Gala Homenaje Territorios de la Memoria

  • Presentación y lectura dramatizada a cargo de Rosa Manzano  (Teatro Corsario)
  • Bernarda, espectáculo de fusión artística de danza e imagen a cargo de Lola Eiffel en colaboración con Mr. ZÉ.
  • Lectura dramatizada: Marta Ruiz de Viñaspre (Colectivo Teatral GHETTO 13-26).
  • Actuación de la cantante Lucía Sócam
  • Lectura dramatizada de Juan Carlos Mestre (poeta y artista visual)
  • Actuación de la cantante Rozalén
  • Cierre con Rozalén y Lucía Sócam

IIº Congreso Internacional Territorios de la Memoria. «Lucha y resistencia(s) feministas. Caminando hacia la igualdad» (Valladolid, 13-16 abril 2021).

El programa completo del Congreso está disponible en este enlace: http://www.territoriosdelamemoria.es/ii-congreso-internacional-territorios-de-la-memoria-lucha-represion-y-resistencia-en-femenino-caminando-hacia-la-igualdad/

En cuanto a la visualización online y en directo, podrás seguirnos desde la misma página web del Congreso (véase el vínculo arriba) o directamente en nuestro canal oficial de Youtube: https://www.youtube.com/channel/UC-oKoCUTuYsNa5AYLDshqVg

Viaje a la Luna

Viaje a la Luna es el único guión de cine de Federico García Lorca. Escrito durante su estancia en Nueva York, es una réplica a Buñuel y a Dalí tras el estreno de Un chien andalou. Un montaje cargado de simbolismo y erotismo. Una road movie entre el sueño y la vigilia. Una fiesta de los sentidos.
Oklahoma. 1989. Alguien encuentra un manuscrito en una mesilla de noche. Se trata de Viaje a la Luna, un guion cinematográfico inédito de Lorca —el único que escribió el poeta y dramaturgo granadino— que había permanecido oculto durante 60 años. El texto era propiedad de la viuda de Emilio Amero, pintor y director surrealista mexicano que conoció a Lorca en 1929 en Nueva York. Lorca escribió 72 secuencias a mano en un cuaderno rayado y regaló el texto a Amero. “Haz lo que quieras con esto”, parece que le dijo. Amero nunca llegó a rodar la película. Viaje a la Luna es una sucesión de escenas surrealistas aparentemente inconexas, pero que en realidad conforman una tupida red de símbolos que conectan de lleno con el universo lorquiano: mujeres enlutadas, arlequines, frenesí nocturno, un niño que llora, hombres en callejuelas oscuras, vómito, violencia…Escrito durante su estancia en Nueva York, da la impresión que Lorca volcó en este texto ciertos símbolos e imágenes impactantes que destiló de su imaginario neoyorquino, aunque a su vez no pudo o no quiso escapar de la rica simbología relacionada con su infancia, sus frustraciones infantiles, su dolor. Al leer el texto se tiene la sensación de estar entrando en un mundo afectado por la velocidad, la técnica y la agresividad, donde toman una gran importancia las nociones de viaje —por el espacio y por el tiempo—, de desplazamiento y de dislocación, también interior. En este entramado onírico, imágenes sexuales se combinan con imágenes violentas de personas y animales maltratados y situaciones inquietantes, peligrosas, pero también aparecen flores y besos “cursis” de cine. Nunca sabremos cómo o por qué escribió Lorca este guión de cine. En algunas secuencias el texto tiene apariencia de escritura automática o de primer borrador. En cualquier caso, no es un guion cinematográfico al uso. Aunque aparecen algunas indicaciones técnicas, es esencialmente un texto poético. Por momentos sueño, por momentos pesadilla, Viaje a la Luna estuvo durmiendo durante muchas décadas esperando a ser despertado.

Chico Blanco

Se accederá mediante invitación. Recogida de invitaciones a partir del 27 de mayo (hasta completar aforo) en horario de taquilla. Dos invitaciones por persona.

27 y 28 mayo: de 10 a 14h y de 17 a 20h

29 mayo: de 17 a 20h

30 mayo: de 17 a 19h

 

DJ: 8kitoo

Chico Blanco recupera géneros como el house de los 90, el eurodance o el UKgarage para cruzarlos con el ADN de la música urbana actual. La sensación tras escuchar por primera vez canciones como «WTF Is In My Cup”, “No ValeNa” o “Gominola” es la de estar ante algo totalmente nuevo. Sus letras reflejan el espíritu de una generación que solo quiere «bailar bajo la luz de discoteca» como escape al mundo casi distópico en el que vivimos. Baile y letras tan crudas como llenas de positivismo definen a un artista único.

