Público: General

Radizz

Radizz

Radizz es el nuevo proyecto del músico Víctor Antón que se basa en la música tradicional de Castilla y León. Propone arreglos novedosos sobre el repertorio y temas originales inspirados en la música de raíz castellano-leonesa, con espíritu jazzístico. En la música de Radizz se dan la mano mundos distintos, la composición original, la estética del jazz contemporáneo y la improvisación, con el elemento aglutinador del folclore y la música de raíz de nuestra tierra como inspiración.

Apto para todos los públicos.

Arraigo

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Sobre el escenario, la tierra se despliega y cobra vida. Se ondula, se eleva, nos envuelve y baila con nosotras, como si siempre hubiera estado ahí.

Arraigo es un viaje coreográfico que recorre la península ibérica, hilando las danzas, gestos y emociones que nos han construido como pueblo. Con la fuerza telúrica del folclore y la danza estilizada, afloran sobre el escenario las raíces profundas de cada territorio, con la energía renovada de las voces y cantos de nuestro tiempo.

Un espectáculo que conecta generaciones, rompiendo fronteras estéticas y demostrando que lo ancestral no pertenece al pasado: vive, se transforma y late con la misma intensidad  de la tierra, la intensidad del ayer, del hoy y del mañana.

Coproducción: Teatro Calderón de Valladolid

La ópera de los tres centavos

Una obra con música en un prólogo y ocho escenas basada en “La ópera del mendigo” de John Gay, por Bertolt Brecht (texto) y Kurt Weill (música) en colaboración con Elisabeth Hauptmann.

En “La ópera de los tres centavos” Bertolt Brecht pretende denunciar la prostitución, la miseria y el abuso de poder en plena crisis económica: la obra se estrenó en Berlín en 1928, una época (el final de la década de los años veinte) convulsa. El texto de Brecht es una crítica feroz contra el capitalismo. Para ello, el autor lleva a escena una revisión actualizada de la parodia musical “La ópera de los mendigos”, del inglés John Gay, y enseña al mundo la versión más cruda de este sistema económico, que Brecht considera que funciona como una gran maquinaria de delito organizado.

“La ópera de los tres centavos” es una obra teatral en un prólogo y tres actos, con música de Kurt Weill y libreto en alemán de Bertolt Brecht.

Barco Pirata, Unahoramenos produccciones y el Teatro Pérez Galdós traen a la actualidad esta obra, bajo la dirección de Mario Vega (Unahoramenos Producciones) y con Coque Malla en el papel protagonista.

Una producción de Barco Pirata Producciones Teatrales, Teatro Pérez Galdós y unahoramenos Producciones en coproducción con el Auditorio de Tenerife.

MÚSICOS
Miguel Malla (Saxofón tenor y clarinete bajo)
Daniel Rouleau (Saxofón alto, saxofón soprano, flauta y piccolo)
Yevhen Riechkalov (Trompeta I)
Gabriel Marijuan (Percusión y trompeta II)
Roberto Bazán (Trombón y contrabajo)
Néstor Ballesteros (Piano, celesta y armonio)
Pablo Novoa (Guitarras y banjo)
Carmen Barrantes (Cello)

Tootsie, la comedia musical

Adaptación de la película del mismo nombre ganadora de un Oscar, protagonizada por Dustin Hoffman y Jessica Lange, con una visión actualizada al tiempo presente. La película, estrenada en 1982, no solo arrasó en taquilla sino que también cambió para siempre la carrera de Dustin Hoffman y la forma en que Hollywood entendía la comedia inteligente.
Décadas después, su historia sigue viva, reinventada en un musical que recupera todo su humor, le añade canciones y lo convierte en una comedia contemporánea y multipremiada, ganadora del Premio Tony al Mejor Libreto Musical junto a otras 10 nominaciones.
SINOPSIS: Michael Dorsey es un actor con un talento especial… para no conseguir ningún papel. Desesperado y sin trabajo, Michael hace un último esfuerzo por hacer realidad sus sueños y se disfraza de la actriz Dorothy Michaels.

Una producción de Triple F – Talycual.

Malquerida

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En la hacienda de verano de Esteban y Raimunda, se celebra la pedida de boda, de Acacia con Faustino. Al quedar Raimunda viuda contrajo matrimonio con Esteban, odiado por su hijastra. La tragedia se cierne cuando matan al novio la noche de la pedida. Los hijos del Tío Eusebio, padre del asesinado, acusan al sobrino de Raimunda, quien fue el primer pretendiente de Acacia, pero otros en el pueblo saben que es inocente. Comienza a escucharse una copla por las calles:
“El que quiera a la del Soto… tiene pena de la vida. Por quererla quien la quiere le dicen… la Malquerida” El cerco se estrecha y los deseos ocultos y prohibidos empiezan a aflorar. El Rubio, capataz de la hacienda, alimenta las rivalidades entre las familias. Raimunda decidida a descubrir la verdad, no descansará hasta encontrar esa luz que, como el fuego, arrasará todos sus sueños.

