Danza. Posteriormente, perfeccionó técnicas como composición instantánea, improvisación y partnering en La Faktoria Choreographic Center, destacando por su formación integral en danza clásica y contemporánea.
    • Irene Muñoz: Doctora en psiquiatría y psicoterapeuta por la UVA. Utiliza las artes escénicas y plásticas como instrumento terapéutico. Ha coordinado proyectos sanitarios y participado en montajes teatrales que estudian el papel del vínculo y el trauma en los acontecimientos del cuerpo como el dolor crónico o los trastornos de la conducta alimentaria. Colaboradora de la editorial RBA.
    • Marta Álvarez: Mediadora cultural, investigadora y educadora. Autora de proyectos participativos, se sitúa desde un posicionamiento periférico y feminista. Especialmente interesada por la educación patrimonial y la etnoeducación, ha formado parte del Lab987 del MUSAC y sus propuestas han sido seleccionadas en convocatorias como Rural Experimenta, Tandem for Culture o Notar (Plataforma MAR).

#ZinkinYù: DESDE EL PUNTO DE PARTIDA

Entrada libre hasta completar aforo. 

El ciclo #ZinkinYù tiene como objetivo generar una transferencia de conocimiento entre el ámbito académico de la Universidad de Valladolid (UVA) y la práctica escénica contemporánea, utilizando como plataforma la programación del #meetyou. Esta edición se configura como un espacio educativo que fortalece las conexiones entre la ciudadanía y los lenguajes escénicos actuales.

El ciclo #ZinkinYù tiene como objetivo generar una transferencia de conocimiento entre el ámbito académico de la Universidad de Valladolid (UVA) y la práctica escénica contemporánea especialmente, utilizando como plataforma la programación del #meetyou. Esta edición se presenta como un espacio educativo abierto a toda la ciudadanía, que busca fortalecer las conexiones entre las personas interesadas en los lenguajes escénicos actuales, independientemente de su formación o experiencia académica.

Equipo:

Álvaro Caboalles: (Ponferrada, 1994) Doctor en Estudios Culturales por la UAM. Docente del IED Madrid. Gerente de MACOMAD donde desarrolla su trabajo como gestor cultural. Su trabajo se sitúa bajo el epígrafe de las artes vivas explorando los límites, periferias y expansiones de lo escénico en un espacio de cruce interdiscursivo con otras disciplinas como el comisariado, la mediación cultural o el desarrollo de proyectos site-specific.

Henar Rodríguez: Licenciada en Psicopedagogía en la Universidad de Valladolid. Máster en Intervención psicológica en contextos educativos por la Complutense de Madrid. Tesis doctoral en Psicología Social con el título: «Proceso de integración del alumnado inmigrante nuevo en el contexto escolar». Profesora titular de la Universidad de Valladolid. Departamento de Pedagogía. Directora del CETIE (Centro Transdisciplinar de Investigación Educativa dependiente del Parque Científico de la UVA). Siempre le han interesado los temas relacionados con la infancia y adolescencia y su relación con el contexto escolar y social desde un enfoque cualitativo y etnográfico.

DESDE EL PUNTO DE PARTIDA:

Esta sesión inaugura el ciclo #ZinkingYù busca conectar la programación de #meetyou con la reflexión académica y educativa a través de una dinámica de acción colectiva. Para ello se propone un espacio colaborativo dónde explorar cómo las prácticas culturales contemporáneas pueden dialogar con el entorno académico, fomentando el intercambio de ideas y el pensamiento crítico. Pensar en cómo lo que sucede en la escena se puede pensar en otros lugares fuera de ella.

Forman parte:

  • Francisco Javier Gómez González: Profesor de Sociología de la Universidad de Valladolid y docente del Master en Economía de la Cultura y Gestión Cultural de la citada Universidad. Ha colaborado con La Red Española en estudios de programación, circulación y gestión de redes y circuitos. Cuenta con diversas publicaciones en materia de gestión de artes escénicas.
  • Jordi Planellas: Catedrático en Teoría e Historia de la Educación, investiga en la UOC y la UB sobre discapacidad, pedagogía sensible y estudios corporales. Sus líneas abordan inclusión laboral de personas con discapacidad, filosofía educativa y prácticas culturales vinculadas al cuerpo, contribuyendo a la innovación social y educativa.

Proyección del mediometraje “Buscando mi propio nombre” y coloquio con el director Pablo García Pérez de Lara

Retirada de invitaciones en taquilla y online (comisión 1,20€ por entrada) a partir del 11 de febrero. Máximo 2 invitaciones por persona. Hasta completar aforo.

