Público: Joven

Morta Splendor

Fecha de la entrada 27 de enero de 2023

Versión en castellano con subtítulos en inglés.

Con Morta Splendor, Bárbara Sánchez pone punto y final a la Trilogía de la Soledad, el proyecto de creación en el que lleva inmersa desde 2015. Después de abordar la cuestión de la Pena (SomewhatPaler, 2016) y del Amor Místico (Várvara, 2019), le ha llegado el turno a la Muerte.

Morta Splendor ha venido a mostrarte su rostro. Ella es el reflejo más siniestro y necesita tu corazón caliente para poder existir. Número tras número, como sucede en los espectáculos de variedades, ella hará aparecer ante ti distintos personajes, distintas voces y distintos cuerpos. Pero ella siempre será la misma: da igual que aparezca como una gótica auténtica, una moderna siniestra, una bailarina exótica, un espectro o un payaso espeluznante. Ella la extinción misma y está aquí para mostrarnos que, si para algo sirve el teatro, es para dejarnos ver como todo llega a su fin.

(Texto de Jaime Conde-Salazar Pérez)

Bárbara Sánchez es coreógrafa, bailarina y actriz. Nace y vive en Sevilla. Estudia arte dramático, danza clásica y contemporánea en Sevilla, ampliando su formación por distintos lugares europeos con maestros y coreógrafos tales como Philippe Gaulier, Enrique Pardo, Germana Civera, Julyen Hamillton o Ivo Dimchev. Como bailarina ha formado parte de las compañías andaluzas Manuela Nogales, La Tarasca o La Cuadra de Sevilla. Ha creado las obras A la vuelta de
la esquina (2003), El jardín de atrás (2005), Plutón no es un planeta(2008), Gala Fantoche(2010) creada junto a Roberto Martínez, Ahuyéntanos este furor(2011), La satisfacción del capricho(2013),
Electrohumor(2016) creada junto a Jaime CondeSalazar, Somewhat paler(2016) y Várvara(2019).
Ha trabajado también con otros artistas como Abraham Hurtado (Ignición), Sociedat Doctor Alonso (El desenterrador) o Meg Stuart (Atelier III).

MORTA SPLENDOR es una coproducción de MeetYou Valladolid y Bárbara Sánchez La Puchereta.

Con el apoyo de: Azala, L´Estruch, La Poderosa, L´animal a la esquena, Tenerife LAV. Ágora (Junta de Andalucía), Conde Duque.

Donde siempre, siempre

Fecha de la entrada 27 de enero de 2023

Una inquietante biografía, una crónica política narrada desde la sátira, un recuerdo entrañable, y el relato de un éxodo. Cuatro historias que se mueven entre la infancia y la vejez, y nos hacen reflexionar sobre las mentiras que contamos, para proteger a los que consideramos más frágiles.

En la obra están presentes temas íntimos, cercanos que, aún envueltos en un ambiente cálido y acogedor, no logran ocultar la dureza de sus historias, el dramatismo del paso del tiempo y de la vida.

Los cuentos de siempre, los cuidados familiares, los juegos, los niños y la gente mayor, con sus debilidades y sus fortalezas, son tratados desde un nuevo punto de vista que invitan al espectador a reflexionar sobre temas tan universales.

Lupe Estévez es licenciada en Bellas Artes lleva toda la vida moviéndose en el teatro y alrededores; diseñando vestuario, atrezo, títeres y también narrando y creando piezas para público familiar con la compañía Laboratoria y La Compañía de Lupe y Luisa.

Ahora presenta en solitario una propuesta muy personal para público adolescente y adulto, “Donde siempre, siempre”.

Amor a lomos de un zorro

Fecha de la entrada 27 de enero de 2023

Retirada de invitaciones en taquilla del Teatro Calderón a partir del 22 de febrero, hasta completar aforo. Se entregará un máximo de 2 invitaciones por persona.

Amor a lomos de un zorro es una pieza que sirve de trampolín para investigar la relación con el medio natural a diferentes niveles. Partiendo de la conjugación de elementos agrestes (maderas, bosques, voces, carnes…) con texturas contemporáneas o futuristas (proyecciones, videocámaras, aparatos de música…) me gustaría explorar el concepto de la distancia, el fenómeno del retiro y el fenómeno del vínculo. La pieza se compone a través de un único cuerpo en relación con objetos, textos, silencios… Para generar una acción simbólica, a modo de performance mansa, en torno a la idea de la reconciliación, el aislamiento y el amor.