Cavalleria rusticana y Pagliacci

CAVALLERIA RUSTICANA

Melodrama en un acto, de Pietro Mascagni y con libreto de Guido Menasci y Giovanni Targioni-Tozzetti, basado en la nóvela homónima de Giovanni Verga. Estrenada en el Teatro Constanzi de Roma el 17 de mayo de 1890.

PAGLIACCI

Drama en un prólogo y dos actos, de Ruggero Leoncavallo sobre el libreto del propio compositor.  Estrenada en el Teatro dal Verme de Milán el 21 de mayo de 1892.

El Teatro Calderón acoge esta temporada un programa doble con dos obras imprescindibles del repertorio operístico: Cavalleria rusticana de Pietro Mascagni y Pagliacci de Ruggero Leoncavallo. Son dos títulos que, desde su estreno a finales del siglo XIX, no han dejado de representarse juntos, no solo por su brevedad y afinidad estilística, sino por la intensidad emocional que comparten. Ambas obras supusieron una auténtica revolución en su tiempo: rompieron con los moldes románticos y llevaron a escena pasiones humanas crudas y cercanas, arraigadas en entornos populares y rurales, donde el amor, los celos, la traición y la muerte se entrelazan sin artificio.

Cavalleria rusticana, estrenada en Roma en 1890, marcó el inicio del verismo en la ópera italiana. La historia, basada en un relato de Giovanni Verga, nos traslada a una aldea siciliana en día de Pascua, donde la calma aparente esconde un conflicto que acabará estallando con consecuencias trágicas. La música de Mascagni, directa y emotiva, logra en apenas una hora crear un mundo completo, en el que destacan momentos como el célebre Intermezzo, una delicada pieza orquestal que detiene la acción para dejarnos respirar antes del desenlace. El personaje de Santuzza, eje de la tragedia, es una de las grandes creaciones del repertorio lírico por su carga emocional y profundidad dramática.

Pagliacci, estrenada en Milán dos años después, en 1892, retoma el tono trágico pero introduce una originalidad fundamental: la historia de una compañía de comediantes sirve de marco para explorar cómo la vida real y la ficción se confunden hasta volverse indistinguibles. El famoso “teatro dentro del teatro” permite a Leoncavallo construir un drama donde la representación y la verdad se solapan con una tensión creciente. Canio, el payaso traicionado, es uno de los personajes más icónicos del repertorio, y su aria “Vesti la giubba” —donde se maquilla para salir a escena mientras su mundo personal se desmorona— es una de las más conocidas y emocionantes del canon operístico. La obra se abre, además, con un prólogo memorable, en el que el personaje de Tonio se dirige al público para advertir que lo que va a ver no es solo ficción: es “un pedazo de vida”.

Presentadas en una misma velada, Cavalleria rusticana y Pagliacci ofrecen una experiencia intensa y profundamente accesible, tanto para quienes ya son aficionados a la lírica como para quienes se acercan por primera vez al mundo de la ópera. En estas dos obras no hay espacio para lo superfluo ni para el adorno: todo está al servicio de la emoción, del conflicto humano llevado al extremo. Más de un siglo después de su estreno, siguen resonando con fuerza en el público por la verdad de sus historias y la potencia de su música, conquistando a cada nueva generación de espectadores.

Una producción de ABAO-OLBE

CAVALLERIA RUSTICANA

  • Santuzza – MONICA CONESA
  • Turiddu – ARSEN SOGHOMONYAN
  • Lola – BLANCA VALIDO
  • Mamma Lucia – MANUELA CUSTER
  • Alfio – RODRIGO ESTEVES

PAGLIACCI

  • Nedda – CLAUDIA PAVONE
  • Canio – ARSEN SOGHOMONYAN
  • Tonio – RODRIGO ESTEVES
  • Beppe – GERARDO LÓPEZ
  • Silvio – JAN ANTEM

A new sketches of Spain

La España que en el Nueva York de los sesenta Miles Davis y Gil Evans habían cincelado en un disco perfecto, esa España transfigurada en música que aún tiene la elocuencia y la verdad de los sueños, vuelve por fin a casa, a su hogar natural, en el esplendor flamenco de Israel Galván. La suya es una danza sobrenatural, y no sólo por el virtuosismo del intérprete, sino por la búsqueda constante de un exceso, de una desproporción entre el gesto humano y lo que la música, o el silencio, no alcanzan a decir. Aquí está Andalucía, polvo y luz, cielos morados y sombras negras como biblias.