En 1974 un grupo de 200 mujeres fue trasladado en autobuses desde el Psiquiátrico Padre Jofré, conocido como el manicomio de Jesús, al nuevo Psiquiátrico de Bétera (Valencia). Muchas de ellas habían estado encerradas en Jesús más de 30 años y llegaban a Bétera sin historia clínica y, algunas, incluso sin nombre. Esta historia quiere cuidar la memoria de aquellas mujeres y de las personas profesionales que las acompañaron con la intención de devolverles parte de la dignidad perdida y en algunos casos su nombre.

Es socio-fundador de Producciones Doble Banda (1998). Ha dirigido tres largometrajes, incluidos «Fuente Álamo» (2001) y «Tchindas» (2015), con 11 premios internacionales. Su corto «Alicia Retratada» (2002) fue seleccionado en Cannes. Ha trabajado en 30 producciones como montador y director de fotografía y colabora con A Bao A Qu desde 2005.

 

Taller Estamos en el aire

PLAZAS LIMITADAS

Inscripciones a partir del 11 de febrero a través de: meetyou@tcalderon.com En el asunto poner: TALLER EN EL AIRE indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller

El laboratorio se abre para unas 10-12 personas de cualquier edad y experiencia. Va dirigido a público con interés en las artes escénicas y en las convenciones audiovisuales que pueden aparecer también en un escenario. Se tratará de un laboratorio de locución y doblaje de escenas, con presentación a público abierto al final.

21 marzo (16-19h)

El punto de partida es el espacio escénico, en este caso, una sala de grabación, locución, sonorización y foley.

¿Cuántas películas se pueden contar a partir de una película? ¿Cuántos significados puede tener el mismo significante?

¿Qué pasará si mezclamos el lenguaje cinematográfico y el de la escena en vivo?

¿Puede el sonido generar imágenes si persiste en el tiempo?

¿De dónde salen las risas y los aplausos en una comedia de situación?

¿Qué sucederá cuando la voz de un personaje cobre vida propia y se deshaga de los mandatos de su autor?

Si todas las historias están contadas ¿podemos apropiarnos de lo que hay y mezclarlo de manera que cuente aquello que necesitamos contar ahora?

La mezcla del lenguaje audiovisual y el lenguaje escénico es compleja; el cine juega con el silencio y la oscuridad del espectador, como si la película no se viese afectada por quien mira; el teatro, la escena en vivo, no puede prescindir de la mirada del público, de su cuerpo, de sus emociones en el momento en que la pieza tiene lugar frente a él. Sin embargo, este proyecto apuesta por la fusión de estas dos disciplinas a través del recurso del doblaje, la sonorización, el foley en directo. Las artes vivas nacieron con el mandato de mezclar disciplinas, y esta que nos ocupa, Estamos en el aire, desea atreverse con lo incierto.

Estar en el aire es una expresión que se utiliza en las salas de grabación y emisión, cuando se “está en el aire” cualquier interferencia aparecerá en la emisión, todo lo externo se interrumpe o suspende para no aparecer en la grabación. Al mismo tiempo, “estar en el aire” es estar en vilo, no tenerlas todas contigo.

Este laboratorio se ha creado con el apoyo de la beca OSIC de investigación 2023 y la beca CREA 2024.

Estamos en el aire.

Taller Música para escena

13 y 14 marzo (16-20h)

Salón de Espejos

20€

PLAZAS LIMITADAS

Inscripciones a partir del 11 de febrero a través de: meetyou@tcalderon.com En el asunto poner: TALLER MÚSICA indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller

En este taller impartido por Hugo Torres entraremos en el particular mundo de la creación de música para escena. A través de un enfoque teórico-práctico, exploramos las diferentes maneras como la música se puede integrar, adaptar o moldear la escena, convirtiéndose en un elemento narrativo y emocional clave.

Principales puntos temáticos:

1. ¿Qué es la música para escena?

2. Desarrollo del concepto general de la banda sonora

3. Las diferentes etapas del proceso

4. El proceso de ensayos

5. Trabajo en equipo y colaboración creativa

6. Acompañamiento del proceso creativo

 

Taller (Lo-)Cura Colectiva

 Día: 12 de marzo (18:00-20:00h)

Gratuito

PLAZAS LIMITADAS

Inscripciones a partir del 11 de febrero a través de: meetyou@tcalderon.com En el asunto poner: TALLER LO-CURA indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller

Aforo limitado para 20 personas.

