Público: General

Tiestes

Tiestes es una experiencia inmersiva creada por grumelot a partir del mito griego: parte instalación, parte pieza escénica, parte concierto electro acústico. En colaboración con el compositor José Pablo Polo, grumelot ofrece al espectador la posibilidad de sumergirse en un cuento de terror que explora los procesos de corrupción del alma y del gobierno y observa la proliferación del mal en el seno de una familia marcada por la fatalidad. La voz de una mujer guía a un reducido grupo de espectadores a través de la oscuridad en un viaje al centro del horror que permite al visitante espiar una conversación privada en un coche, bailar música electrónica en el reservado VIP de una discoteca, entrar en un jacuzzi, o ser testigo de un violento asesinato. Los espacios intervenidos por la ficción se despliegan ante el espectador, que puede explorarlos libremente desafiando las lógicas de la narrativa teatral clásica.

En colaboración con Meet You Valladolid y Teatro Calderón.

grumelot es una compañía de referencia en el panorama madrileño y nacional, cuyos trabajos se caracterizan por abordar materiales clásicos desde perspectivas contemporáneas y viceversa, por trabajar sobre textos de contemporaneidad rabiosa desde una formación clásica, creando un lenguaje propio a caballo entre lo teatral y lo performativo, que hace uso de las nuevas tecnologías para proporcionar al espectador experiencias complejas y excitantes. En la actualidad, grumelot son Carlota Gaviño, Javier Lara e Iñigo Rodríguez-Claro. Los tres miembros de la compañía ocupan posiciones diversas (dirigen, escriben, versionan, actúan…), en función de las necesidades y características específicas de cada proyecto. La investigación y la formación han sido desde su fundación pilares básicos de su labor. Desde 2010, Iñigo Rodríguez-Claro y Carlota Gaviño coordinan tanto talleres de creación para profesionales como proyectos pedagógicos estables dirigidos a formar a jóvenes actores y creadores.

Una producción de grumelot en colaboración con Comunidad de Madrid, Festival FITT_noves dramatúrges, Centro Conde Duque Madrid y Clásicos en Alcalá.

Espectáculo no adaptado para personas con problemas de movilidad.

Edad recomendada a partir de 16 años.

*Observaciones: el espectáculo utiliza luz estroboscópica en algunos pasajes; también incluye escenas con sonido de alto volumen y desnudos integrales.

La Bien Querida

Después de haber firmado aquella trilogía que fue “Premeditación, Nocturnidad y Alevosía” y de su último trabajo, “Fuego”, no debería extrañarnos que el sexto álbum en la carrera de Ana Fernández-Villaverde se llame “Brujería”. Pero el juego de espejos es radical. Porque “Brujería” es probablemente el disco en el que más abierta y claramente habla de sentimientos, donde las canciones tocan el misterio tangencialmente para entrar profundamente en la lírica y la épica. Un álbum sobre el amor, descarnado y a flor de piel, sin metáforas como a ella le gusta. Oscuro y luminoso en el que cada canción se encadena irremediablemente con la siguiente.

Un disco donde abundan los tiempos medios y lentos, canciones que se convierten en clásicos instantáneos como sólo Ana sabe hacer. Después del “Hechizo Protector” que nos lanza en el primer track, el muro de sonido de la tan cinematográfica “La Verdad” hace que se te erice la espina dorsal, en “Te Quiero”, te dejas llevar, como si fuera un vals, en “Déjame Entrar” comprobamos las influencias de Ennio Morricone y “¿Qué?”, es “Blue Monday” y “Just Like Heaven”, es la confusión, el no saber entender las señales. Entonces nos damos cuenta que cuando un recuerdo se construye no hay forma de distinguir lo verdadero de lo falso, pero también es el amor irreflexivo e inmaduro que todos y todas hemos sentido alguna vez.

Y sí, de nuevo hay colaboraciones estelares. A la batería Juan Pedrayes (CAROLINA DURANTE, AXOLOTES MEXICANOS); guitarras a cargo de Mario del Valle (CAROLINA DURANTE, AXOLOTES MEXICANOS), y Lucas Vidaur (AXOLOTES MEXICANOS, CONFETI DE ODIO); el chelo es de Lucía Palacio y los violines de Esther Muñoz. Y como no podía ser menos, David Rodríguez (LA ESTRELLA DE DAVID, BEEF) canta en “Déjame Entrar” y toca la guitarra en “Déjame Entrar”, “Me Envenenas” y “¿Qué?”; J (LOS PLANETAS) canta en “Domingo Escarlata” y “La Fuerza”, y Diego Ibáñez (CAROLINA DURANTE) lo hace en “¿Qué?”.

