Público: General

Erase una vez un apocalipsis… Solamente sobrevivieron algunos seres en un arca que navega sin rumbo ni tierra a la vista.

Los años han pasado y las formas de vida han aprendido a establecer nuevos vínculos y conexiones: las jerarquías no son ni verticales ni horizontales, sino circulares o en espiral; la muerte es una metáfora; y la transformación es un espectáculo. A su alrededor solo hay océano. Sesiones de llanto multiespecie, stripteases (post)dramáticos y rituales compartidos de duelo hiperconectan y desencadenan sentimientos nunca antes sentidos por les habitantes del arca mientras la mítica embarcación viaja hacia un presente en bucle. Pero la moral y la ética son más un proceso continuo que un sistema fijo y este nuevo sistema también está condenado a cambiar.

Paul B. Preciado pone de manifiesto que el aprendizaje que más nos urge es el de cómo convivir con los animales y cómo convivir con los muertos. ¿A través de qué tipo de cambios convulsos tenemos que pasar para visualizar, desde el arca, futuros?

ARCAS 2020 es un simulacro de un ecosistema alternativo con seres ancestrales y de última hora, antenas, dedos, cuerdas, colas de lagarto, patas de araña y cabellos muy enredados.  Es una fabulación especulativa sobre el castigo y el privilegio, sobre nuestro estado actual de paranoia global, pero principalmente es una obra de teatro sobre la necesidad de comprendernos en un entorno de múltiples especies, dónde los seres humanos abandonen el antropocentrismo para imaginar otras posibilidades y formas de convivencia. La existencia no se reduce a un único arca.

Un viaje que ya ha pasado. Un viaje que está sucediendo. Un viaje que se está preparando.

VVAA no es una compañía, es un colectivo artístico formado por una unión de personas que desean comprometerse con la renovación de la cultura y del arte. Entre sus espectáculos destacamos ARCAS 2020 (Teatre Lliure 2021, Teatro Calderón Valladolid 2022 y Teatros del Canal 2022), This is real love (Sala Beckett 2019, Teatre Lliure 2019, Premio de la Crítica 2020), Like si lloras (Sala Beckett 2016, Volksbühne Berlin 2018), Wohnwagen (Escenari Brossa 2016, Teatro Español Madrid 2017, Premio BBVA 2017), Pool (no water) (Fira Tàrrega i Sala Beckett 2018) y Pussy Picnic (La Infinita 2018, Postmasters Gallery Rome 2019).

Una coproducción de VVAA Colectivo, Teatre Lliure y MeetYou Valladolid.

Agradecimientos: Nau Ivanow, Balearia, L’Aquàrium Barcelona, Marc Udina, Blai Juanet Sanagustín.

MATINALES

 Espectáculo en inglés y castellano con sobretítulos en castellano. No recomendado para menores de 16 años.

«Es posible que la violencia de Shakespeare nunca haya sido descubierta de una manera tan brutal y provocativa. Obscena, dura y poética. Palabras. Palabras. Palabras. Pero apenas quedan palabras. Solo algunos aspectos destacados. Poesía reconocible –tal como cita Shakespeare– que ilumina como una centella en una noche oscura y desaparece inmediatamente. Con el tiempo necesario para reconocer el paisaje, pero con el tiempo insuficiente para encontrar el camino. Erwin Jans

Cuando cae el telón después de las tragedias de Shakespeare, el orden se ha reestablecido. En medio de una montaña de cuerpos, la calma del equilibrio desciende una vez más. Lo que precede a todo esto –la obra– escenifica la salida de todas las reglas morales, un alquiler profundo en el tejido social, un exceso de agresividad y de violencia. ¿Es necesario ese exceso para poder demostrar con más contundencia la necesidad de la ley? ¿O la violencia contiene su propia visión? ¿Su propia verdad? ¿Y cuál sería?»

Shakespeare es el escritor más leído y representado que el mundo ha conocido jamás. Y, sin embargo, muchas de las obras son prácticamente irrepresentables debido a su violencia, atrocidad, racismo y misoginia. ¿Qué papel juega la violencia en el arte en el mundo actual? ¿Por qué nos gusta tanto ver violencia? ¿Se ve de manera distinta la violencia hoy en día de cómo se veía en los siglos XVI-XVII?

Jan Lauwers es un artista multidisciplinar, nacido en Amberes en 1957. Es conocido como uno de los artistas de vanguardia más importantes del panorama artístico europeo. En los últimos treinta años, se ha hecho más conocido por su trabajo pionero para la escenario con Needcompany, fundado en Bruselas en 1986, un colectivo de teatro involucrado en diversas vertientes de las artes escénicas (teatro, danza, performance y artes visuales) y pionero en producciones multilingües (neerlandés, inglés, francés, español… ), con énfasis en textos posdramáticos. Además de su trabajo en el teatro, ha tenido una importante carrera en las artes visuales y desde 2018 comenzó a trabajar en la ópera.

Una producción de NEEDCOMPANY

En coproducción con Festival Grec de Barcelona, Teatre Nacional de Catalunya, Teatro Español, Teatro Central de Sevilla, Cultuurcentrum Brugge y Les Salins – Scène Nationale de Martigues.

