Chico Blanco

Se accederá mediante invitación. Recogida de invitaciones a partir del 27 de mayo (hasta completar aforo) en horario de taquilla. Dos invitaciones por persona.

27 y 28 mayo: de 10 a 14h y de 17 a 20h

29 mayo: de 17 a 20h

30 mayo: de 17 a 19h

 

DJ: 8kitoo

Chico Blanco recupera géneros como el house de los 90, el eurodance o el UKgarage para cruzarlos con el ADN de la música urbana actual. La sensación tras escuchar por primera vez canciones como «WTF Is In My Cup”, “No ValeNa” o “Gominola” es la de estar ante algo totalmente nuevo. Sus letras reflejan el espíritu de una generación que solo quiere «bailar bajo la luz de discoteca» como escape al mundo casi distópico en el que vivimos. Baile y letras tan crudas como llenas de positivismo definen a un artista único.

Corpus

Xavier Bobés:

Creador escénico. Se define como autodidacta. Apasionado de la poética de los objetos, investiga
desde hace más de diecisiete años con todo tipo de objetos cotidianos. Colabora con otros creadores asesorando procesos de investigación y escritura objetual. Profundiza en la búsqueda de contenido simbólico y teatral de los objetos y de todo aquello aparentemente banal. Y esto lo hace mediante la creación, el ensayo y la docencia.

Corpus propone el encuentro entre una pieza escultórica, un manipulador de objetos y un músico. Corpus es también un viaje entre un hombre y su forma, un diálogo imposible deshaciendo las horas de una vida, retrocediendo caminos, empequeñeciendo para desaparecer de nuevo. Con el deseo de que el silencio y la quietud desplieguen su elocuencia.

Una coproducción del Auditori de Barcelona y Los Teatros del Canal de Madrid. Con el apoyo de l’Animal a l’Esquena y Azala. Con el apoyo de la Generalitat de Catalunya.

El titiriscopio

26 y 27 mayo: pases de 17 a 21h cada 30 minutos. 

Se accederá mediante invitación. Recogida de invitaciones a partir del 18 de mayo (hasta completar aforo) en horario de taquilla. Dos invitaciones por persona.

De martes a viernes: de 10 a 14h y de 17 a 20h

Sábado y domingo: 17 a 19h

(Lunes 24 mayo: taquilla cerrada)

 

EL PROYECTO CON EL I.E.S. “Vega del Prado”, Valladolid.
En la primera semana de marzo daremos un taller a los 33 alumnos que cursan la asignatura ANIMACIÓN 3D, JUEGOS Y ENTORNOS INTERACTIVOS en el IES Vega de Prado, con los que trabajaremos la técnica del TITIRISCOPIO y todos juntos generarán nuevos elementos digitales para proyectar en escena con el Sistema Holográfico colaborando también en la concepción dramatúrgica
partiendo de un tema: La Declaración Universal de los Derechos Humanos de Naciones Unidas.
La muestra final de este trabajo tendrá lugar en el Teatro Calderón.

PROYECTO EDUCATIVO CON TITIRISCOPIO a través del programa Aula-Empresa de CYL.

Es un dispositivo que evolucionamos desde las cajas mágicas o LAMBE- LAMBE y que utiliza en su interior todos los medios escénicos de los grandes teatros (iluminación, sonido, escenografía, tramoyas…a la par que adopta nuevas tecnologías que sorprenderán a los espectadores, como es el SISTEMA DE PROYECCIÓN DE HOLOGRAMAS. El TITIRISCOPIO permite la interacción en escena de los diferentes tipos de títeres (varilla, hilo, guante…) con el sistema de proyección de hologramas y ambos con el actor/manipulador que trabaja dentro del aparato. Se representan piezas de títeres de entre 5 y 10 minutos cada una que podrán ser visionadas por un máximo de 8 espectadores y con guiones adaptados a las diferentes edades.

La naturaleza y su temblor

El grupo de artistas que nos reunimos para esta producción pretendemos cuestionar y reflexionar sobre las veladuras a través de las cuales se reproduce y multiplica la visibilidad, la representación y se consumen la información y la experiencia hoy en día. Son veladuras opacas, tupidas que niegan la posibilidad de imaginar la vida detrás de ellas.

La naturaleza y su temblor es un mecanismo de intervención site-especific, un paseo-visita pausado a la realidad que a partir de las herramientas del teatro, el cuerpo, el pensamiento y el cine quiere revelar desvelando otra realidad, despertando en el espectador posibilidades de percepción que le hagan mirar, descifrar y comprender de otra forma, invitándole a adentrarse en su fantasmagoría.

