JALEO is a crime

Segundo acercamiento desde la remezcla audiovisual, lo flamenco y las fiestas Los Voluble quieren seguir explorando la pantalla y las herramientas audiovisuales como un campo posible de lo flamenco. El paso de lo oral a la grabación en discos accesibles por todo el mundo supone un cambio radical en las formas de relacionarse con las músicas sin partituras. ¿Ha supuesto la audiovisualización de Internet un cambio de similares características? Los Voluble siguen la senda marcada por la primera entrega de su ‘Flamenco is not a crime’ esta vez para profundizar en archivos, ya no solo de Internet, y construir un nuevo live cinema que sigue utilizando de manera singular deblas, tonás o martinetes procesados por su mirada y su atenta escucha a los ritmos contemporáneos. En JALEO is a crime, Los Voluble plantean archivos que bailan, remezclas que divierten y luchas políticas tumultuosas que dan pie a un espectáculo audiovisual que rehuye de la ojana y de la búsqueda del ole inmerecido. “Del JALEO queremos rescatar la fuerza del anonimato y las posibilidades de la mutación de estilos, sonidos y escenas electrónicas de todo el mundo.” Practicando el escapismo como forma de conocimiento este espectáculo audiovisual presenta lo flamenco como laboratorio, el hackeo como saber popular y la voz como constatación de lo impuro. Frames, ritmos y acciones colectivas que inciden en el movimiento continuo del ser humano en su relación con el arte y lo cotidiano.

Los Voluble llevan más de dos décadas enredando con la remezcla, el live cinema, el folclore digital y el political remix video. Con ‘Flamenco is not a crime’, estrenado en el festival flamenco de Nîmes, marcan un punto de inflexión, desarrollando una reflexión heterodoxa sobre lo flamenco, la fiesta o el purismo de la electrónica. Utilizando la pantalla como un instrumento más que facilita la comunicación de un contenido que profundiza en la cultura crítica y en esos puntos de unión, que algunas veces parecen invisibles. Espectáculos como ‘Borderhack’ sobre a las fronteras y las migraciones o ‘No Media Detected’ sobre los medios de comunicación, así como diferentes acciones en encuentros de arte, como el videomapping ‘La hipoteca de tu vida’ enmarcan las creaciones de Los Voluble. Han firmado videoclips para bandas tan diversas como Pony Bravo, Hijos del Trueno, BSN Posse, Maria José Llergo o Califato 3/4. Siempre en investigación continua con Raúl Cantizano, Santi Barber, Rocío Márquez, Alicia Acuña, Manuel León o Niño de Elche, las colaboraciones de Los Voluble no cesan. En 2021 han estrenado nuevo show av titulado .nomedia junto a al reconocido artista visual Juanjo Fernández. Con Niño de Elche fueron responsables de abrir la presencia del flamenco en el festival Sónar con el estreno de ‘Raverdial’ y ‘En el Nombre de’. ‘La Costilla de Rocío’, ‘Carta Flamenca a Nam June Paik’ o ‘Turismo sin fin’ son algunas de las propuestas de investigación y experimentación sonora, visual y conceptual en las que se han implicado a lo largo de los años. Sesiones eclécticas y bailables que han sido programadas en citas como la Bienal de Flamenco de Sevilla, el Festival Flamenco de Nueva York, la Seminci, el festival Periferias o el Monkey Week, por citar algunos. En 2020 pusieron en marcha el concierto audiovisual para guitarra preparada de Raúl Cantizano ‘Zona Acordonada’ que ha estado presente en la temporada de teatros como la de L’Artesá, Teatro Alhambra o Conde Duque.

MICRO ∞

Micro ∞ es el último proyecto de David Raio. Es un viaje de ida y vuelta dentro de las perspectivas que nos rodean sin pertenecer a ellas por ser demasiado pequeñas o demasiado grandes. Un concepto que va de lo microscópico a lo infinito y retorna. Visuales realizadas a partir de videos, generadores IA animados y generadores gráficos interactivos. Música basada en la repetición, ambientación sonora y la experimentación con la síntesis del sonido.