Actualmente, la obra tiene un mes de vida, de trabajo. Por el momento se trata de un “texto vivo”, pero pretende ser una pieza escénica para la exhibición tanto en espacios convencionales como no convencionales. Pienso, además, en la intervención de un espacio público y de un espacio natural, como expansión del grueso escénico propuesto. El proyecto alberga así varias dimensiones: acción escénica, irrupción de literalidad o asalto de espacios reales (calles, museos, jardines, eras, claustros, plazas…), y un texto poético como testimonio de la acción a través de la publicación de un fanzine.

Peio Lekumberri (1996) es performer y cantautor. Su interés por el quehacer artístico le lleva a entrar en grupos de teatro y pequeñas bandas de música desde temprana edad. Sin embargo, su periplo artístico se desarrolla en Valladolid al cursar interpretación en la Escuela Superior de Arte Dramático de Castilla y León. Allí trabaja en proyectos y compañías de diferente tono (clown, drama, comedia musical, nuevas dramaturgias, teatro de calle…); explorando al mismo
tiempo varios métodos de creación desde el teatro físico, la palabra poética y el movimiento de la mano de creadoras y artistas como María Velasco, Santiago Alba Rico o Alberto Conejero. Paralelamente, inicia una carrera musical en solitario, poniendo a prueba temas propios en los micros abiertos de la ciudad. En el último año, cursa el máster en Pensamiento y Creación Escénica Contemporánea, del que se destila su primera creación de teatroperformance, NA3394BD, este coche es un agujero, obra galardonada en la modalidad de Artes Escénicas y Música en los Encuentros de Arte Joven de Navarra 2020. Actualmente, Peio ha entrado a formar parte de la compañía pamplonesa Geldi Teatro. Además, prepara el terreno para una próxima pieza escénica, a la par que medita el que será su primer trabajo de estudio, un minimalista EP conceptual impulsado por las becas de Cascabel Estudios, Valladolid.

Residencia artística.

En colaboración con Meet You (Teatro Calderón Valladolid)

El Futuro

Fecha de la entrada 27 de enero de 2023

Versión en español con traducción simultánea en inglés.

El futuro es una especulación.

El futuro no existe.

Imaginamos el futuro, continuamente.

Los futuros, existen.

El futuro es “algo” que no podemos ver “en presente”, forma parte del terreno de la conjetura. La propuesta de pieza escénica gira alrededor de esta imposibilidad. ¿Cómo imaginar algo que no has visto? ¿Cómo poner en juego los elementos necesarios para que se produzca el futuro que imaginamos? ¿Cómo invitar a la evocación de algo que no se ha vivido?

El Futuro… ¿qué te dice?

Antes de que tu imaginación fatalista se ponga a maquinar, te proponemos un ejercicio de suspensión.

El Futuro. Déjalo ahí. Interrumpe tus pensamientos, para.

Y ahora que ya estamos más tranquilas, veamos El Futuro.

La compañía El Pollo Campero. Comidas para Llevar nace en marzo de 2012 y muestra una primera aproximación de su trabajo meses después en los In-Formals de La Poderosa (Barcelona, noviembre 2012). A partir de ahí, la compañía continúa investigando y realizando distintas pruebas escénicas hasta que se estrena su primera pieza completa titulada Sekvantaro. Piezas codependientes de duración relativa en las que las actrices intentarán no hacer teatro en el marco del festival internacional de nuevos investigadores escénicos V CENIT (TNT-Atalaya), donde reciben el premio al mejor espectáculo. Después de eso, actúan en distintos festivales, entre ellos el ACT Festival, donde también reciben el premio a la mejor dirección. Paralelamente, reciben el premio al mejor espectáculo revelación en los II Premios Andaluces de Teatro. Giran con este primer espectáculo por distintas salas y festivales (GREC-Antic Teatre Barcelona, Escena Abierta-Burgos, Festival InTacto-Vitoria, FRINGE-Matadero de Madrid, Festival Fronterizo-Santander, Ateneo MuchaVida- Madrid).
En 2016 estrenan su segunda pieza, Las actrices siempre mienten, en el marco del Festival Salmón. Reciben el Premio del Público en FITT Noves Dramaturgies, Tarragona 2017. Participan en el Festival Flare, Manchester, y en el Cena Cumplicidades, Recife, Brasil.
Son seleccionadas para la gira de Circuito de Salas Alternativas 2017 y realizan gira nacional presentando el trabajo en La Casa Encendida y CA2M, Madrid; Festival Labo en Tabakalera, Donosti; La Fundición, Bilbao; Teatro Principal de Palma de Mallorca; Festival InTacto, Vitoria Gasteiz entre otros.