La pieza consiste en un paseo a pie a determinar en cada ciudad donde los espectadores perciben la realidad a través de su observación y de lo que oyen y perciben a través de unos cascos que llevan. Durante todo el recorrido se realizan diferentes paradas en espacios predeterminados tanto exteriores como interiores (casas, almacenes..).

Agradecimientos:

Oficina de Turismo de Valladolid

Café del Norte (Valladolid)

 

Santificarás las (otras) fiestas: taller de movimiento y escena

Fecha inscripción: 15 marzo al 19 abril 

Para inscribirte en este taller, deberás mandar un correo a meetyou@tcalderon.com poniendo en
el asunto en nombre del taller. En el mail deberás indicar: nombre completo, edad, teléfono y unas
breves líneas explicando tu motivación para participar.

27 al 30 de abril: 17 a 21h 

Soy Alberto Cortés (no soy el cantante). Inicié mi formación como director y dramaturgo en Málaga. Estoy en la escena porque la detesto y en esa guerra encuentro mi lugar. En 2009 comencé mi camino en
lo escénico desde la dirección y la dramaturgia bastarda y se ha ido transformando con los años en un proceso largo de asalvajamiento desde la periferia andaluza. Sigo sosteniendo mis ganas de continuar porque tengo esperanza en lo innombrable, lo intangible y lo humano. A día de hoy desarrollo mi identidad siendo creador, director, dramaturgo, acompañante, performer, docente, hijo, tío, amante, amigo.

SANTIFICARÁS LAS (OTRAS) FIESTAS es un laboratorio que busca generar espacios fiesteros seguros y sagrados para identidades disidentes, cuerpos y pensamientos discordantes. En esta fiesta la búsqueda del Espíritu parte del folclore y la música club, las dos raíces que pueden situarnos en la tierra pero elevarnos al mismo tiempo. Mientras que la música club ha sido un lugar siempre habitado por maricas, bolleras y no binarios, el espacio de lo folclórico ha jugado con las identidades queer desde el lugar de la discreción. La tradición, que es madre del folclore, ha dejado en la cuneta a todos estos cuerpos que han tenido que acercarse al folclore desde la parodia, la burla o el secundario. Sin embargo el campo del folclore está plagado de identidades queer, muchas han abierto un camino cuando parecía imposible para que nuestro sendero sea hoy mucho más ancho. Ni la música club ni el folclore han encontrado todavía la forma de santificar las otras fiestas. Que vuelva la fiesta, claro. Pero ¿cómo queremos que regrese? ¿Queremos que vuelva la misma fiesta que nos dejó? La fiesta sí, pero otra fiesta. Imagino algo que se expande, que ilumina, que tiene que ir mucho más atrás en el tiempo, a los lugares que dieron a la fiesta un sentido creativo primigenio, donde estaban los cuerpos pero estaban sobre todo los espíritus, donde el encuentro era un peligro. Y donde las discotecas, esos espacios mercantilizados por la cultura heteropatriarcal y homonormativa, no eran los santuarios. Los santuarios pueden y deben ser otros.
El taller está orientado a todos aquellos cuerpos que se sientan llamados a redefinir la fiesta desde lo queer y lo espiritual, desde el tecno y el folclore. Cuerpos con ganas de bailar, claro.

Haz que pase: taller de creación de la idea a la escena

Fecha inscripción: 15 de febrero al 3 de marzo.

Inscripciones: para inscribirte en este taller, deberás mandar un correo a meetyou@tcalderon.com poniendo en el asunto en nombre del taller. En el mail deberás indicar: nombre completo, edad, teléfono y unas breves líneas explicando tu motivación para participar en dicho taller.

15 al 17 de marzo: 16 a 21h 

Destinatarios: taller dirigido a actores, actrices, bailarinxs, directorxs, y dramaturgxs.

Impartido por Andrea Jiménez y Noemí Rodriguez

Con frecuencia resulta absolutamente aterrador dar los primeros pasos para llevar a cabo una idea y empezar a materializarla escénicamente. En este taller Andrea Jiménez y Noemi Rodríguez ambas directoras y dramaturgas de la multipremiada compañía de teatro Teatro En Vilo te proponen
dar esos primeros pasos hacia una propuesta escénica propia. Durante estos tres días los objetivos fundamentales serán que los participantes desde su área de especialidad encuentren un lugar de libertad para la creación escénica y un impulso para el desarrollo de su personalidad creadora. Para ello se pondrán a disposición de los participantes disparadores para empezar a dar forma a las ideas de lxs creadorxs, juegos y ejercicios útiles para fomentar la creatividad grupal e individual, se desarrollarán
improvisaciones y ejercicios de escritura, se compartirán herramientas dramatúrgicas para la creación y organización de material escénico y la acción dramática y se analizarán principios escénicos que tienen que ver con la organización del espacio y el tiempo. Al final del taller en este contexto de juego y encuentro con otros creadores cada participante podrá volcar sus recursos e ideas en el inicio de un trabajo (texto, escena, composición de movimiento, etc.) que esté interesado en desarrollar.