LIVALONE es una conferencia no académica con formato escénico. La pieza pretende dar voz a la historia de Fran, un joven de 25 años, actor y creador, que intenta por varios caminos la gran hazaña de vivir solo (sin compartir piso) en una ciudad como es Barcelona. Es un relato en primera persona de todos los tropiezos para lograr lo que acaba siendo ya, más que un derecho, una necesidad. Convivir con la especulación, la gentrificación, la burbuja inmobiliaria, la clase baja venida a más, las apps para encontrar a tu buddy, el turismo de masas amparado por el alcahuete Airbnb, la dignidad de toda una generación que por primera vez en muchos años vive peor que sus predecesores. Una disertación sobre la situación actual de la vivienda y la precariedad juvenil. Una ponencia que especula y cuestiona los caminos para llegar a la autosuficiencia con menos de treinta años y viviendo en el segundo país de Europa con más desempleo y con un salario mínimo interprofesional lamentable. Y todo esto, con un ejercicio lingüístico que pretende dar sonoridad, ritmo y poética al texto. Acompañado de proyecciones audiovisuales que relatan, des de lo personal, el proceso de Fran para emanciparse y dejar de compartir piso en el barrio de Poble Sec. Un relato que transita la conferencia para acabar abordando el concepto de H O G A R.

*del inglés live alone (vivir solo).

 Francesc Cuéllar

Graduado en Interpretación por el Institut del Teatre de Barcelona. Amplia su formación en workshops con la bailarina Lali Ayguadé y con el bailarín y performer Brandon Lagaert de la compañía de danza Pepping Tom. Además, cursó el primer ciclo de Comunicación Audiovisual en la Universidad de Barcelona.

Forma parte de la compañía José y sus hermanas con las que ha creado Los bancos regalan sandwicheras y chorizos (espectáculo ganador de dos Premios de la Crítica 2017) y Arma de construcción masiva (coproducción del Festival Internacional TNT). En 2017 forma su propia compañía Fundación Agrupación Colectiva con la que estrenan su primer montaje, que escribe y dirige, My low cost revolution (justificaciones del porqué soy una radical de mierda) que hace dos temporadas a Barcelona. Estrenan su segunda pieza Subversive Collective Violence en México, después de dos meses de residencia en Guadalajara, donde firma la dirección, dramaturgia y la interpretación.

Forma parte del grupo de creadores #FF90, impulsado por el Graner dentro del marco del Festival Sâlmon, el Festival Sismògraf y el Festival GREC.

Alejandro Curiel

Cursa estudios de interpretación en la Escuela de Arte Dramático de Valladolid completando su formación dentro del campo de la danza contemporánea y el teatro visual. Una vez en Barcelona continúa con su trabajo como intérprete, esta vez dentro del mundo audiovisual. En 2011 ingresa en el Institut del Teatre especializándose en la dirección escénica.

En el terreno profesional ha colaborado en diversas producciones de pequeño formato. Como director escénico ha sido artista residente de la Sala Hiroshima de Barcelona durante la temporada 15-16 estrenando allá sus dos primeras piezas de creación. En 2017 su pieza All by myself forma parte de la programación del Festival Grec dentro del contexto Grec+ que Antic Teatre genera para dar espacio a jóvenes creadores dentro del marco de dicho festival. Además, en otoño de este mismo año su última pieza,

P/P (Propiedad Privada), es estrenada y coproducida por el festival TNT Terrassa Noves Tendències. En la actualidad compagina su faceta de creador con la de intérprete dentro de la compañía José y sus Hermanas.

Una coproducción de Fira Tàrrega, Temporada Alta y Fundación Agrupación Colectiva.

Carles y Bárbara se conocieron hace años en Radio Nikosia, una asociación formada por personas que se relacionan con el sufrimiento mental. Carles es licenciado en filolo-gía alemana, habla, escribe y lee en 5 idiomas. Trabaja relegado y de forma precaria como vigilante en un parking haciendo el turno de noche: un lugar oscuro y solitario donde dialoga consigo mismo y sus libros. ¿Un intelectual forzado a estar en la oscuridad por su condición mental?

Una pregunta que deviene en una reflexión sobre los cuerpos que viven en primera persona el estigma. Una pregunta de la que nace su amistad y sus primeras conversaciones.

Durante un año y medio, Bárbara y Carles han estado compartiendo lecturas y reflexiones y de toda esa experiencia surge Hacer noche.

Hacer noche es un viaje, es un ejercicio de escucha, una reflexión escénica que tiene como punto de partida “Viaje al fin de la noche” de Celine. Una reflexión sobre los cuerpos y sus contextos. Cuerpos que se esconden, que sufren, que dejan de ser visibles. Hacer noche es una conversación a dos sobre muchos. Sobre poder, silencio, precariado laboral, soledad, vulnerabilidad, sufrimiento mental… Sobre esta nuestra locura contemporánea.