Micro ∞ es un directo audiovisual realizado con sintetizadores modulares y visuales interactivas. Cada live AV está abierto al cambio y la improvisación por ser completamente directo e interactivo, buscando así la conexión y exclusiva experiencia con cada público. Los elementos principales del espectáculo son las visuales y el sonido quedando todo lo demás al servicio de estos.

David Manso es quien está detrás del seudónimo RAIO.
Un músico y artista multimedia especializado en video mapping.
Compositor, productor e intérprete en diferentes espectáculos
actualmente en activo a nivel nacional, en un amplio abanico de
estilos, desde música clásica, jazz, soul, rock y pop hasta música
electrónica, estilo en el que está trabajando vistiéndole de video
arte. Cuenta con varios trabajos editados en diferentes sellos
(Providance, Love Corporation) y un palmarés entre los que
destacan dos premios a nivel nacional en la sección musical de
nuevas tendencias (Villa de Bilbao, Lagarto de Jaén). Colaborador
con las Orquesta Sinfónica de Castilla y León en Back to the
Future, proyecto que fusiona música electrónica y música clásica,
del que es creador de la parte electrónica.
Intercala su actividad artística con la de docente llevando más de
diez años como profesor de guitarra clásica en la Escuela Municipal
de Música de Simancas.
En el campo de creación visual destaca dentro del video
mapping. Colaborando con diferentes empresas ha participado
en espectáculos de video mapping pioneros del país, para pasar
a presentar un trabajo propio realizando piezas de video mapping
con música original. Su sello ha estado presente en Festivales
internacionales como el TAC de Valladolid o El Puerto Encantado,
de Santander.

La enfermedad del mal gusto

¿Qué es digno de ser observado?

¿Qué consideramos carente de relevancia?

Todos construimos un relato basado en nuestra propia experiencia, destacando aquello que pueda resultar más llamativo y ocultando lo que arruinaría la armonía del conjunto. Podríamos concebirnos como los realizadores de un reality show. Pero, ¿qué tiene de real un reality? ¿qué tiene de real nuestra propia vida?

La enfermedad del mal gusto atraviesa continuamente la pantalla que tenemos enfrente, fragmentado el vínculo que existe entre los que hacen y los que observan.

TRIPABAJO TEATRO:

Tripabajo se aproxima a un metodología de creación horizontal y no jerarquizada diluyendo en sus procesos artísticos los roles tradicionales dentro de los vínculos creativos.

La compañía nace de una inquietud común, la creación de piezas que incorporen tanto temáticas como lenguajes próximos a nuestra generación. Este interés se debe a nuestras primeras experiencias como espectadores teatrales durante la adolescencia, las cuales, en muchas ocasiones, nos generaron cierto rechazo debido a la lejanía entre nuestras vidas y lo que ocurría en escena.

Tripabajo surge en 2021 con la creación teatral, Amor Desnudo, fruto de una residencia artística en el Teatro Cervantes de Valladolid. Pieza galardonada  con el Primer Premio en la categoría de Artes Escénicas/Teatro en el Certamen Arte Joven de ese mismo año.

Es mi fiesta y lloraré si quiero es la segunda puesta en escena de la compañía fruto de una investigación sobre el sentimiento de soledad en los jóvenes y el tabú que lo rodea en la actualidad. Es creada junto a Andén 47 y su programa de creación artística para compañías. El proyecto es seleccionado por el Cercle Artístic de Ciutadella como ganador en la VIII Residencia de Creación Teatral del Premi Born de Teatre.

En coproducción con Meet You Valladolid/Teatro Calderón y Andén 47.

No signal

BROMO nació hace 6 años con el primer álbum «Traces of erosion» bajo la necesidad de utilizar nuestras herramientas de creación para realizar espectáculos AV que contengan un fuerte mensaje que haga reflexionar al público. Un proyecto audiovisual de arte digital bajo códigos de live cinema compuesto por Azael Ferrer (AAI) a las visuales y Paloma Peñarrubia en la parte musical, ambos, música e imágenes forman BROMO.