Aquí está Aranjuez, embriaguez de melancolía, el demonio meridiano, el luto de los jardines. Aquí están las procesiones de Semana Santa, el canto ritual de los balcones, la soledad desgarradora y orgullosa. Emociones encarnadas en el ímpetu de un solo cuerpo polifónico.

Si Gil Evan había conseguido, en palabras de Miles, que una orquesta sonara como una sola guitarra, el arreglo y la orquestación de Michael Leonhart para el pequeño conjunto concebido por Alberto Fabris, la ingeniosa introducción de los violonchelos en el conjunto, revelan aún más claramente el movimiento de los ritmos y las constelaciones armónicas, la pureza de las melodías, la fuerza indestructible de las antiguas escalas árabes que cavan, se doblan y se retuercen en el alma como un blues andaluz.

Al fin y al cabo, España nunca se movió de aquí, de esta primera hibridación del África negra en una música que al cabo de unos siglos se llamaría jazz.

Esencia

Pierre y Cecil, dos viejos amigos, se reencuentran después de muchos años. Su conversación, entremezclada con recuerdos y reflexiones, está atravesada por la espera de un misterioso autor que nunca va a llegar. ¿O quizá ha estado presente desde el principio?

Esencia es una de las obras más enigmáticas de Ignacio García May, un laberinto de percepciones donde la realidad se tambalea y se torna difusa. Una invitación a la reflexión y al cuestionamiento de nuestras propias certezas, una exploración sobre la realidad que nos rodea.

Esencia es la inexistencia misma de lo real.

Una producción de Teatro Español y Entrecajas Producciones Teatrales.

Las amistades peligrosas

–Nota del director, David Serrano:

“Las amistades peligrosas” es una excelente obra de teatro de Christopher Hampton basada en la novela homónima de Choderlos de Laclos, que tan solo ha sido representada una vez en Madrid.

A pesar de que la novela fue publicada en 1782, es un texto que habla sobre asuntos de máxima actualidad en nuestros días, como el abuso de poder, el consentimiento o de cómo el dinero consigue, desgraciadamente, comprarlo casi todo. Valmont y Merteuil, sus protagonistas, dos personajes fascinantes y “sin freno moral” –tal y como los definió Jean Paul Sartre–, no se alejan mucho de gente como Jeffrey Epstein y Ghislain Maxwell, por citar tan solo a dos de las celebridades que han participado en uno de los muchos escándalos que hemos conocido durante los últimos años.

“Las amistades peligrosas”, “un libro que arde como el hielo”, como dijo Baudelaire, habla de cosas que han pasado, pero que todavía siguen pasando, de cómo las clases más poderosas son capaces de jugar con total impunidad con los menos favorecidos, y de cómo el sexo y la necesidad de poseer marcan, a menudo, nuestras vidas. El propio Christopher Hampton decía al poco de estrenar su obra: “Lo que fascina de esta historia es su vigencia. La manipulación de los sentimientos y el uso del amor como arma son temas tan actuales hoy como lo eran en el siglo XVIII”.

Numancia

Después de más de quince años de lucha infructuosa contra la ciudad de Numancia, el Senado Romano manda a Hispania, sobre el año 130 a. de Cristo, al victorioso general Escipión, que acababa de derrotar a los cartagineses y había sido coronado como triunfador en Roma. Escipión hizo construir una imponente obra de ingeniería bélica para que nadie pudiera entrar ni salir de Numancia, rodeándola de un profundo y ancho foso de nueve kilómetros de perímetro con un conjunto de campamentos militares y torres de vigilancia. Además arrasó los pueblos vecinos para que no pudiera llegarles ningún tipo de ayuda ni alimentos, lo que creó una terrible situación ya que el hambre se convirtió en el más fiero enemigo de los sitiados.

Los numantinos intentaron romper el cerco de mil maneras, pero todo fue inútil. El tiempo fue pasando y el hambre siguió creciendo, lo que hizo que en su desesperación llegaran a comer carne humana. Y la ciudad, ya sin esperanzas, fue llenando sus calles de cadáveres, por lo que tomaron la gran decisión final que cambió el curso de su historia.

La leyenda cuenta cómo la decisión de un muchacho valiente marcó el destino de Numancia, impidiendo que Escipión recibiera la corona de triunfador. Y la Fama logró que quedara fijado para siempre en la memoria el final de esta historia.

Con el apoyo del Festival Hispanoamericano del Siglo de Oro- Clásicos en Alcalá.

Con la colaboración del Ayuntamiento de Madrid- Centro Cultural Eduardo Úrculo.

Una producción de la Comunidad de Madrid para Teatros del Canal.