Archivo

Funciones del 17 al 28 de marzo – funciones a las 12.00, 12.30, 13.00, 13.30/16.00, 16.30, 17.00, 17.30, 18.00, 18.30, 19.00

(Lunes cerrado. Domingos solo horario de mañana).
Acceso al Museo por puerta principal.

Se entrará mediante invitación. Recogida de invitaciones en las taquillas del Teatro Calderón el mismo día que se quiera acceder al pase. A partir de las 10h. 

Una experiencia emocional que sumerge al participante en un archivo abstracto, una nube de fragmentos sonoros que nos habla del reduccionismo como método y los efectos inesperados que tienen nuestras acciones.
El sentido común nos dice que para resolver un problema complejo el primer paso es dividirlo en partes más sencillas.
Teóricamente esos problemas más sencillos serán más fáciles de resolver y así, poco a poco, llegaremos a una solución.

Es una herramienta útil para no abrumarnos frente a la magnitud de los retos que tenemos delante… pero no podemos dividir la realidad en cajitas.
Compartimentos estancos que no se ven afectados por los demás. Cajones que, si nos asustan al abrirlos, podemos cerrar y olvidarnos de ellos hasta más adelante.

Archivo es una experiencia poética en la que el participante experimenta el conflicto entre esta pulsión clasificatoria y una mirada global que nos reconoce como seres interdependientes, determinados al mismo tiempo por el solucionismo tecnológico, la teoría de juegos, la bachata o el romanticismo biológico…

En el centro de la sala, hay un gran bloque de archivadores. Parece que flote en la oscuridad, como un holograma… casi ciencia ficción.
Alrededor de este bloque, 4 personas uniformadas y con auriculares abren y cierran cajones, escrutando su interior, que no alcanzamos a distinguir. Mientras, otras cuatro personas dan vueltas a su alrededor.
Para nosotros son archiveros u oficinistas absortos en una danza sin sentido con un bloque de cajones.

Cada archivero, concentrado en su tarea, escucha a través de los auriculares una voz que acompaña el contenido de los cajones que manipula. Al abrir uno de ellos podría encontrarse un planeta girando en el espacio, al cerrarlo se abrirá otro en el que se encontrará, quizás, una habitación en miniatura. Circulando a través de una nube de fragmentos sonoros, irá descubriendo ciudades enteras o pequeños objetos banales y progresivamente irá siendo consciente de que sus acciones no son aisladas o autónomas.

Los cajones que abre, se cierran en el lado opuesto del bloque, y viceversa. La historia que está viviendo condiciona la de los demás, y la de sus compañeros la suya.

Archivo es una instalación de teatro inmersivo.

SERRUCHO es una compañía de teatro y es la manera que Ana, Raúl y Paadin han encontrado para contar los asuntos que quieren contar y de la manera que les gusta hacerlo. No están seguros de si es teatro porque nunca lo han hecho, porque no hay actores y porque nadie sabe lo que es el teatro pero ellos están a gustito ahí.

Swimming pools

A través de una serie de piscinas imaginadas, dispuestas como los niveles ascendentes de un videojuego retro, se desborda una secuencia de monólogos íntimos, todos ellos equilibrados sobre el fino filo que separa la revelación del delirio. A medida que nuestras protagonistas susurran y ejecutan sus confesiones a través de las voces y cuerpos de las 4 mujeres que habitan la escena, la piscina en sí misma vuelve a concebirse como una especie de utopía artificial, un paraíso en miniatura, un lugar lleno de prodigios estáticos y belleza de fábrica.
Luchando intrépidamente con los demonios particulares de principios del siglo XXI: capitalismo despiadado, masculinidad tóxica, aburrimiento cibernético y fatiga emocional, Swimming Pools es la nueva creación escénica de Sleepwalk Collective, una pieza psicodélica acerca del deseo y la melancolía, y de cómo parece que podríamos vivir juntos bajo el brillo cegador del futuro.
Swimming Pools es una co-producción de La Abadía de Madrid y el Teatro Calderón de Valladolid, y cuenta con el apoyo del Gobierno Vasco, del Battersea Arts Centre de Londres, el Centre Graner de Barcelona, el Arts Council England, y Shift Key – Europa Creativa.