Una coproducción de: Festival TNT, Teatro Calderón de Valladolid, Conde Duque y El Pollo Campero, comidas para llevar.

En colaboración con: La Caldera y Teatre L’Artesà.

Con el apoyo de: Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya.

Shiver

Fecha de la entrada 27 de enero de 2023

Retirada de invitaciones en taquilla del Teatro Calderón a partir del 22 de febrero, hasta completar aforo. Se entregará un máximo de 2 invitaciones por persona.

ESTRENO EN ESPAÑA

Shiver es un encargo del Festival de Ballet de Yokohama, una de las galas más prestigiosas de Japón, que ofrece a los espectadores la oportunidad de descubrir bailarines japoneses y extranjeros con carreras internacionales. El festival tiene lugar cada año en el Kanagawa Kenmin Hall -un teatro con 2.500 butacas- donde piezas de coreógrafos como Angelin Preljocaj, Sidi Larbi Cherkaoui, Jiri Kylian, John Neumeier, Jean-Christophe Se presentan Maillot y Matz Ek. Para su edición 2019, la quinta edición del festival, Yasuyuki ENDO realizó Edouard Hue la propuesta de crear un dúo para Yurie Tsugawa – solista con Angelin Preljocaj durante 10 años y asistente de Yoann Bourgeois – y él mismo.

Shiver nace de la emoción de participar en este icónico evento. La pieza explora y desarrolla la emoción de la emoción, el frío, el miedo… en todas sus posibilidades, llegando a un frenesí de emoción y movimiento. Los bailarines son propulsados en una coreografía en la que su afán de precisión en el movimiento y el ritmo se extiende hasta su extremo. La música, compuesta por Jonathan Soucasse, nuevo colaborador de Edouard Hue desde este año, lleva a los intérpretes a un trance, cuya emoción se transmite al espectador a través de las vibraciones de la música y el pulso frenético de la coreografía.

Coproducción: Festival de Ballet de YokohamaThe Beaver Dam Company / Edouard Hue cuenta con el apoyo de République et Canton de Genève, Pro-Helvetia – Fondation Suisse pour la Culture, CORODIS – Comisión Romande de Diffusion des Gafas.

Taranto aleatorio

Fecha de la entrada 27 de enero de 2023

Entrada libre hasta completar aforo.

Dos mujeres comen pipas en un parque, o en la puerta de una casa, o en un patio. Comparten un espacio cotidiano común, una conversación, la intimidad del silencio. De pronto, el cante y el baile rompen el mundo ordinario e introducen la magia. En un tiempo suspendido, enigmático, la coreografía nace como un remolino delicado hasta transformarse en un torbellino. Un taconeo que se queja y se ríe en bucle. Una canción que no se detiene, que se eleva y envuelve el espacio.

María del Mar Suárez ‘La Chachi’
Bailaora y actriz malagueña se licencia en ambas disciplinas en su ciudad natal. Tras especializarse en flamenco con La Lupi y formarse en teatro gestual, nuevas dramaturgias y danza contemporánea, descubre su verdadera pasión, la unión de todo lo anterior. En 2017 estrena su primer trabajo en solitario La gramática de los mamíferos galardonado con 3 premios PAD 2017 a mejor espectáculo, mejor intérprete y mejor espectáculo sin subvención, además Premio Lorca de Teatro andaluz a mejor intérprete de danza. Los Inescalables Alpes, buscando a Currito su tercera producción fue estrenada en el 39º Festival de Otoño de Madrid, actualmente espectáculo incluido en el 15º Cuaderno de recomendaciones de la comisión de danza (mayo 2022) de Redescena y premio Godot 2022 a mejor espectáculo de danza.