Yuri Gagarin estuvo en el espacio tan solo una hora y cuarenta y ocho  minutos y sin embargo fue el primer hombre en ver la tierra desde el espacio exterior, ciento ocho minutos que cambiaron la historia del mundo. Ciento ocho minutos en los que tomar distancia, y que convirtieron a Gagarin en un símbolo para la humanidad completa y en especial para la antigua URSS. Cuántos de nosotros tendremos esos ciento ocho minutos, cuántos de nosotros seremos parte de la historia. 

Una historia para fracasar y entender las cosas jugando. El ser humano, en su condición perecedera y en su finitud, está en continua búsqueda para trascender, para convertirse en un símbolo, que acaba desvirtuado, defenestrado y olvidado. Difícil mantenerse “vivo”.

Debajo de todo esto, los otros grandes temas: la soledad, la aceptación, el feminismo, la identidad, y la muerte “simbólica”. Símbolos rojos en mitad del espacio entre el silencio y el ruido.

QUÉ COJONES hago yo aquí si yo no soy Gagarin …mi corazón no siente la emoción , es más, parece que fuera a cámara lenta, no sé, puede que hasta esté parado…. y de repente el silencio , un silencio enorme …estoy solo en mitad del espacio, un espacio rojo estoy tan solo como siempre pero esta vez en silencio.

GHETTO 13-26 es una formación con más de 25 años de experiencia, primero como laboratorio teatral y en los últimos años como compañía profesional. Sus creadores Félix Fradejas y Marta Ruiz de Viñaspre, plantean sus propuestas como ejercicios de estilo, experimentando con todos los aspectos del hecho escénico, y centrándose en la interpretación y en las nuevas dramaturgias con una mirada diferente.

Han  forjando su propio sello y su particular manera de relacionarse con el espectador, tanto a través de creaciones propias como de adaptaciones o versiones libres de obras clásicas.

“Lear mother fucker”, “Macbeth, Sonora, Tannhauser”, “Puta”, “Entrevista a Genet”, “Enemy-go”, «El último ángel”, “Compro tiempo”, «Tablas de carnicero», “Femenino singular grita”, “Se prohíbe mirar el césped”, “Bodas de Sangre”, «Underground»,  “Bernarda Alba Sugar free” son sólo algunas de sus propuestas, participando en diversas Ferias y Festivales en varias de sus ediciones como Festival Escena Abierta de Burgos, Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid TAC, Feria de Teatro de Castilla y León en Ciudad Rodrigo, Festival de Moncófar, Festival de Teatro Alternativo de Urones de Castroponce FETAL,  Festival MEETyou en Valladolid, entre otros.

Reciben a lo largo de estos años diferentes premios y menciones como el Premio Giordano Bruno de los Premios Moretti 2014 por toda su trayectoria, Premio Estación Norte del Festival Internacional de Teatro y Artes de Calle de Valladolid TAC2013 por su espectáculo “Se prohíbe mirar el césped”, Premio Mapping Me de Medina del Campo (Valladolid), entre otros.

En coproducción con Meet You/Teatro Calderón de Valladolid.

MATINALES

“One night at the golden bar” es una declaración de amor cursi desde una mirada queer. La búsqueda de un estado de vulneraziación que ponga en evidencia el poder de los afectos y la belleza que se esconde en la fragilidad. Desde el imaginario de la figura celestial del ángel se atraviesa una lluvia de cuestiones: qué masculinidad nos gobierna, qué fragilidades y grietas no se están mencionando, qué identidades están en un lugar vulnerable y monstruoso al mismo tiempo, cómo cantar al destino que nos aplasta, al amor desfasado, al amor infinito, políticamente incorrecto, insurrecto, sacrificado. Cómo vamos a proteger a estos cuerpos e identidades cuando griten públicamente cómo se sienten cuando aman; puede que ahora sea el momento de contratacar. Hay una fuerza en todo lo extremadamente frágil, como dijo Rilke «todo ángel es terrible». Y como dijo Ana Torroja en «La fuerza del destino»: una noche en el bar del oro me decidí atacar.

Soy Alberto Cortés. Inicié mi formación como director y dramaturgo en Málaga, donde también estudio Historia del Arte. Estoy en la escena porque en cierto modo la detesto y en esa guerra encuentro mi lugar. En 2009 comencé mi camino en lo escénico desde la dirección y la dramaturgia bastarda y se ha ido transformando con los años en un proceso largo de asalvajamiento desde la periferia andaluza. Me encuentro con diversos creadores que han formado parte de mi formación y que en algún momento han influido en mi modo de mirar la escena (Gabriela Carrizo, Rodrigo García, David Fernández, Patricia Caballero, etc.) hasta desarrollar un camino que me hace colocarme sobre el escenario. Sigo sosteniendo mis ganas de continuar porque tengo esperanza en lo innombrable, lo intangible y lo humano. Desarrollo mis propias creaciones, comparto mis inquietudes en forma de talleres y acompaño el trabajo de otras creadoras. A día de hoy desarrollo mi identidad siendo creador, director, dramaturgo, acompañante, performer, docente, hijo, tío, amante, amigo.

www.comoseralbertocortes.com

Con el apoyo de: Residencias Ágora (Junta de Andalucía), Conde Duque, Teatro Calderón (Valladolid) y Graners de Creaciò