Taller de reflexión colectiva sobre la locura y la patologización histórica de las mujeres. Tras la proyección del mediometraje “Buscando mi propio nombre” -una película de ficción sobre los inicios del psiquiátrico de Bétera (València), dirigida por Pablo García Pérez de Lara-; exploraremos cómo la sociedad actual normaliza el malestar psíquico y la hipermedicalización. Juntas, crearemos un cuaderno de asociación libre para cuidarnos, inspirándonos en la literatura y la cultura popular, utilizando metodologías de artes vivas.

Marta Álvarez Guillén @marta_al_va

Mediadora cultural, investigadora y educadora. Autora de proyectos participativos, se sitúa desde un posicionamiento periférico y feminista. Especialmente interesada por la educación patrimonial y la etnoeducación, ha formado parte del Lab987 del MUSAC y sus propuestas han sido seleccionadas en convocatorias como Rural Experimenta, Tandem for Culture o Notar (Plataforma MAR).

Irene Muñoz León @aim__leon

Doctora en psiquiatría y psicoterapeuta. Utiliza las artes escénicas y plásticas como instrumento terapéutico. Ha coordinado proyectos sanitarios y participado en montajes teatrales que estudian el papel del vínculo y el trauma en los acontecimientos del cuerpo como el dolor crónico o los trastornos de la conducta alimentaria. Colaboradora de la editorial RBA.

 

Taller Prácticas del asombro

Una actividad abierta a cualquier persona interesada en el hecho performativo y los lenguajes escénicos y para todo aquel relacionado y con intereses en el mundo de la curación y las curas. No hace falta ninguna experiencia previa.

11 Filas

5 y 6 marzo (16-20h)

GRATUITO

PLAZAS LIMITADAS

Inscripciones a partir del 11 de febrero a través de: meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto TALLER ASOMBRO, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller

Nuevas performances para tratar nuestras dolencias.

El taller Prácticas del asombro recoge algunos de los ejercicios y materiales que han formado parte de la investigación de la pieza escénica Hospital de campo y que, a nuestro modo de ver, el hecho de compartirlos con otras personas abre un campo de conocimiento que ahonda de una manera más profunda en las cuestiones que aborda este espectáculo.

El comienzo de Hospital de campo procede de una sensación: la sensación, particular y a la vez compartida, de que todos estamos enfermos.

Cuando nos preguntamos por la naturaleza de las dolencias que arrastramos, y que aparecen tanto en nuestros cuerpos como en nuestras psiques, se dibuja un suelo o una suerte de rasgo en común. Lo podríamos definir como el rastro del abandono de la dimensión subjetiva de nuestra existencia corporal.

En este laboratorio trabajaremos alrededor de los ejes dramatúrgicos clave de este proceso; La idea de lo doliente, la idea del desdoblamiento y la relación entre el paciente y el que cura. Partimos del hecho de que en el ámbito sanitario se reproducen, constantemente, una serie de separaciones (entre el cuerpo y la mente, entre el individuo y la colectividad, entre el individuo y su entorno, entre lo visible y lo invisible), que han dado lugar a una relación extraña y extrañada con nuestros propios cuerpos.

En Prácticas del asombro vamos a explorar formalmente esta ruptura, practicando con los títeres, otros elementos y objetos como mediadores en este diálogo entre el paciente y el principio activo que lo cura, generando performances para tratar nuestras dolencias.

 

Taller Urdir el umbral

3, 4 y 5 marzo (16-19h)

Teatro Calderón (Salón de Telones)

Precio taller 3 días: 20€

Nº de participantes: 12. Se debe asistir los 3 días, ya que la estructura del taller-laboratorio es acumulativa.

Público: Alumnos del Máster en Arteterapia y/o Grado en Educación Primaria con mención en Educación Especial

PLAZAS LIMITADAS

Inscripciones a partir del 11 de febrero a través de: meetyou@tcalderon.com

En el asunto poner: TALLER URDIR indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

Un taller-laboratorio de investigación-creación transdisciplinar que propone explorar la producción y la mediación artística a partir de los distintos modos de percepción que nos ofrece la materia sensible de nuestros cuerpos. Trabajaremos tanto de forma grupal como individual a partir una serie de nociones antropológicas y prácticas escénicas, para testar herramientas y generar estrategias relacionales bajo una mirada accesible, descubriendo cómo al poner la atención en la accesibilidad y en la diversidad podemos abrir toda una nueva dimensión de posibilidades creativas. Este taller-laboratorio está dirigido a personas interesadas en la creación, con especial enfoque en lo participativo y experiencial, que deseen explorar nuevas perspectivas y formatos para desarrollar sus procesos.