Sleepwalk Collective es una premiada compañía internacional de arte en vivo y teatro contemporáneo que crea íntimas experiencias escénicas entre España y Reino Unido. La compañía crea piezas originales para teatros y espacios no convencionales que emergen de la fascinación que sienten sus miembros por la cultura popular y las complejidades de sus relaciones con otros, y con la tecnología. Sus piezas, hipnóticas y sensoriales, combinan textos e imágenes reflexivas y poéticas con un diseño sonoro y lumínico cautivador. Fundada en 2006 por iara Solano Arana (España), Malla Sofia Pessi (Finlandia) y Sammy Metcalfe (Reino Unido), trabajan actualmente entre Vitoria-Gasteiz (Euskadi), Madrid, y Reino Unido.
Hasta la fecha Sleepwalk Collective ha creado más de una docena de espectáculos para teatros, y un gran número de acciones y piezas escénicas experimentales en diversos formatos como inmersión, vis-a-vis, site-specific, o 24 horas.
Además de en España y Reino Unido, la compañía ha presentado su trabajo en países como Australia, Canadá, Alemania, Francia, Portugal, Italia, Polonia, Holanda, Austria, Kosovo, Bosnia&Herzegovina, Cuba, Brasil o México, y formado parte de la programación de prestigiosos teatros como El Teatro Español, Los Teatros del Canal o The Barbican, y reconocidos festivales internacionales como el Festival Internacional de Sydney (Australia), el Fringe Festival de Edimburgo, el Festival MESS de Sarajevo, o el Festival d’Avignon.
Sus premios incluyen Mejor Espectáculo y Mejor actriz de BE Festival, Birmingham 2011, Mejor Actriz de Skena Up Festival, Kosovo 2011 y Mejor Dirección Artística de Act Bilbao 2010, todos ellos concedidos por As The Flames Rose We Danced To The Sirens, The Sirens. Con su trabajo El Entretenimiento, Sleepwalk Collective ha sido nominada como mejor compañía emergente a los premios Total Theatre, y Arches Brick (Edimburgo 2012) y con su último espectáculo Kourtney Kardashian han sido nominados a los premios OFF West End Awards 2019 por su contribución a la innovación escénica.
Actualmente combinan la creación con la gestión cultural y el comisariado, así como con otras actividades formativas, y acompañando los proyectos escénicos de jóvenes artistas emergentes, acciones por las que han recibido el Premio a las Buenas Prácticas 2019 en el ámbito de creación y juventud, por el Ayuntamiento de Vitoria-Gasteiz.
Sleepwalk Collective es compañía residente de la Sala Baratza Aretoa de Vitoria-Gasteiz, artistas asociados al Teatro de La Abadía de Madrid y colaboradores habituales de Teatro de La Abadía. Sus textos dramáticos han sido publicados por Oberon Books y sus ensayos teóricos han sido incluidos en DIY, DIY Too, y en The Twenty-First Century Performances Reader, junto con artistas de la talla de Jérôme Bel, Ontroerend Goed, Needcompany o Rimini Protokol.

Mio Cid

El Cantar de Mio Cid es el mayor poema épico de la literatura hispánica. Es un poema anónimo, de tradición oral, dividido en tres cantos, que narra las hazañas acontecidas a Rodrigo Díaz de Vivar en el siglo XI.

La transmisión original del Cantar situaba al juglar frente a su público y, mediante su palabra, lo transportaba a vivir con el héroe los derroteros de su historia. El desarrollo de la narración es propiamente una acción del juglar; su forma de contar da calidad al ritmo y a la fisonomía del poema.

La primera vez que yo me aproximé al Cantar del Mio Cid, lo hice bajo la ayuda y la vigilancia de mi colega en la Real Academia Española, Inés Fernández Ordóñez. Para esa lectura en vida que hicimos en el marco de la conmemoración de los 300 años de la RAE, aprendí a emitir los sonidos de nuestra lengua medieval y, también, a relacionarme con las palabras altamente configuradas y poéticas de este texto. También pude percatarme de que la lectura moderna del Cantar del Mio Cid, que hoy es individual y silenciosa, distorsiona la recepción para la que el texto fue creado.

Con este espectáculo pretendo devolver a Mio Cid su verdadera naturaleza y deseo que, con mi trabajo de juglaría, ustedes logren apreciar plenamente el sentido con el que fue concebido. Cuanta más vida portan las palabras del juglar, más recuerdo al maestro ruso que me lo dejó bien dicho: no hables para que el espectador oiga, habla para que vea.