Corpus

Xavier Bobés:

Creador escénico. Se define como autodidacta. Apasionado de la poética de los objetos, investiga
desde hace más de diecisiete años con todo tipo de objetos cotidianos. Colabora con otros creadores asesorando procesos de investigación y escritura objetual. Profundiza en la búsqueda de contenido simbólico y teatral de los objetos y de todo aquello aparentemente banal. Y esto lo hace mediante la creación, el ensayo y la docencia.

Corpus propone el encuentro entre una pieza escultórica, un manipulador de objetos y un músico. Corpus es también un viaje entre un hombre y su forma, un diálogo imposible deshaciendo las horas de una vida, retrocediendo caminos, empequeñeciendo para desaparecer de nuevo. Con el deseo de que el silencio y la quietud desplieguen su elocuencia.

Una coproducción del Auditori de Barcelona y Los Teatros del Canal de Madrid. Con el apoyo de l’Animal a l’Esquena y Azala. Con el apoyo de la Generalitat de Catalunya.

El titiriscopio

26 y 27 mayo: pases de 17 a 21h cada 30 minutos. 

Se accederá mediante invitación. Recogida de invitaciones a partir del 18 de mayo (hasta completar aforo) en horario de taquilla. Dos invitaciones por persona.

De martes a viernes: de 10 a 14h y de 17 a 20h

Sábado y domingo: 17 a 19h

(Lunes 24 mayo: taquilla cerrada)

 

EL PROYECTO CON EL I.E.S. “Vega del Prado”, Valladolid.
En la primera semana de marzo daremos un taller a los 33 alumnos que cursan la asignatura ANIMACIÓN 3D, JUEGOS Y ENTORNOS INTERACTIVOS en el IES Vega de Prado, con los que trabajaremos la técnica del TITIRISCOPIO y todos juntos generarán nuevos elementos digitales para proyectar en escena con el Sistema Holográfico colaborando también en la concepción dramatúrgica
partiendo de un tema: La Declaración Universal de los Derechos Humanos de Naciones Unidas.
La muestra final de este trabajo tendrá lugar en el Teatro Calderón.

PROYECTO EDUCATIVO CON TITIRISCOPIO a través del programa Aula-Empresa de CYL.

Es un dispositivo que evolucionamos desde las cajas mágicas o LAMBE- LAMBE y que utiliza en su interior todos los medios escénicos de los grandes teatros (iluminación, sonido, escenografía, tramoyas…a la par que adopta nuevas tecnologías que sorprenderán a los espectadores, como es el SISTEMA DE PROYECCIÓN DE HOLOGRAMAS. El TITIRISCOPIO permite la interacción en escena de los diferentes tipos de títeres (varilla, hilo, guante…) con el sistema de proyección de hologramas y ambos con el actor/manipulador que trabaja dentro del aparato. Se representan piezas de títeres de entre 5 y 10 minutos cada una que podrán ser visionadas por un máximo de 8 espectadores y con guiones adaptados a las diferentes edades.

La naturaleza y su temblor

El grupo de artistas que nos reunimos para esta producción pretendemos cuestionar y reflexionar sobre las veladuras a través de las cuales se reproduce y multiplica la visibilidad, la representación y se consumen la información y la experiencia hoy en día. Son veladuras opacas, tupidas que niegan la posibilidad de imaginar la vida detrás de ellas.

La naturaleza y su temblor es un mecanismo de intervención site-especific, un paseo-visita pausado a la realidad que a partir de las herramientas del teatro, el cuerpo, el pensamiento y el cine quiere revelar desvelando otra realidad, despertando en el espectador posibilidades de percepción que le hagan mirar, descifrar y comprender de otra forma, invitándole a adentrarse en su fantasmagoría.

La pieza consiste en un paseo a pie a determinar en cada ciudad donde los espectadores perciben la realidad a través de su observación y de lo que oyen y perciben a través de unos cascos que llevan. Durante todo el recorrido se realizan diferentes paradas en espacios predeterminados tanto exteriores como interiores (casas, almacenes..).