No Signal es nuestro último espectáculo en el que tratamos la actual especulación espacial. Hemos tocado en Keroxen, Eufonic, L.E.V., VOlumens, Trend Badajoz, OFFF Sevilla, Festival de Cine de Málaga, In Sonora, Cosmocaixa (BCN), Entropía (Zaragoza), Sonoras (Valencia), Centro Botín (Santander)

La propuesta de Bromo va más allá de un proyecto audiovisual de música experimental y arte generativo traspasando la habitual capacidad ‘decorativa’ para convertirse en parte indiscutible de su discurso escénico, musical y estético. Nuestras premisas se basan en acercar temas sociales, medioambientales o políticos desvinculados de la información que consumimos en nuestras rutinas pero que determinan nuestro sistema como humanidad.

Unimos el carácter lúdico, con la divulgación y activismo a través de la búsqueda constante de nuevas herramientas de comunicación, esta faceta conceptual en la que los procesos de investigación se convierten casi en acercamientos académicos nos ayudan a crear experiencias transformadoras, promover un público activo y generar una reflexión en el espectador.
Con No Signal, proponemos un viaje inmersivo a través del espacio. Un recorrido por los principales hechos de estudio de las grandes Agencias Aeroespaciales. Avances, retrocesos y posibles consecuencias de estos objetivos. ¿Son los viajes interestelares la solución para la humanidad? Hablar del espacio es hablar de la condición humana. Un reflejo de la sociedad, de los principales problemas que desajustan el sistema, del motor que mueve las grandes fuerzas, o el de nosotros mismos.

El continuo interminable amor que tengo por ti

Arraigada en el pensamiento oriental primigenio, ‘…el continuo interminable amor que tengo por ti’ se propone vaciar el vaso de lo que no nos pertenece como seres humanos hermosos, poner en duda eso de lo que parece estamos llenos. Dice Zhuangzi: ‘Antes que defender el punto de vista que uno rechaza o que el otro defiende, mejor sería ver claro’. En momentos de vertiginosa confusión global, ir al pensamiento originario, puede ser una valiosa brújula. En su defensa, la certeza única de que el Amor es el motor del Todo del que somos parte. Eso, y la calma de saber que, con mucha probabilidad, ‘la Belleza permanece en las imposibilidades del cuerpo’.

Manuela Barrero: Tras trabajar durante trece años con la cìa Losdedae en más de una veintena de producciones, Manuela Barrero comienza su trayectoria como creadora independiente fusionando su carrera en el mundo de la danza con su formación y especialidad en Arte Contemporáneo. Así, inventa y dirige su propia compañía, Manuela Barrero dlcAos, un proyecto en el que el encuentro y
retroalimentación entre diferentes disciplinas (artes plásticas, lo audiovisual, literatura, música, danza, teatro, pensamiento) y lo escénico, es sello de identidad en cada creación. Con I’ll be your mirror, zèbre, no exit o … el continuo interminable amor que tengo por ti, Manuela Barrero dlcAos ha sido coreógrafa residente del Centro Coreográfico Canal, la Compañía Nacional de Danza, Spain o el Centro Coreográfico María Pagés, y ha viajado a diferentes festivales y
encuentros organizados por el Instituto Cervantes, o la Fundación
SGAE, entre otras instituciones. Entre sus trabajos para producciones teatrales, ha coreografiado para el Teatro Calderón de Valladolid, para Miguel del Arco o Juan Echanove. En 2022 se ocupa de la creación coreográfica de la producción Pan y Toros para el Teatro de la Zarzuela.

Tengo derecho a destruirme

ESTRENO ABSOLUTO

«Este proyecto nace de mi necesidad de diálogo con la muerte. Me enfrento a la muerte para preguntarle todo aquello que necesito comprender, busco en ella una respuesta. Para ello, decido acercarme a la muerte mediante mi propio funeral.