José Luis Gómez

Explore el jardín de los Cárpatos

Una mirada hacia el turismo para preguntarse por los viajes masivos, por los sistemas que han permitido con toda impunidad la corrupción de los paisajes que han desaparecido tras bloques de apartamentos vacacionales, o por la trayectoria de la «Marca España» y su huella en nuestra identidad desde el franquismo hasta la actualidad. ¿Seremos capaces de reinventar los viajes y el turismo? Se lo preguntan los y las integrantes de José y sus Hermanas en un trabajo que se inicia de nuevo con un proceso de documentación y que continúa con la elaboración de una serie de cápsulas que son la base del trabajo de la compañía. En él exploran los conceptos de verdad y ficción mediante el uso de un lenguaje multidisciplinar que abarca desde los cuerpos de los artistas hasta la música, pasando por el vídeo y el texto, en un dispositivo escénico híbrido donde la realidad y el mundo digital se combinan más que nunca, contribuyendo a crear un relato diferente sobre el turismo.

La realidad

Cuando se abren las puertas y el público entra en La realidad, está entrando en el espacio del relato fragmentado.

La realidad está compuesta por cientos de fragmentos: textos, fotografías, vídeos, experiencias sensoriales, realidad aumentada, acciones representativas. La realidad lo abarca todo: la instalación, la performance, lo teatral, lo narrativo, lo filosófico y lo poético… la inmensidad del cosmos, la configuración arquitectónica de los núcleos urbanos, la cibereconomía, la posverdad, los libros prohibidos, el biohacking, la esclavitud universal, la mitología griega, la deep web, la estupidez, el cinismo humano, el tráfico de drogas, el barroco español, la realidad virtual, la moralidad de nuestros ritos cotidianos…

La dramaturgia del espectáculo se vertebra mediante una generación de links y conexiones inmediatas entre la infinidad de fragmentos que lo componen.

La realidad se convierte así en un registro histórico, un muestrario del proceso humano, un gabinete de maravillas moderno lleno de relatos dentro del relato, historias abismadas, ramificaciones, rizomas, perspectivas…un suceso escénico polifónico en el que conviven lo fáctico con lo ficticio, lo sucedido con lo imaginado; pasado, presente y futuro.

Feminismo para torpes

feminismo para torpes

Feminismo para torpes es una caja de herramientas, una “clase de defensa personal” para enfrentarse a un mundo mal repartido, una conferencia desquiciada, un espectáculo a medio camino entre el monólogo de humor, el teatro y la confesión personal.

Su autora, Nerea Pérez de las Heras, ha sido una perra de presa del patriarcado, si vienes averiguarás por qué, y quiere resarcirse. Lo hace exponiendo las miserias e injusticias de la estructura patriarcal y las suyas propias mientras dirige en escena a una actriz (Laura Jabois) y un actor (Luis Miguel Ríos) que encarnan los grandes estereotipos, pequeñas violencias y constantes desigualdades arbitrarias que nos acompañan desde que nacemos.

Feminismo para torpes va mutando en cada show para acompañar a una actualidad cada vez más abrumadoramente absurda. En serio, ven, te vas a reír. Y si puedes trae a esa persona de tu entorno que sigue diciendo que “ni machismo ni feminismo”, le garantizamos la jaqueca de su vida.

Mellizo doble

Niño de Elche canta. Israel Galván baila. Normalmente la experiencia del flamenco aparece como humana, demasiado humana. Sin embargo, cuando arde el teatro y la piel y la carne se consumen vemos debajo el esqueleto de dos máquinas. Hay precedentes: la máquina de trovar del joven Meneses, el baile con motores de Vicente Escudero, las imágenes concretas de Val del Omar. En realidad, el flamenco es hijo de la era de las máquinas y empezó con el motor de vapor, la fábrica de textiles y el ferrocarril, acompañante a contrapelo de la revolución industrial. Por eso el malentendido entre texto y acontecimiento: donde el público ve espontaneidad hay un lenguaje estricto y reglado. Esta emoción solo es capaz de producirla una máquina. Y esa es la idea, hacer bailar al público no es otra cosa que introducirlos, hacerlos participe de la maquinaria del concierto. En competencia abierta con la técnica, como hizo Escudero con las dos dinamos eléctricas, se trata de eso, de demostrar que la sangre, el sudor y las lágrimas también son una experiencia cyborg, afectos que comparten humanos y máquinas.

Pedro G. Romero

C@ndido: Taller de creación escénica expandida a partir de la novela de Voltaire

Inscripción: 15 de marzo al 7 de abril. Mandando un correo a meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto Taller C@ndido, indicando nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en el taller.