Lola Dolores
Cantante y actriz, nacida en Córdoba y residente en Málaga. Su familia le transmite una verdadera pasión por el flamenco, es por ello que comienza a cantar e interesarse por esta disciplina desde pequeña.
Corista de estudio para artistas como Diego Torres, La Mala Rodríguez, Radio Macandé… Con La Mala Rodríguez trabaja como corista en los conciertos durante tres años en sus giras por Europa y América.
Actualmente forma parte de la compañía La Pharmaco en la que acompaña a Luz Arcas en su obra Toná y además se encuentra inmersa en tres piezas teatrales de nuevos lenguajes en la que el flamenco es protagonista, La Gramática de los Mamíferos, Los Inescalables Alpes y Taranto Aleatorio.

Los Otros

Fecha de la entrada 27 de enero de 2023

ESTRENO EN ESPAÑA

Sucede, deambulando por las redes sociales, encontrar cierto tipo de comentarios. Todos estamos familiarizados con ellos. A menudo se encuentran debajo de un artículo de periódico sobre un desembarco de inmigrantes o un feminicidio. Comentarios deseando enfermedad, muerte, violación. Comentarios brutales y feroces que nos hielan la sangre.Los miramos y nos preguntamos: ¿quién escribió tal cosa? ¿De dónde viene todo este odio? ¿Por qué este ser humano está tan locamente enojado? ¿Qué le ha pasado? ¿Se trata de su familia, su trabajo, dónde nació? Los Otros es un espectáculo que surge de una obsesión: entender quién se esconde detrás de estos destellos de odio. La performance se desarrolla a modo de investigación, tratando de juntar las piezas de la identidad de uno de estos Otros, de perseguirla, de profundizarla. Intentar imaginar, identificarnos con una vida diferente a la nuestra, buscar cuáles son los elementos que nos dividen y los que nos unen, a esta humanidad que amamos imaginar tan lejos de nosotros. Los Otros es el deseo de contactar con estas personas, estos Otros, de pasar tiempo juntos, de intentar entenderlos sin perder la distancia, de intentar abrir un diálogo aparentemente imposible y llevarlo a escena, sin renunciar a nuestro punto de vista. vista.Los Otros es un reportaje teatral animado por el deseo de ir más allá del desánimo correcto, un poco más allá, donde hasta la locura del racismo y el fascismo se pueden escuchar, sin renunciar ni un paso a nuestras propias posiciones. Los Otros es, sobre todo, unas ganas tremendas de salir de nuestro aislamiento y tratar de encontrarnos con esa parte del país que hemos considerado tercamente minoritaria y que ahora se muestra con todo su poder.

Con la contribución de ERT/Teatro Nazionale.

Con el apoyo de L’Arboreto – Teatro Dimora | La Corte Ospitale – Centro di Residenza Emilia-Romaña.

Con el apoyo de Agorà/Unione Reno Galliera.

Preestreno 1 de mayo de 2021, Teatro Comunale «La Casa del Popolo» en Castello D’Argile (BO).

Debut 15 de junio de 2021, Epica Festival, Arena Orfeonica, Bolonia.

Colabora: Instituto Italiano de Cultura

Hammamturgia

Fecha de la entrada 27 de enero de 2023

Con Societat Doctor Alonso nunca puede darse nada por sentado; anti-apriorísticos ellos, alérgicos a la convención establecida, valga la redundancia, el espacio-tiempo en puro presente que construyen en cada nuevo proyecto es una isla poética que, sin embargo, contribuye a ensanchar indefinidamente el concepto de lo teatral. En esta ocasión, el grupo catalán que comandan Tomàs Aragay y Sofía Asencio presenta una pieza sin palabras a partir del neologismo que le da título: hammamturgia. De un lado, el dispositivo que comúnmente asociamos a la herencia árabe u otomana, El Hammam, que nos ha legado una arquitectura para la sociabilidad, el placer y la higiene. De otro, la dramaturgia, o la habilidad de coser una historia en el tiempo a partir del encuentro entre fuerzas cuya fricción genera un movimiento transformador hacia adelante.

Dicho todo esto, no hay que tomar lo del hammam por lo literal, no hay que llevar el bañador ni se nos empañarán las gafas con los vapores. El público accede descalzo a un gran cubo blanco y cada cual elegirá su lugar en el espacio. Hay cuatro aberturas en cada uno de los lados del cubo por las que entran y salen también las cuatro performers que ejecutan las acciones, dando vida a láminas de plástico de distintos tamaños, colores y texturas con las que hacen palpable las metamorfosis de la materia sometida al movimiento.