Agradecimientos:

Oficina de Turismo de Valladolid

Café del Norte (Valladolid)

 

Fotografía de una mujer delante de una casa

Como compañía, Essere Colpito, investiga, a través de sus creaciones y personajes, las temáticas que inquietan a las propias actrices como mujeres y como creadoras: la soledad, el olvido, la muerte o el arte en sí mismo como válvula de vida, pues se convierte en herramienta contra la opresión y el horror. Dentro de su aún breve recorrido, han encontrado un lenguaje propio, sustentado en lo poético más allá de la palabra. Sus espectáculos tienen un denominador común visualmente. Los espacios planteados no son fácilmente reconocibles, sino que están sugeridos y son constantemente transformados por aquello que les sucede a los personajes y por lo que las actrices están creando. Son ellas, con sus vivencias en la escena, las que alterarán el lugar y nos mostrarán distintos lugares a través de su interpretación y de la atmósfera creada.

Essere Colpito es una compañía creada por las actrices Aldana Herrera Möller y Sheyla Niño. Su primer trabajo juntas, “Decálogo para la supervivencia”, les lleva a encontrar un lenguaje común y una forma concreta de crear y contar. Su siguiente montaje “Una enloquecida aventura interior” es fruto de la 1.a Residencia artística de El Pavón Teatro Kamikaze y supone un salto en la creación del espectáculo por parte de la compañía. Desde la idea, la dirección por parte de Sheyla Niño, y el texto mediante una creación colectiva. Los montajes de Essere Colpito sitúan a la mujer en el foco de su creación. La mujer como creadora, sus vivencias y experiencias plasmadas en el arte son motor de sus obras. Su compromiso con el teatro está unido firmemente a la reivindicación de la mujer artista, no solo aquella que ha triunfado, sino la que lo es aunque la sociedad se lo niegue, el machismo se lo impida o, incluso, la que lo es a su propio pesar. Essere Colpito presenta su tercer montaje fruto de una residencia artística en el Teatro Calderón.

Suzanne Malherbe va a ser entrevistada con motivo de la colocación de una placa en homenaje a ella y a Claude Cahun, dos artistas surrealistas que formaron parte de la resistencia francesa.
Su forma de resistir se basó en sus creaciones que, adelantadas a su tiempo, se podrían describir como performance. Con ellas buscaron provocar que los soldados nazis se cuestionasen su papel en la guerra: el porqué y para qué de sus acciones y obediencia; en definitiva, los ideales que les llevaban a luchar en nombre de Hitler.

Bajo el pseudónimo de «Der Soldat ohne Namen» se ocultaron  dos mujeres que desestabilizaron al ejército nazi.
Suzanne lleva años alejada de su faceta artística y viviendo en absoluta soledad. Tratará de omitir ciertos episodios de su vida, pero el surrealismo y la figura de Claude irrumpirán en la entrevista para que recuerde y reconstruya su pasado.

 

Generación perdida + miedo perder(-nos)

Entrada mediante invitación. Se recogerán las invitaciones una hora antes del espectáculo en Espacio Joven Norte. Hasta completar aforo. 

La búsqueda en Internet del concepto Generación Perdida muestra varios resultados. La generación de escritores estadounidenses que vivieron en Europa hace un siglo. Veinte entradas de prensa cuyo titular encabeza la falta de esperanza de la juventud bajo estas dos palabras. Y, por último, cuatro canciones de trap, que nos sumergen, a ritmo de 140 BPM, en la falta de futuro, el brillo de las pantallas y la metamodernidad.

La narración se plantea desde una autoficción generacional inspirada en el testimonio de quienes han nacido después de las olimpiadas de Barcelona 1992. Hemos crecido con internet, esta herramienta ha construido nuestros conocimientos, deseos, ideologías, relaciones y afectos.  La unificación sociocultural que hemos vivido en el s.XXI gracias a la creación de internet y el neoliberalismo han concebido un nuevo sujeto político. Pienso en un nuevo concepto de humano, articulando las redes sociales como analogía de los pecados capitales contemporáneos.

La propuesta escénica parte de la tensión existente entre el pensamiento individual y la acción colectiva. Esto se traduce en la transducción de retos virales en la escena. Según lo propuesto por Dolezel se entiende la transducción como un objeto que, por el hecho mismo de ser transmitido es también transformado como consecuencia de la interacción con el medio a través del cual se manifiesta. Aquí los retos virales son el detonante dramatúrgico para articular una autoficción colectiva construida en la tensión existente entre el plano digital y real.