12 al 17 de abril: 16:30h-20:30h

Impartido por Pepa Gamboa + Alex Peña.

C@NDIDO, o el optimismo, es la novela filosófica de Voltaire que narra las historias de un personaje que va rebotando de una peripecia dramática a otra, casi siempre con un final dramático o incluso trágico. Pero el protagonista se aferra al precepto las teorías leibizianas que le promulga su tutor, el filósofo Pangloss, de que «todo sucede para bien en este, el mejor de los mundos posibles», de ahí el subtítulo “ o el optimismo”. La narración hace un “muestreo general de los horrores del S. XVII” ofreciendo un punto de vista casi contra-natura.

En este taller práctico de creación la directora Pepa Gamboa y el creador escénico Alex Peña proponen indagar por los múltiples formatos posibles que pudieran surgir para poner en pie conceptos, capítulos o mundos diversos desde C@NDIDO y la linea filosófica que sostiene la novela.

Para ello proporcionarán recursos no solo para una posible puesta en escena normativa, sino también para posibles consecuciones que pudieran tomar forma de poesía visual estática o participativa, recursos virtuales, objeto artístico, teatro inmersivo o instalación. Se trabajaran también conceptos como lo performativo, la narrativa transmedia, el trabajo de archivo o las infinitas líneas conceptuales y procesuales que pueden surgir desde cualquier elemento dramático o de contexto.

Los recursos ofrecidos durante la experiencia tienen el fin de ofrecer una visión aperturista sobre la labor dramática ampliando su campo de ejecución sin olvidar que algunos de los recursos expuestos fomentan creaciones válidas para momentos complicados como los vividos por la pandemia de la COVID 19.

El taller concluirá con el volcado de material desarrollado durante el mismo ya sea en forma de archivo o de exhibición en vivo.

El taller está dirigido a creadorxs, directorxs e intérpretes escénicos con expectativas de ampliación de campos y conceptos de la creación contemporánea y nuevas narrativas.

Pepa Gamboa:

Cursa estudios de Dirección Escénica en la RESAD de Madrid. En 1985 crea la compañía de teatro El Traje de Artaud junto a artistas plásticos como Pedro G. Romero, Federico Guzmán, Alonso Gil y Victoria Gil.

Entre 2010 y 2020 dirige, entre otros espectáculos, 25 años menos un día, de Antonio Álamo, producida por el Teatro español de Madrid; Lear, versión propia de la obra de W. Shakespeare El rey Lear; la ópera La tragédie de Carmen, de Peter Brook y Jean Claude Carriere y El festín de Babette, de Karen Blixen, en versión de Antonio Álamo, ambos para el Teatro Calderón de Valladolid. Yo no sé la edad que tengo, de Jose Luis Ortiz Nuevo; Bajo el ala del sombrero, espectáculo teatral y musical para el cantaor Juan Valderrama; Fuenteovejuna, de nuevo con mujeres de etnia gitana del Vacie; Los empeños de una casa, de Sor Juana Inés de la Cruz, en colaboración con el director Yayo Cáceres, para el Centro Nacional de Teatro Clásico; La pasión de Yerma, versión de Lola Blasco de Yerma, de F. G. Lorca, que interpretada por María León se estrenó en febrero de este año en el Centro Federico García Lorca de Granada y En palabras de Jo…Mujercitas, estrenada en Teatro Español.

Alex Peña: 

Alex Peña, en paralelo a su carrera como actor en el teatro normativo, ha generado un lenguaje propio donde proyecta libremente sus ideas entre la intervención, el objeto, la aplicación, la edición, la performance o las narrativas transmedia.

En la actualidad trabaja en varios proyectos propios que rondan la descontextualización de sus propias bases artísticas de línea dramática en forma de instalación como, Hamlet Vending Machine, Deconstrucción de la casa de Bernarda Alba o Recreativos Federico.

Esta serie de trabajos en torno a la escena los ha recogido bajo el término EXO-drama.

En el marco del confinamiento a causa de la COVID`19 desarrolló junto a Alberto Cortés y Rosa Romero “ESTACIÓN ESPACIAL” como producción del teatro de La Abadía y tras la apertura de las instalaciones ha estrenado la pieza ELIPSIS junto a Daniel Alonso y desarrollado durante el verano de 2020 una residencia artística culminada con la pieza en exhibición colectiva C3A. Pasión Infinita.