Público: General

Compañía Nacional de Danza – NumEros

La Compañía Nacional de Danza, bajo la dirección artística de Muriel Romero, presenta el programa NumEros compuesto por Serenade de George Balanchine, Echoes from a Restless Soul de Jacopo Godani y Playlist (Track 1, 2) de William Forsythe. Tres obras de tres creadores imprescindibles de la danza contemporánea:

Serenade fue el primer ballet que creó Balanchine en Norteamérica y lo hizo para la Escuela del American Ballet. Creado con la música de Serenata para cuerdas en do mayor de Tchaikovsky, si bien el tercer y cuarto movimiento de la partitura están cambiados de orden, constituye un significativo ejemplo del personalísimo estilo del creador ruso-norteamericano.

No existe argumento, en palabras del propio Balanchine “el ballet cuenta su historia de manera musical y coreográfica, sin recurrir a ninguna narración ajena”. Quizás, en lo que a significado se refiere, podría apuntar a un pensamiento de Balanchine: “cada hombre va con el destino a sus espaldas; se encuentra a una mujer, la ama, pero el destino ya tiene otros planes”.

Serenade expresa el ritmo, dinamismo y las tonalidades de la música.

Una sencilla escenografía de tonos azules sirve de marco a los movimientos rítmicos, precisos y solo aparentemente narrativos de los cinco solistas y veinte bailarines del cuerpo de baile que Balanchine pone en escena. Sus encuentros y desencuentros, su interacción, cruzada o simétrica, componen una serie sucesiva e ininterrumpida de escenas en las que se percibe un romanticismo puro, muy sutil y plenamente acorde con el carácter neoclásico del estilo Balanchine.

Es la primera coreografía que Patricia Neary, considerada “bailarina típica” de Balanchine montó en España.

Creada especialmente para doce bailarines del English National Ballet, Playlist (Pistas 1, 2) fue la primera creación de William Forsythe para una compañía de ballet del Reino Unido en más de 20 años. Con música neo-soul y house, Playlist (Pistas 1, 2) se estrenó como parte del proyecto Voices of America en 2018.

William Forsythe, conocido por su innovador enfoque en la danza contemporánea y su capacidad para desafiar las convenciones del ballet clásico, estrenó en 2018 esta coreografía basada en la idea de una «lista de reproducción» en la que se utilizan diferentes estilos y movimientos para crear un collage dinámico y diverso.

Playlist destaca por su fusión de elementos de la danza clásica y la danza contemporánea, mostrando la versatilidad y el rango técnico de los bailarines.

Forsythe es famoso por su habilidad para jugar con el espacio y la estructura, y Playlist no es una excepción; la obra presenta una rica interacción entre el movimiento y el entorno, así como una exploración del tiempo y el ritmo. Además, en Playlist, Forsythe incorpora elementos de improvisación, lo que permite a los bailarines expresar su individualidad dentro de la coreografía. Esto crea una experiencia única en cada representación, manteniendo al público intrigado y comprometido.

La música juega un papel crucial en esta obra, ya que se seleccionan piezas que complementan y contrastan con los movimientos de los bailarines, creando un diálogo entre sonido y cuerpo.

Ecos de un alma inquieta está ambientada en Le Gibet y Ondine, ambas del tríptico Gaspard de la Nuit, una composición para piano solo escrita por Maurice Ravel en 1908. La base de esta obra maestra es un poema francés anterior de Aloysius Bertrand. En una creación de increíble virtuosismo, Ravel da vida a los poemas de Bertrand, empleando una innovadora técnica pianística dentro de una forma clásica. Los elementos coreográficos de Ecos forman un hilo conductor, fundiéndose en una atmósfera que trasciende el tiempo y el espacio. En esta inquietante extrañeza, Godani y la compañía ofrecen una serie de pas de deux y cuartetos que describen un panorama de virtuosismo artístico. A través de ellos, se presentan intrincadas e infinitas combinaciones de una relación formal: el pas de deux. Godani realza el movimiento con zapatillas de punta, a la vez que crea una notable libertad dentro de ciertos parámetros estéticos, propios de un enfoque más clásico.

SERENADE

Coreografía: George Balanchine © The George Balanchine Trust

Música: Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1893). Serenata en Do mayor para orquesta de cuerda, Op. 48

Maestra Repetidora: Colleen Neary

Diseño de vestuario: Karinska

Duración: 32 minutos

ECHOES FROM A RESTLESS SOUL – Jacopo Godani

Coreografía: Jacopo Godani

Música: Maurice Ravel Gaspard de la nuit

Diseño de iluminación y vestuario: Jacopo Godani

Asistentes coreográficos: Vincenzo de Rosa, Zoe Lenzi

Duración: 23 minutos

Estreno por la Compañía Nacional de Danza en el Teatro de la Zarzuela, el 11 de diciembre de 2025.