Este proceso ha sido muy complejo, comenzó siendo una adaptación teatral de la novela surcoreana Tengo derecho a destruirme del autor Kim Young-Ha de la que solo ha quedado el título, pinceladas de la temática y la estética de la ‘belleza de la muerte’. En el trabajo de adaptación hubo una pelea interna con ese material y con mi enfoque personal, que no aparecía por ningún lado. Me lancé a una página en blanco y vomité todas mis frustraciones, mis inquietudes, mis anhelos… de más de un año que no había sido capaz de procesar. Este trabajo es muy personal, habla de mí, de mi experiencia y de mi deseo por que todo el mundo ame la muerte o, al menos, se acerque sin miedo a dialogar con ella.»

Chicas y maletas es un colectivo de mujeres artistas al que pertenece Adriana Tironi, en el cual coincidieron durante su formación académica. Les ha unido su afinidad en la manera de entender el teatro. Colaboran entre ellas para llevar a cabo sus trabajos escénicos, tanto individuales como colectivos, creando una sinergia en la que poder apoyarse para avanzar juntas.

Random podcast escénico

Recogida de invitaciones en taquilla hasta el viernes 26 de mayo incluido. Hasta completar aforo. 

Se entregará un máximo de 4 invitaciones por persona.

La taquilla permanecerá cerrada los días 27 y 28 de mayo. 

Horario taquilla: martes a viernes de 10 a 14h y de 17 a 20h.

Hoy la percepción es incapaz de conclusión, pues hace zapping a través de una red digital sin fin. El rápido cambio de imágenes imposibilita cerrar los ojos, pues esto presupone una demora contemplativa. Las imágenes están construidas hoy de tal manera que no es posible cerrar os ojos. Entre ellas y el ojo se produce un contacto inmediato, que no admite ninguna distancia contemplativa. La coacción a la permanente vigilia y necesidad dificulta cerrar los ojos.

Han, Byung-Chul. Por favor, cierra los ojos.

Random de temas. Random de acciones “interdisciplinares” bajo un paraguas sonoro que nos permite, de una vez cerrar los ojos y tener respiro.

Podcast como formato “ancla” para desarrollar nuestra investigación. Constará de uno o varios moderodarxs, presentadrxs que darán paso a los temas y las acciones performativas con un resultado escénico presencial y audiovisual. El audio directo podrá ser emitido por redes y vinculado a otros espacios comunicativos virtuales y/o presenciales.

En un mundo de inmediatez y superficialidad pretendemos revelar, a través de la palabra y la acción, las pesadumbres y fortalezas de los jóvenes adultos que habitan en su propio “mundoshock”, activando la reacción artística a tendencias vanas e inanes.

Entrañas con patatas

Recomendado para mayores de 12 años.

Entrañas con patatas es una viaje de una hora por la esencia de sus protagonistas, Luis y Pere, donde junto a Sarah, la técnica que hace que todo suceda, cuentan su peculiar historia de amor que transita desde lo más absurdo hasta lo más profundo de una relación, dos seres unidos por el vínculo de la amistad que han decidido transitar el miedo a través de la exploración del ridículo y la total exposición de todo lo que su identidad conforma donde el error se convierte en una herramienta esencial cuyo árbol da fruto a una historia orgánica y cambiante que se sostiene gracias a ese fino margen entre el riesgo y el control. El imaginario queda inaugurado… Lo demás toca desentrañarlo.

Los Informalls es una compañía de artes escénicas multidisciplinar que funciona como plataforma para la creación artística. Representa un estilo de vida basado en el movimiento, el humor y la agitación social, a la vez que defiende un arte cercano y sensible al mismo tiempo. La compañía se mueve en un lugar entre la danza, el teatro y lo desconocido. Sus creadores, Fruta y Pere, son dos profesionales de la improvisación, navajas suizas multiusos, decatletas del arte y de la vida, amantes de jugar con los límites de lo establecido y lo políticamente correcto, siempre dispuestos a descubrir lo que el destino les depare en cada creación, acción o intervención.
Los Informalls existe oficialmente desde el 2 de Febrero de 2019, día en el que empezaron la creación de su primera pieza Entrañas con patatas. Desde entonces han colaborado en festivales y lugares como La Mercé, Deltebre Dansa, Danseu Festival, Centro Botin, Festival Hop, Free Bodies, Teatro Pradillo, Festival Asalto o Descalzhina entre otros.