Álvaro Caboalles (Ponferrada, León, 1994). Artista e investigador en creación escénica contemporánea. Como creador sus intereses se centran en las artes vivas, bajo los condicionantes de género, la herencia cultural y la condición de sujeto político dentro de la sociedad actual. En sus trabajos hace una especial atención a los conceptos relativos al détournement, lo digital, lo performativo y lo (re-)presentable situándose en los límites de las artes y las expansiones y periferias de lo escénico.Sus propuestas se han visto en el Museo Carmen Thyssen de Málaga, Teatro Calderón de Valladolid, Campos Elíseos de Bilbao, Bergidum de Ponferrada, Sala Amadís-INJUVE de Madrid o CICUS de Sevilla.

Man-up

Con este nuevo espectáculo las directoras de Teatro en Vilo se proponen el reto de desenmascarar el relato tradicional de la masculinidad y sus referentes a través de la ironía, la irreverencia y el humor absurdo. En un momento en el que los códigos masculinos tradicionales han quedado obsoletos y los nuevos están todavía por elaborar, Man Up quiere ser un espacio desde el que cuestionar las suposiciones culturales sobre qué significa ser un hombre y un lugar desde el que imaginar nuevas maneras de serlo. En escena, seis actores se lanzarán a representar un gran carnaval de la masculinidad, jugando a deconstruir, reconstruir o destruir los referentes culturales que rigen los estándares de la hombría; a la vez que reflexionan sobre su lugar en el mundo y su propia identidad.

MAN-UP es una divertida y ácida comedia donde las directoras de Teatro En Vilo se proponen el reto de desenmascarar el relato tradicional de la masculinidad y sus referentes a través de la ironía, la irreverencia y el humor absurdo. En un momento en el que los códigos masculinos tradicionales han quedado obsoletos y los nuevos están todavía por elaborar, Man Up quiere ser un espacio desde el que cuestionar las suposiciones culturales sobre qué significa ser un hombre y un lugar desde el que imaginar nuevas maneras de serlo. En escena, seis actores se lanzarán a representar un gran carnaval de la masculinidad, jugando a deconstruir, reconstruir o destruir los referentes culturales que rigen los estándares de la hombría; a la vez que reflexionan sobre su lugar en el mundo y su propia identidad.
Teatro en Vilo acaba de recibir el PREMIO OJO CRÍTICO DE TEATRO (RNE). Es una de las compañías más interesantes de la nueva creación teatral, avaladas por sus creaciones anteriores: Interrupted, Generacion Why, Locxs de amor, ganadoras de múltiples premios, recibiendo unas críticas maravillosas por sus creaciones.

En 2013 fundan la compañía que actualmente, funciona como plataforma para colaboraciones internacionales e interdisciplinares entre creadores de escena, artistas e investigadores provenientes de países de todo el mundo. La compañía persigue un constante diálogo con su entorno social, político y personal, lo que le obliga a renovar constantemente su lenguaje escénico. Desde sus espectáculos y formaciones la compañía busca situarse en la delgada línea que separa el teatro de la vida y la ficción de la realidad. Combinando lo improvisado y lo coreográfico, lo grotesco y lo autobiográfico, el humor absurdo y la comedia gestual, la ternura y la irreverencia, Teatro En Vilo se ha lanzado a la apasionante aventura de intentar desentrañar el tiempo en que vivimos.

 

Hito

Se accederá mediante invitación. Recogida de invitaciones (una por persona) en Andén 47 una hora antes del comienzo del espectáculo. Aforo muy limitado. 

Dos personas prestando y atendiendo a lo que les asemeja, buscando algo, algo que ya tienen pero no por ello pierden el gusto de buscarlo, transitando y alimentando la emoción que nace de su nexo desde lo simple hacia lo simplemente complejo… buscar hasta perder el norte, y ahí, volver a encontrar: el viaje entre personas (Hito).

A menudo dependemos de elementos externos que facilitan nuestras vidas, hasta que estas cosas realmente terminan dirigiendo nuestras vidas. Pero, ¿qué sucede cuando perdemos esas cosas que damos tanto por sentado? esas cosas que sentimos como una extensión de nuestro cuerpo? ¿Qué sucede cuando perdemos los elementos materialistas? ¿Qué queda entonces?

Como humanos, siempre estamos buscando una dirección. Sin una dirección, estamos perdidos.

Una vez que lo perdemos, también perdemos nuestra dirección, lo que lleva a una sola opción: otra dirección. Perderse también es hermoso y muchas nuevas opciones se abren en el horizonte.