PLAYLIST (Track 1, 2)

Coreografía: William Forsythe

Música: Peven Everett: Surely Shorty / Lion Babe: Impossible (Jax Jones remix)

Duración: 10 minutos

Panorama desde el puente

Arthur Miller centró la trama de Panorama desde el puente en la ciudad de Nueva York en la década de 1950. Mostraba la migración italiana, que soñaba con vivir en el país de las oportunidades.

El sueño americano es también el que ilumina hoy a tantos hispanos que viven en Nueva York. De alguna manera también venezolanos, peruanos, mexicanos, ecuatorianos y otros muchos hispanos vienen a España con la esperanza de encontrar mejores condiciones de vida que en sus países de origen.

En mi opinión, Miller nos plantea un drama amoroso y familiar trágico, donde el deseo reprimido de Eddie Carbone por su sobrina Catherine desencadena celos, obsesión y traición. Su rechazo a la relación de Catherine con Rodolfo (migrante italiano primo de su mujer, que vive en su casa) es más emocional que racional, llevándolo a actos destructivos como denunciarlo ante Inmigración. El amor fraternal de Marco por su hermano Rodolfo también juega un papel clave, enfrentándolo a Eddie. La obra muestra cómo el amor prohibido y los celos chocan con las normas sociales, provocando la caída del protagonista y sellando su trágico destino.

La obra de Miller plantea interrogantes y no propone soluciones. Creo que es el momento de mostrar Panorama desde el puente al público contemporáneo. Una obra de proyección internacional, dirigida por el estadounidense nacido en Puerto Rico Javier Molina, co director artístico del Actors Studio.

Eduardo Galán

UNA PRODUCCIÓN DE SECUENCIA 3 CON TEATRO CALDERÓN DE VALLADOLID, TAL Y CUAL PRODUCCIONES, EL TERRAT – THE MEDIAPRO STUDIO, ESARTE, GRUPO LUCHANA, GARCÍA – PÉREZ PRODUCCIONES, LILICAR FILMS, HAWORK STUDIO, MAGASAZ y CARLOS ARANA (BROADWAY).

Personas, lugares y cosas

Emma es actriz. Está en escena actuando el personaje protagonista de “La gaviota”. Va muy drogada. “A mí habría que matarme” dice. Porque lo pone el texto, pero también porque lo piensa. Y unos instantes después, colapsa. Emma, Nina y todo. Ahí empezará su viaje hacia la recuperación. Ahí empieza Personas, lugares y cosas. Los días en la clínica de desintoxicación, junto al grupo de profesionales y pacientes, serán el marco en el que Duncan Macmillan desplegará este viaje hacia el corazón del trauma, en la búsqueda por sanar la herida. ¿Cómo volver a estar aquí, después de tanto querer irse? En la obra no hay certezas pero sí un acción sostenida: la de escuchar. Escuchar a los otros, dejar de mirarse por un rato. Y así, verse mejor. Saberse parte de un grupo que conoce tanto del placer como del sufrimiento. “Estoy aquí. Estás aquí. Estamos aquí” dice Emma. Y algo del dolor se calma al saberse cerca.

Coproducción entre Mogambo y Teatro Español.

Con la colaboración del Teatro Calderón de Valladolid.

Mamma Mia!

MAMMA MIA! El Musical, está basado en los 23 grandes éxitos de ABBA, como «Dancing Queen», «Gimme Gimme Gimme», «Chiquitita» y «The Winner Takes It All», entre otros. Es un maravilloso homenaje a las madres y a sus hijas, al amor y a los viejos amigos. Una comedia musical con la que no podrás evitar cantar y bailar. Esto lo convierte en el espectáculo perfecto para todo tipo de edades y público, para disfrutarlo en pareja, en familia o con amigos. Está producida por ATG Entertainment, responsable de otros grandes éxitos como Billy Elliot, Priscilla Reina del Desierto, Grease, West Side Story, Matilda, Chicago y The Book Of Mormon.

Más de 65 millones de espectadores en todo el mundo ya han viajado a la idílica isla griega para asistir a la boda del año, enamorarse de sus personajes y contagiarse con su energía positiva. Ahora tú también tendrás la oportunidad de hacerlo con la gira que se inicia este 2025 y que llevará a Mamma Mia! por los principales teatros de toda España.

Vive de primera mano el fenómeno que ya ha cautivado a más de 800.000 espectadores en el Teatro Rialto de la Gran Vía de Madrid.

¡Cada función es una auténtica fiesta!

Donna, madre soltera e independiente, es dueña de un pequeño hotel en una idílica isla griega. Allí ha criado sola a Sophie, que va a casarse. La joven, sin decir nada a nadie, decide invitar a los tres hombres que pasaron por la vida de su madre, con el fin de que su verdadero padre le acompañe al altar. Donna por su parte, invita a dos amigas de la infancia. El reencuentro del grupo te hará reír y emocionarte a partes iguales.