Morta Splendor

Versión en castellano con subtítulos en inglés. 

Con Morta Splendor, Bárbara Sánchez pone punto y final a la Trilogía de la Soledad, el proyecto de creación en el que lleva inmersa desde 2015.  Después de abordar la cuestión de la Pena (SomewhatPaler, 2016) y del Amor Místico (Várvara, 2019), le ha llegado el turno a la Muerte.

Morta Splendor ha venido a mostrarte su rostro. Ella es el reflejo más siniestro y necesita tu corazón caliente para poder existir. Número tras número, como sucede en los espectáculos de variedades, ella hará aparecer ante ti distintos personajes, distintas voces y distintos cuerpos. Pero ella siempre será la misma: da igual que aparezca como una gótica auténtica, una moderna siniestra, una bailarina exótica, un espectro o un payaso espeluznante. Ella la extinción misma y está aquí para mostrarnos que, si para algo sirve el teatro, es para dejarnos ver como todo llega a su fin.

(Texto de Jaime Conde-Salazar Pérez)

Bárbara Sánchez es coreógrafa, bailarina y actriz. Nace y vive en Sevilla. Estudia arte dramático, danza clásica y contemporánea en Sevilla, ampliando su formación por distintos lugares europeos con maestros y coreógrafos tales como Philippe Gaulier, Enrique Pardo, Germana Civera, Julyen Hamillton o Ivo Dimchev. Como bailarina ha formado parte de las compañías andaluzas Manuela Nogales, La Tarasca o La Cuadra de Sevilla. Ha creado las obras A la vuelta de
la esquina (2003), El jardín de atrás (2005), Plutón no es un planeta(2008), Gala Fantoche(2010) creada junto a Roberto Martínez, Ahuyéntanos este furor(2011), La satisfacción del capricho(2013),
Electrohumor(2016) creada junto a Jaime CondeSalazar, Somewhat paler(2016) y Várvara(2019).
Ha trabajado también con otros artistas como Abraham Hurtado (Ignición), Sociedat Doctor Alonso (El desenterrador) o Meg Stuart (Atelier III).

MORTA SPLENDOR es una coproducción de MeetYou Valladolid y Bárbara Sánchez La Puchereta.

Con el apoyo de: Azala, L´Estruch, La Poderosa, L´animal a la esquena, Tenerife LAV. Ágora (Junta de Andalucía), Conde Duque.

Donde siempre, siempre

Una inquietante biografía, una crónica política narrada desde la sátira, un recuerdo entrañable, y el relato de un éxodo. Cuatro historias que se mueven entre la infancia y la vejez, y nos hacen reflexionar sobre las mentiras que contamos, para proteger a los que consideramos más frágiles.

En la obra están presentes temas íntimos, cercanos que, aún envueltos en un ambiente cálido y acogedor, no logran ocultar la dureza de sus historias, el dramatismo del paso del tiempo y de la vida.

Los cuentos de siempre, los cuidados familiares, los juegos, los niños y la gente mayor, con sus debilidades y sus fortalezas, son tratados desde un nuevo punto de vista que invitan al espectador a reflexionar sobre temas tan universales.

Lupe Estévez es licenciada en Bellas Artes lleva toda la vida moviéndose en el teatro y alrededores; diseñando vestuario, atrezo, títeres y también narrando y creando piezas para público familiar con la compañía Laboratoria y La Compañía de Lupe y Luisa.

Ahora presenta en solitario una propuesta muy personal para público adolescente y adulto, “Donde siempre, siempre”.