Generación perdida + miedo perder(-nos)

Entrada mediante invitación. Se recogerán las invitaciones una hora antes del espectáculo en Espacio Joven Norte. Hasta completar aforo. 

La búsqueda en Internet del concepto Generación Perdida muestra varios resultados. La generación de escritores estadounidenses que vivieron en Europa hace un siglo. Veinte entradas de prensa cuyo titular encabeza la falta de esperanza de la juventud bajo estas dos palabras. Y, por último, cuatro canciones de trap, que nos sumergen, a ritmo de 140 BPM, en la falta de futuro, el brillo de las pantallas y la metamodernidad.

La narración se plantea desde una autoficción generacional inspirada en el testimonio de quienes han nacido después de las olimpiadas de Barcelona 1992. Hemos crecido con internet, esta herramienta ha construido nuestros conocimientos, deseos, ideologías, relaciones y afectos.  La unificación sociocultural que hemos vivido en el s.XXI gracias a la creación de internet y el neoliberalismo han concebido un nuevo sujeto político. Pienso en un nuevo concepto de humano, articulando las redes sociales como analogía de los pecados capitales contemporáneos.

La propuesta escénica parte de la tensión existente entre el pensamiento individual y la acción colectiva. Esto se traduce en la transducción de retos virales en la escena. Según lo propuesto por Dolezel se entiende la transducción como un objeto que, por el hecho mismo de ser transmitido es también transformado como consecuencia de la interacción con el medio a través del cual se manifiesta. Aquí los retos virales son el detonante dramatúrgico para articular una autoficción colectiva construida en la tensión existente entre el plano digital y real.

Álvaro Caboalles (Ponferrada, León, 1994). Artista e investigador en creación escénica contemporánea. Como creador sus intereses se centran en las artes vivas, bajo los condicionantes de género, la herencia cultural y la condición de sujeto político dentro de la sociedad actual. En sus trabajos hace una especial atención a los conceptos relativos al détournement, lo digital, lo performativo y lo (re-)presentable situándose en los límites de las artes y las expansiones y periferias de lo escénico.Sus propuestas se han visto en el Museo Carmen Thyssen de Málaga, Teatro Calderón de Valladolid, Campos Elíseos de Bilbao, Bergidum de Ponferrada, Sala Amadís-INJUVE de Madrid o CICUS de Sevilla.

Man-up

Con este nuevo espectáculo las directoras de Teatro en Vilo se proponen el reto de desenmascarar el relato tradicional de la masculinidad y sus referentes a través de la ironía, la irreverencia y el humor absurdo. En un momento en el que los códigos masculinos tradicionales han quedado obsoletos y los nuevos están todavía por elaborar, Man Up quiere ser un espacio desde el que cuestionar las suposiciones culturales sobre qué significa ser un hombre y un lugar desde el que imaginar nuevas maneras de serlo. En escena, seis actores se lanzarán a representar un gran carnaval de la masculinidad, jugando a deconstruir, reconstruir o destruir los referentes culturales que rigen los estándares de la hombría; a la vez que reflexionan sobre su lugar en el mundo y su propia identidad.

MAN-UP es una divertida y ácida comedia donde las directoras de Teatro En Vilo se proponen el reto de desenmascarar el relato tradicional de la masculinidad y sus referentes a través de la ironía, la irreverencia y el humor absurdo. En un momento en el que los códigos masculinos tradicionales han quedado obsoletos y los nuevos están todavía por elaborar, Man Up quiere ser un espacio desde el que cuestionar las suposiciones culturales sobre qué significa ser un hombre y un lugar desde el que imaginar nuevas maneras de serlo. En escena, seis actores se lanzarán a representar un gran carnaval de la masculinidad, jugando a deconstruir, reconstruir o destruir los referentes culturales que rigen los estándares de la hombría; a la vez que reflexionan sobre su lugar en el mundo y su propia identidad.
Teatro en Vilo acaba de recibir el PREMIO OJO CRÍTICO DE TEATRO (RNE). Es una de las compañías más interesantes de la nueva creación teatral, avaladas por sus creaciones anteriores: Interrupted, Generacion Why, Locxs de amor, ganadoras de múltiples premios, recibiendo unas críticas maravillosas por sus creaciones.