Viernes, 26 diciembre (17h AT/A) y 21h

Sábado, 27 diciembre (17h AT/B) y 21h

Domingo, 28 diciembre (17h AT/C) y 21h

Lunes, 29 diciembre (19:30h)

Martes, 30 diciembre (19:30h)

Viernes, 2 enero (17h y 21h)

Sábado, 3 enero (17h y 21h)

Domingo, 4 enero (17h y 21h)

Miércoles, 7 enero (19:30h)

Jueves, 8 en ero (19:30h)

Viernes, 9 enero (17h y 21h)

Sábado, 10 enero (17h y 21h)

Domingo, 11 enero (17h y 21h)

Memorias de Adriano

Memorias de Adriano es un espectáculo basado en la novela Memorias de Adriano de Marguerite Yourcenar. Este texto, mundialmente conocido, es un testimonio en primera persona de la vida del emperador romano nacido en España. Es, en términos literarios, una falsa autobiografía. En términos teatrales, por lo tanto, es una falsa personificación: Adriano no vive en el siglo II, aunque lo recuerde. Esta unión de planos es el universo de nuestro montaje. Con un lenguaje lleno de lirismo y con una admiración hacia su perfil helénico, Yourcenar recrea la figura de un mandatario tan sabio y magnífico como ciego y contradictorio. En ambos perfiles se dibuja el gesto de la soledad. Tomando este tema como columna vertebral del espectáculo, la directora Beatriz Jaén ha creado un espacio escénico en donde los ecos de esa soledad resuenan en la actualidad del poder, de la política y de la creación de una imagen pública.

Lluís Homar es Adriano; Adriano es también Lluís Homar: actor de sí mismo en muchas circunstancias, incesante buscador de respuestas filosóficas y viajero espiritual.  Su voz, a veces secreta y a veces ostensible nos guía a través de esa experiencia común: el peregrinaje del ser.  Acompañado por un séquito que le cuida a la par que lo apresa, Adriano preparará el legendario discurso donde lega el poder a Marco Aurelio. Su memoria será el resultado su imperio, pero también la confesión de un hombre que ha tocado los límites de la experiencia humana.

Memorias de Adriano es un espectáculo teatral que representa al mismo tiempo una emocionante película de romanos y el íntimo relato de un hombre en diálogo con su historia, con la Historia.

Una producción de Teatre Romea y Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida.

© Gallimard

La verdad

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“La verdad” es una comedia sobre la infidelidad y las relaciones de pareja escrita por el dramaturgo francés Florian Zeller. En esta versión dirigida por Juan Carlos Fisher (que ha dirigido también las obras de Zeller “La madre” y “El padre”), el protagonista está encarnado por el popular actor, guionista y cómico Joaquín Reyes.
Este espectáculo es un intrigante juego de mentiras donde cuatro personajes manipulan, engañan y tuercen la verdad a su conveniencia.
Miguel es un mentiroso compulsivo rodeado de amigos y familiares que también le mienten. Su esposa, Laura, sospecha que le es infiel, desde esa sospecha, las mentiras se convierten en su forma de resolverlo todo; después de numerosos intentos por ocultar la verdad, Miguel convence a su amante de que la mentira es la única manera de mantener las relaciones y que sin ella, el amor, el matrimonio, la felicidad y la convivencia serían imposibles. Pero, ¿realmente conoce Miguel la “verdad” en la que vive… o él mismo está envuelto en una mentira que él mismo ignora?

Una producción de Barco Pirata, Fran Ávila, Producciones Come y Calla, Octubre Producciones y Producciones Rokamboleskas.

El hijo de la cómica

Si el escritor Delibes me enseñó a mirar, el cómico Fernán-Gómez, a escuchar. Durante unos cuantos años tuve el privilegio de estar cerca de él y escucharle. Escucharle, entre otras, la historia de Fernanda López, “la rubia”, su bisabuela, de la que heredó el color de pelo y que era de Valdelaguna, un pueblo al lado de Chinchón, el mío. Y de Carolina Gómez, costurera, la abuela que cuidó de su infancia como Natividad López, sus labores, cuidó de la mía.  Intercambiamos y compartimos coincidencias en otras tantas historias. Historias de supervivencia, de ausencias, miedos, esperanzas, sueños: de libertad, de “llegar a ser alguien”, de ser ¿por qué no? Jackie Cooper, “el de La isla del tesoro”, y también “escritor de novelas de Salgari”. Firme, orgullosamente resuelta en su melancolía, sonaba la voz de Fernando al recordar aquellos tiempos, al recordarse. Ecos de Baroja, Galdós, Barea… merodeaban por aquella memoria. También, a través de la de Fernando, se me antojaban las voces de su abuela y de la mía, la lejana de Carola, su madre, la de María, la criada analfabeta aficionada a la poesía, la de Florentina y el “joder que piernas” de su novio. La voz del niño soñador, la del meritorio con su puñadito de castañas pilongas en el bolsillo, la del joven enamorado y con prisa, con mucha prisa… Voces en una sola voz. Confío en que me escuchéis con la misma o parecida emoción con la que yo le escuchaba a él el nieto de la costurera el hijo de la cómica.