iara Solano Arana es creadora e investigadora licenciada en Artes Escénicas Europeas por la Universidad de Rose Bruford College (Reino Unido) y con Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual. Su práctica se centra en el diseño de dispositivos relacionales que atraviesan disciplinas y que colocan al público como núcleo o detonante de una pieza escénica, expositiva o audiovisual. En 2006 co-funda la compañía Sleepwalk Collective junto con Sammy Metcalfe, con quien ha creado experiencias escénicas para teatros y espacios alternativos que han girado por 4 continentes, recibiendo 4 premios internacionales y numerosas nominaciones por su contribución a la innovación escénica. Actualmente desarrolla su trabajo como artista independiente, creando experiencias privadas en espacios públicos, y desdibujando los límites entre teatro, la danza, el cine, y la instalación, siendo el vis-a-vis y el de inmersión aquellos formatos que emplea habitualmente. Combina su práctica artística con la mediación, así como con otras actividades formativas y de asesoramiento, y acompañando los procesos de otras artistas e investigadoras. En 2019 recibe el Premio a las Buenas Prácticas en el ámbito de creación y juventud que otorga el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz y en 2023 recibe el premio internacional S’Empatia Carlo Solinas por una trayectoria artística con una fuerte mirada comunitaria.

Hit out

Acceso mediante invitación online (cargo de 1,2€ de comisión por entrada) y en taquilla. 

HIT OUT es la versión ágil y compacta de HIT, un proyecto coreográfico y musical en el que el salto a la comba se utiliza como percusión para manifestar ritmos encarnados de un año de entrenamiento atlético apoyado por la comunidad de saltadores italianos y patrocinado por MarcRope – Make your cardio an art (Milán), Parini Secondo y Bienoise se centran en el sonido producido por el salto a la comba, diseccionando sus posibilidades tímbricas. Las saltadoras en el escenario realizan una puntuación rítmica y al mismo tiempo coreográfica, en la que el single-under, el side-swing y el double-under son a la vez elementos atléticos y musicales: combinados con la voz y sonidos sintéticos, se armonizan en un auténtico hit.

HIT eleva la práctica íntima del entrenamiento a una acción performativa: la sucesión martilleante de los golpes de la comba es un eco de rebelión contra esas fuerzas que nos querrían tendidos, inmóviles en el suelo, con los ojos cerrados.

Co-producción: Bolzano Danza, Santarcangelo Festival con el apoyo de MiC y SIAE, para el programa “Per Chi Crea” 2023/2024 y el apoyo de Boarding Pass Plus, ROM Residencies on the move, Nuovo Grand Tour 2024, BIT Teatergarasjen (Bergen, NO), NID platform, Italian Institute of Culture Oslo, Italian Institute of Culture Paris, Italian office for economics trade and culture in Taipei, Cantieri/ Network Anticorpi XL (Ravenna), Magdalena Oettl (DE), AMAT Marche. With the contribution of the Ministry of Culture, Emilia-Romagna region, Municipality of Bologna y la hospitalidad de Le Carreau du Temple (Paris, FR), Taarnby Park Studios (Copenhagen, DK), Theatre Aire Libre (Rennes, FR), La Briqueterie (Val-de-Marne, FR), Preform/ Samvirket (Fjaler, NO), ShineHouse Theatre (Taipei, TW), Teatro Petrella (Longiano, IT), CSC Opera Estate (Bassano del Grappa, IT), Armunia (Castiglioncello, IT).

Vivir del fracaso

Se trata de una charla en la que alguno de los directores artísticos de la compañía expone la metodología de trabajo del grupo, haciendo hincapié en la interrelación entre el desarrollo creativo, la gestión de la producción de las piezas y la vertiente empresarial. El eje a partir del cual se vehicula la presentación es la necesidad para cualquier artista de poder equivocarse, de poder explorar y “fracasar” para lograr llevar el propio lenguaje a lugares inesperados.

 Àlex Serrano Tarragó (Barcelona, 1974) es licenciado en Diseño Industrial, master en Comunicación Interactiva y licenciado en Dirección escénica. Durante años trabajó en diferentes empresas vinculadas a publicidad, audiovisual y multimedia. En 2002 crea Areatangent, una plataforma de creación escénica contemporánea con sede en el Raval barcelonés. En 2006 funda la Agrupación Señor Serrano.

Interesados confirmar asistencia al correo: aida.chacal@educa.jcyl.es antes del 03 de marzo a las 23:59 horas.