En 2013 fundan la compañía que actualmente, funciona como plataforma para colaboraciones internacionales e interdisciplinares entre creadores de escena, artistas e investigadores provenientes de países de todo el mundo. La compañía persigue un constante diálogo con su entorno social, político y personal, lo que le obliga a renovar constantemente su lenguaje escénico. Desde sus espectáculos y formaciones la compañía busca situarse en la delgada línea que separa el teatro de la vida y la ficción de la realidad. Combinando lo improvisado y lo coreográfico, lo grotesco y lo autobiográfico, el humor absurdo y la comedia gestual, la ternura y la irreverencia, Teatro En Vilo se ha lanzado a la apasionante aventura de intentar desentrañar el tiempo en que vivimos.

 

Hito

Se accederá mediante invitación. Recogida de invitaciones (una por persona) en Andén 47 una hora antes del comienzo del espectáculo. Aforo muy limitado. 

Dos personas prestando y atendiendo a lo que les asemeja, buscando algo, algo que ya tienen pero no por ello pierden el gusto de buscarlo, transitando y alimentando la emoción que nace de su nexo desde lo simple hacia lo simplemente complejo… buscar hasta perder el norte, y ahí, volver a encontrar: el viaje entre personas (Hito).

A menudo dependemos de elementos externos que facilitan nuestras vidas, hasta que estas cosas realmente terminan dirigiendo nuestras vidas. Pero, ¿qué sucede cuando perdemos esas cosas que damos tanto por sentado? esas cosas que sentimos como una extensión de nuestro cuerpo? ¿Qué sucede cuando perdemos los elementos materialistas? ¿Qué queda entonces?

Como humanos, siempre estamos buscando una dirección. Sin una dirección, estamos perdidos.

Una vez que lo perdemos, también perdemos nuestra dirección, lo que lleva a una sola opción: otra dirección. Perderse también es hermoso y muchas nuevas opciones se abren en el horizonte.

Tiestes

Tiestes es una experiencia inmersiva creada por grumelot a partir del mito griego: parte instalación, parte pieza escénica, parte concierto electro acústico. En colaboración con el compositor José Pablo Polo, grumelot ofrece al espectador la posibilidad de sumergirse en un cuento de terror que explora los procesos de corrupción del alma y del gobierno y observa la proliferación del mal en el seno de una familia marcada por la fatalidad. La voz de una mujer guía a un reducido grupo de espectadores a través de la oscuridad en un viaje al centro del horror que permite al visitante espiar una conversación privada en un coche, bailar música electrónica en el reservado VIP de una discoteca, entrar en un jacuzzi, o ser testigo de un violento asesinato. Los espacios intervenidos por la ficción se despliegan ante el espectador, que puede explorarlos libremente desafiando las lógicas de la narrativa teatral clásica.

En colaboración con Meet You Valladolid y Teatro Calderón.

grumelot es una compañía de referencia en el panorama madrileño y nacional, cuyos trabajos se caracterizan por abordar materiales clásicos desde perspectivas contemporáneas y viceversa, por trabajar sobre textos de contemporaneidad rabiosa desde una formación clásica, creando un lenguaje propio a caballo entre lo teatral y lo performativo, que hace uso de las nuevas tecnologías para proporcionar al espectador experiencias complejas y excitantes. En la actualidad, grumelot son Carlota Gaviño, Javier Lara e Iñigo Rodríguez-Claro. Los tres miembros de la compañía ocupan posiciones diversas (dirigen, escriben, versionan, actúan…), en función de las necesidades y características específicas de cada proyecto. La investigación y la formación han sido desde su fundación pilares básicos de su labor. Desde 2010, Iñigo Rodríguez-Claro y Carlota Gaviño coordinan tanto talleres de creación para profesionales como proyectos pedagógicos estables dirigidos a formar a jóvenes actores y creadores.

Una producción de grumelot en colaboración con Comunidad de Madrid, Festival FITT_noves dramatúrges, Centro Conde Duque Madrid y Clásicos en Alcalá.

Espectáculo no adaptado para personas con problemas de movilidad.

Edad recomendada a partir de 16 años.

*Observaciones: el espectáculo utiliza luz estroboscópica en algunos pasajes; también incluye escenas con sonido de alto volumen y desnudos integrales.