José Sacristán

Paraíso de los negros

Paraíso de los negros es una coreografía flamenca que toma como savia propia la esencia de Poeta en Nueva York de Federico García Lorca. Es una obra sobre la perpetua búsqueda de felicidad. Pero explora los límites y las limitaciones humanas, que tomando la apariencia de inquietantes rostros, embarran y obstruyen el camino del derecho al Deseo. Esas presencias siempre líquidas e inasibles embargan el alma del libre albedrío. Son barreras que se imponen como una guillotina sobre el cuello de las utopías. También son imágenes, pensamientos y sentimientos que se levantan como murallas incontenibles para invisibilizar al Otro; el Otro como mi deseo y no como mi enemigo. Aquí, el principio lorquiano de libertad es un pájaro atrapado en una ramita untada de cola.

Paraíso de los negros está construida en torno a una coreografía, una música, un cante, una iluminación, una escenografía, un vestuario y un relato dramatúrgico sobre la tensión que generan los limites reales, ficticios, concretos, simbólicos y su consecuente violencia y agresión sobre la conciencia humana.

El ritmo de la obra busca el sosiego del equilibrio de la casa común deseada. Pero se inspira en la arritmia, las anomalías, el desorden y la asimetría que generan la angustia existencial que nos conduce a las personas a reivindicar la vida y la convivencia como nuestros derechos fundamentales inviolables.

Paraíso de los negros es una alfombra beduina ideada por viejas sabias. Los componentes éticos y estéticos que la estructuran están hilvanados por una connivencia semántica y emocional orgánicas. Esta connivencia profunda teje sus principios éticos y estéticos y las simbologías que le sirven de base, buscando siempre la anhelada armonía del Uno.

Elenco:

Baile: María Pagés

Cante: Ana Ramón y Cristina Pedrosa

Música: Rubén Levaniegos (guitarra), Txema Uriarte (percusión), Sergio Menem (Chelo)  y Graci del Saz (violín)

 

Un tranvía llamado deseo

La narración comienza cuando Blanche DuBois, una maestra de Mississippi, llega a Nueva Orleans para quedarse con su hermana a pesar de que ambas se han distanciado. El motivo de su llegada es el nerviosismo que afecta a su capacidad para trabajar, así como la pérdida de la casa ancestral de las hermanas en el Viejo Sur, Belle Reve.

Empiezan a surgir conflictos entre Blanche y el marido de su hermana, Stanley, ya que ella critica la vivienda de la pareja y la herencia polaca de él. Por otra parte, a Stanley le cae mal Blanche porque teme que le haya estafado en la herencia familiar.

Producción General: Producciones Teatrales Contemporáneas

Coproducción de: Producciones Abu, Milonga Producciones, La Casa Roja, Teatro Picadero, Gosua.

Camino a la Meca

Una de las principales razones que encuentro para sumarme a un proyecto es saber, o intuir, que será la oportunidad de conocer y compartir experiencias con personas que me conmuevan para siempre. Fui muy afortunado en mi vida en contar con el cariño y la complicidad de artistas inmensos. Fuentes de inspiración.

Me enamoré de Lola Herrera encuentro tras encuentro. Fascinado con su carisma. Conmovido por su lucidez, alucinado por su curiosidad y su deseo.

Se trataba entonces de encontrar un material que estuviera a la altura de semejante mujer, que representara de alguna manera todo aquello de lo que ella deseaba hablar. Y yo con ella.

El camino a la Meca, de Athol Fugard, se inspira en una mujer real, Helen Martins, que se rebeló contra todos los estamentos de su época. Un ser que persigue el deseo, la luz de la inspiración que no corresponde a ninguna edad ni a ninguna generación. Alguien que prefiere las preguntas a las certezas, que valora su libertad y su autonomía enfrentando a su tiempo y al mundo que la rodea.

Al leerla escuche la voz de Lola latiendo en cada texto. Sin trascendencias flota en el aire las ganas de vivir con libertad y de hacerlo intensamente.

Deseábamos conformar un elenco con el que el viaje fuera enriquecedor y placentero, porque todos sentimos que esta será una experiencia del todo transformadora.

Honrado y entusiasmado por este nuevo proyecto que creo que va a quedar en la mente y en los corazones de los que lo hacemos y en cada uno de los espectadores que nos acompañen.

Claudio Tolcachir

Una producción de Pentación Espectáculos.