Con la colaboración de: ICEC, InstitutCatalà de les EmpresesCulturals, INAEM, Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música, Institut Ramon Llull.

Espectáculo coproducido por: Le Grütli, Centre de production et de difusión des Arts Vivants, Teatre Nacional de Catalunya, Azkuna Zentroa, Teatro Calderón de Valladolid, Auditorio de Tenerife, La Mutant, espai d’Arts Vives.

Luces recorren mi garganta

Fecha de la entrada 27 de enero de 2023

La compra de entradas será en la recepción del Museo de la Ciencia de Valladolid.

De martes a viernes: de 10.00 a 18.00h. Sábados: de 10.00 a 19.00h. Domingos: de 10.00 a 15.00h. CERRADO los lunes

«El sol estalló detrás de sus párpados cerrados» Yukio Mishima.

Lois Patiño y Xabier Erkizia colaboran actualmente en varios proyectos que exploran las posibilidades expresivas del sonido y la imagen más allá de las convenciones del cine. Explorar el espacio del planetario se presenta como una oportunidad única para traspasar esos límites.

La sesión se desarrolla en dos fases. La primera será una experiencia sensorial y meditativa para sentir con los ojos cerrados: una travesía sonora y lumínica para ver a través de los párpados. Al abrir los ojos estaremos ya en la noche de Tokio, donde los trenes o los barcos luminosos cruzarán la noche como estrellas fugaces. La megalópolis de Tokio nocturna convertida en un firmamento de anuncios de neón y trenes voladores.

Lois Patiño compaginó sus estudios de psicología en la Universidad Complutense de Madrid con los de cine en Tai Centro Universitario de Artes. Continuó su formación de cine en la New York Film Academy
(NYFA) y en Barcelona, donde realizó el máster de Documental de Creación en la Universidad Pompeu Fabra. Ha realizado cursos de videocreación en la Universität der Künst de Berlín y talleres con artistas y cineastas como Joan Jonas, Pedro Costa, Víctor Erice, José Luis Guerín o Daniel Canogar. Sus vídeos y videoinstalaciones se han podido ver en centros de arte internacionales, y sus películas en festivales de cine como Berlín, Locarno, Rotterdam, Nueva York, BAFICI y Oberhausen, entre otros.

Xabier Erkizia es músico, productor y artista sonoro, y su trabajo se centra en la investigación y la curiosidad por toda creación que implique la escucha y lo sonoro. Sus obras se materializan principalmente en forma de instalación, obra fonográfica, radiofónica, audiovisual, ensayo escrito y banda sonora para obras audiovisuales por las que ha sido galardonado internacionalmente.

Comizi d´amore

Fecha de la entrada 27 de enero de 2023

ESTRENO EN ESPAÑA

Retirada de invitaciones, hasta completar aforo, a partir del 1 de marzo en Centro Cívico Bailarín Vicente Escudero.

Versión en castellano con traducción simultánea en inglés.

“Che al vostro amore possa aggiungersi la coscienza del vostro amore”

Pier Paolo Pasolini

«¿Cómo nacen los bebés? ¿Qué tan importante es el problema sexual en tu vida? ¿La idea de la vida sexual te da más una sensación de angustia o felicidad? ¿Alguna vez has oído hablar de maricas?»

Estas son algunas de las preguntas que Pasolini hacía a los italianos en 1963, recorriendo una Italia naif como vendedor ambulante, y filmando sus respuestas para su documental llamado “Comizid’Amore” (Encuestas de amor). La compañía Kepler-452 creó un formato de teatro participativo, inspirado en el documental homónimo de Pier Paolo Pasolini, que consiste en hacer las mismas preguntas al intelectual italiano Pasolini en diferentes contextos, comparando las respuestas con las obtenidas cincuenta años antes e inventando formas de escenificar en la escena, involucrando activamente a personas que no son artistas.

En cada espectáculo, la compañía desarrolla un enfoque en un lugar específico y sus habitantes: una escuela, un hospital, una casa social, un distrito universitario. El resultado de esta investigación es un espectáculo coral, donde diferentes puntos de vista son llevados directamente al escenario por un grupo de participantes involucrados durante las investigaciones.

Con motivo de esta versión en español en Valladolid, Kepler-452 también involucrará en este proyecto a dos artistas locales: Aldana Herrera y Luis Heras, actores profesionales que subirán al escenario juntos en un diálogo con los participantes.